Gravura na Europa, c. 1400−1800

A impressão de livros foi um esforço colaborativo, como vemos aqui com diferentes pessoas preparando um livro para a imprensa. Jan Collaert I depois de Joannes Stradanus, “A invenção da impressão de livros, " no Novas invenções dos tempos modernos (Nova Reperta), placa 4, c. 1600, gravura em papel, 27 x 20 cm (Museu Metropolitano de Arte)

p A imprensa foi indiscutivelmente uma das invenções mais revolucionárias da história do início do mundo moderno. Enquanto o ourives e editor alemães do século XV, Johannes Gutenberg, é aclamado por sua criação de uma impressora mecânica que permitia a produção em massa de imagens e textos, a tecnologia do tipo móvel foi introduzida pela primeira vez muito antes no Leste Asiático. Na China do início do século XI, o artesão Bi Sheng descobriu que podia fazer caracteres chineses individuais de argila cozida para criar um sistema de tipos móveis. Mais tarde, na Coréia do século XIII, foi produzido o primeiro tipo móvel de metal conhecido.

Páginas do livro existente mais antigo do mundo impressas com tipos de metal móveis, Antologia dos Ensinamentos Zen dos Grandes Sacerdotes Budistas , 1377, 24,5 x 17 cm (Bibliothèque nationale de France)

p Maior contato e intercâmbio entre culturas no Leste Asiático e na Europa por meio da Rota da Seda, começando no século XIII, levou à disseminação de tais inovações de impressão. De fato, em meados de 1400, Gutenberg estava em uma posição privilegiada para desenvolver seu processo mecânico de impressão de múltiplos das mesmas fontes textuais e representações visuais, que, graças ao suporte de papel portátil e mais acessível, significava que eles poderiam ser amplamente divulgados, servindo como um modo inicial de comunicação de massa na era pré-digital. A publicação de gravuras juntamente com a introdução de tipos móveis ofereceu possibilidades sem precedentes para o intercâmbio cultural de conhecimentos e ideias, bem como estilos e designs artísticos.

Esta ilustração vem de um livro publicado por Erhard Ratdolt, um dos primeiros impressores alemães de Augsburg, e é ilustrado com setenta e três xilogravuras. Aqui vemos “Sol” ou “Sol, ”Em Albumasar, Flores astrologiae (Augsburg:Erhard Ratdolt, 18 de novembro 1488), imagem 22 (Coleção Rosenwald, Divisão de livros raros e coleções especiais, Biblioteca do Congresso)

A democratização da arte

p Antes do século XV, obras de arte como retábulos, retratos, e outros itens de luxo eram encontrados principalmente nas residências de clientes ricos e nas igrejas, porque era a elite social e os líderes religiosos da comunidade que tinham os recursos financeiros para encomendar esses objetos requintados. O formato reproduzível de impressão e a crescente disponibilidade de papel proporcionaram à crescente classe média, quem pode não ter tido os meios para comprar pinturas ou estátuas, a oportunidade de coletar representações artísticas. Embora os projetos de grande escala ainda fossem financiados por patrocinadores ricos, a maioria das cópias foi comprada por especulação. Como resultado, vemos uma gama de assuntos descritos na impressão que teria atraído diversos colecionadores. Por exemplo, o desejo de estudar o passado, literatura, e a ciência nas cidades do início da Europa moderna encorajou os gravadores a abastecer o mercado de arte com representações da história antiga, mitologia clássica, e o mundo natural.

Sutra Diamante , 868, pergaminho impresso em xilogravura, encontrados nas Cavernas Mogao (ou "Sem par") ou nas "Cavernas de Mil Budas, ”Que foi um importante centro budista dos séculos 4 a 14 ao longo da Rota da Seda (Biblioteca Britânica)

Xilogravura

p A forma mais antiga de gravura é a xilogravura. Já na Dinastia Tang (início no século VII) na China, blocos de madeira foram usados ​​para imprimir texto em peças têxteis, e depois em papel. Por volta do século oitavo, a impressão em xilogravura se consolidou na Coréia e no Japão. Embora a prática de imprimir fontes escritas seja parte de uma tradição muito mais antiga no Leste Asiático, a produção de imagens impressas usando xilogravuras era um fenômeno mais comum na Europa, começando na Alemanha do final do século XIV e subsequentemente se espalhando para a Holanda e ao sul dos Alpes suíços para áreas do norte da Itália.

As primeiras xilogravuras freqüentemente mostram assuntos religiosos. Aqui vemos a Virgem Maria embalando seu filho morto, Jesus. Sul da Alemanha, Suábia, Pietà , c. 1460, xilogravura, colorido à mão com aquarela, 38,7 x 28,8 cm (Museu de Arte de Cleveland, Cleveland)

Petrus Christus, Retrato de uma doadora ajoelhada diante de um livro com uma impressão pendurada na parede atrás dela (detalhe), c. 1455, óleo no painel, 41,8 x 21,6 cm (Galeria Nacional de Arte)

p Durante a segunda metade do século XV, depois que Gutenberg inventou sua impressora, a xilogravura tornou-se o método mais eficaz de ilustrar textos feitos com tipos móveis. Como resultado, cidades na Europa, nomeadamente Mainz, Alemanha e Veneza, Itália - onde a gravura inicialmente se estabeleceu, tornou-se centros importantes para a produção de livros. O método europeu de fazer imagens impressas em papel usando uma prensa mecânica chegou ao Leste da Ásia no século XVI, mas não foi amplamente adotado para fins artísticos até alguns séculos mais tarde, durante o período Edo, no Japão, quando as xilogravuras coloridas (gravuras ukiyo-e) foram produzidas em grande número.

p As primeiras xilogravuras de folhas soltas europeias retratam temas predominantemente cristãos, servindo como imagens devocionais relativamente baratas. Enquanto os museus hoje preservam as impressões em caixas climatizadas para garantir que durem para as gerações futuras desfrutarem, nos séculos XV e XVI, eles foram dobrados e carregados pelos peregrinos em suas viagens, recortado e colado nas capas internas dos livros, ou pregado nas paredes de uma casa. Consequentemente, poucas xilogravuras antigas sobrevivem porque muitas vezes eram destruídas pelo uso contínuo. Ainda, as principais xilogravuras existentes revelam o caráter estilístico desse tipo inicial de impressão.

Esta xilogravura sobreviveu a um incêndio. Mostra Maria segurando o menino Jesus, rodeado de santos e cenas da vida de Maria. Gravador desconhecido do século 15, Madonna do Fogo , antes de 1428, xilogravura, colorido à mão com tinta, dimensões desconhecidas (Catedral de Santa Croce, Forlì, Itália)

p Por exemplo, duas xilogravuras (a Pietà feito no sul da Alemanha e no início do século XV italiano Madonna do Fogo que supostamente sobreviveu a um incêndio que destruiu o prédio em que estava alojado) exibem figuras e outros elementos cênicos que são representados com contornos grossos. Essas imagens apresentam sombreamento e padrões mínimos, assemelhando-se a desenhos estampados aos quais um colecionador costumava aplicar tinta à mão para aumentar o apelo emocional da composição. Isso é visto com a incorporação de listras vermelhas de tinta que representam o sangue escorrendo das feridas de Cristo no Pietà imprimir.

Esquerda:Albrecht Dürer, xilogravura para Sansão e o Leão , c. 1497−1498, madeira de pêra, 39,1 x 27,9 x 2,5 cm (Museu Metropolitano de Arte); direita:Albrecht Dürer, Sansão e o Leão , c. 1497−1498, xilogravura, 40,6 x 30,2 cm (Museu Metropolitano de Arte)

Um artista contemporâneo usa uma goivadora manual para cortar um desenho em xilogravura em um compensado japonês. O desenho foi desenhado a giz em uma face pintada de madeira compensada (foto:Zephyris, CC BY-SA 3.0)

p Um tipo de processo de alívio, uma xilogravura é produzida pintando a superfície elevada da matriz, o que resultará em uma impressão espelhada da composição quando o bloco é pressionado sobre uma folha de papel usando pressão manual ou mecânica (uma prensa de impressão). O carimbo de borracha é um exemplo moderno de impressão em relevo. Para criar o design no bloco de madeira, um artista usa uma faca ou goiva para cortar partes da madeira entre as linhas e formas que serão impressas. Ao cortar as áreas de madeira, é preciso ter cuidado para não deixar as linhas em relevo muito finas, ou então elas podem quebrar quando a pressão é adicionada para produzir uma impressão, é por isso que as primeiras xilogravuras apresentam designs com contornos ousados.

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p O processo de relevo é um dos principais tipos de gravura. Para fazer uma xilogravura, um artista pinta a superfície elevada da matriz, que cria uma impressão espelhada da composição quando o bloco é pressionado sobre uma folha de papel usando pressão manual ou mecânica (uma prensa de impressão) (vídeo do Museu de Arte Moderna).

p No final do século XV, o artista alemão Albrecht Dürer encontrou uma maneira de retratar sutilezas texturais e tonais impressionantes em suas impressões. Ao esculpir uma série de linhas finas juntas em seu Sansão e o Leão , ele representou sombras de forma convincente na encosta.

As áreas brancas nesta impressão não estão vinculadas, atuando como destaques na cena. Lucas Cranach, o Velho, São Cristóvão , c. 1509, xilogravura de claro-escuro (Cleveland Museum of Art, Cleveland)

Xilogravura de claro-escuro

p Conforme indicado pela produção de xilogravuras coloridas à mão, como a Pietà e Madonna do Fogo , alguns colecionadores preferiam a intriga estética e emocional das estampas coloridas. No século dezesseis, gravadores do norte da Europa e da Itália capitalizaram esse interesse fazendo xilogravuras coloridas conhecidas como xilogravuras de claro-escuro, porque imitam a aparência de desenhos em claro-escuro. Neste tipo de desenho, o papel colorido serve como o tom do meio ao qual um artista adiciona pigmento branco para produzir luz ( chiaro ) tons e torna mais escuro ( scuro ) valores incorporando marcas hachuradas com uma caneta ou áreas escuras lavadas com um pincel. O mesmo conceito se aplica às xilogravuras de claro-escuro. Lucas Cranach São Cristóvão , por exemplo, foi feito com duas xilogravuras diferentes. Um bloco de madeira, referido como o bloco de tom, criou o meio-tom laranja. O segundo bloco de madeira, chamado de bloco de linha, produziu as linhas pretas, esse é o design básico e a incubação. As áreas não impressas do papel atuam como destaques.

Um exemplo de Niello placas, com desenhos lineares incisos em uma superfície de metal que foram incrustados com uma substância semelhante a uma pasta escura. Díptico devocional com o natividade e Adoração , c. 1500, Paris, França, prata, niello, liga de cobre dourado, 13,9 x 20,8 x 0,7 cm (Coleção Claustros, Museu Metropolitano de Arte)

Gravação

p Não muito depois de feitas as primeiras xilogravuras, o processo de gravação em entalhe surgiu na Alemanha na década de 1430 e foi usado em outras áreas do norte e do sul da Europa na segunda metade do século XV (o entalhe é uma categoria de gravura que inclui a gravura, ponto seco e corrosão). A gravura permaneceu um método comum de gravura até o final do século XVIII, até a invenção de técnicas planográficas como a litografia. A gravura tem suas raízes na tradição das oficinas de ourivesaria, onde Niello as placas - pequenas placas de ouro ou prata - eram feitas incisando um desenho linear na superfície do metal e embutindo essas ranhuras esculpidas com uma substância semelhante a uma pasta escura para tornar uma representação clara.

p Os artistas arranharam e gravaram placas de metal para criar detalhes finos da superfície (vídeo do Museu de Arte Moderna).

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Burins usados ​​no processo de gravação (foto:Manfred Brückels, CC BY-SA 3.0)

p Ao contrário do processo de relevo da xilogravura, uma gravação é produzida esculpindo em uma placa de cobre usando uma ferramenta com uma ponta em forma de losango chamada de buril, que deixa para trás uma ranhura em forma de V. Uma vez que o design foi totalmente incisado, toda a superfície da placa é pintada. Próximo, a placa será limpa para que apenas a tinta depositada nas linhas incisas permaneça. Agora a matriz está pronta para ser passada pela impressora com uma folha de papel úmida. A pressão da impressora empurra o papel para essas ranhuras e pega a tinta, resultando em uma impressão espelhada da imagem gravada na placa de cobre.

Mesmo que esta seja uma das primeiras gravações de Schongauer, foi extremamente influente. Michelangelo até mesmo o copiou. Martin Schongauer, Santo Antônio atormentado por demônios , c. 1475, gravação, 30,0 x 21,8 cm (Museu Metropolitano de Arte)

p Em comparação com a dificuldade de esculpir um desenho de relevo em uma xilogravura, a técnica da gravura permitia a artistas habilidosos criar composições com detalhes magníficos e estilos variados, sem o medo de produzir linhas muito estreitas que se quebrariam sob a pressão de uma prensa mecânica. Um dos maiores gravadores da Europa renascentista foi Martin Schongauer. Seu Santo Antônio atormentado por demônios mostra sua técnica de gravação versátil.

Martin Schongauer, detalhes de Santo Antônio atormentado por demônios , c. 1475, gravação, 30,0 x 21,8 cm (Museu Metropolitano de Arte)

p Para produzir diferentes texturas, Schongauer usou uma variedade de marcas, como longo, linhas onduladas para renderizar a pele macia do demônio brandindo um taco de linhas curtas em forma de U para criar as escamas da criatura que agarra o braço esquerdo de Anthony. Ao incorporar passagens de densas hachuras cruzadas no corpo de Anthony, Schongauer also gave his figure a three-dimensional presence on the flat paper surface.

Etching likely developed in the workshop of Daniel Hopfer, who created ornamental designs in the surface of metal armor. Attributed to Kolman Helmschmid, etching attributed to Daniel Hopfer, Cuirass and Tassets (Torso and Hip Defense), with detail of Virgin and Child on the center of the breastplate, c. 1510–20, aço, couro, 105.4 cm high (The Metropolitan Museum of Art)

p Etching

p Another intaglio process that developed in Germany around 1500 and remained popular throughout the early modern period was etching. While engraving originated from the craft of gold- and silversmithing, etching was closely related to the armorer’s trade. Etching likely developed in the workshop of Daniel Hopfer in Augsburg, a city in southern Germany. Hopfer discovered that through etching he was able to create ornamental designs in the surface of metal armor.

p To etch an iron or copper printing plate, an acid-resistant substance (usually a varnish or wax) called a ground is applied to its surface. With a stylus or needle an artist draws a design into the ground, removing some of the coating each time a mark is made. After the design is complete, the plate is submerged into an acid bath and a chemical reaction takes place. The acid bites into the exposed metal, creating linear grooves. Once the plate is taken out of the bath and the ground is removed, the incised matrix is ready to be inked and printed in the same way as an engraving. Whereas engraving takes considerable manual labor because the printmaker has to carve into the metal plate, in the etching process, the acid does all of that work, and so it was considered an easier alternative to engraving. Artists who were adept at drawing, but not necessarily trained to engrave plates, found etching to be a suitable medium to make prints, since realizing a design in the ground with a needle was akin to drawing with a pen on paper.

Parmigianino, Entombment , 1529−1530, gravura, 27.1 x 20.4 cm (Cleveland Museum of Art, Cleveland)

p Just like engraving, which had originated in Germany but quickly became popular among artists in other parts of Europe like Italy, etching also spread throughout the continent soon after its development. Parmigianino was one early sixteenth-century Italian painter and draftsman who tried his hand at etching. Seu Entombment shows off his expressive line work. It appears “sketch-like, ” resembling a pen-and-ink drawing rather than an engraving, which is usually characterized by regularized lines and marks of equidistant spacing and length.

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First state, Rembrandt van Rijn, Christ Presented to the People , 1655, drypoint i/viii, 38.3 x 45.1 cm (British Museum, London)

Drypoint

p Drypoint is perhaps the simplest method for creating an intaglio print. It developed at the same time as engraving in early fifteenth-century Germany, and like other related processes, drypoint attracted printmakers working across Europe. The technique involves using a stylus or needle to scratch into the surface of the copper matrix to throw up a burr. Just as the sides of a furrow or trench dug into the ground will hold drifts of snow, the raised edges of a drypoint line will retain ink. When making an engraving, the printmaker scrapes away the burr in order to achieve clean lines when the plate is printed. In a drypoint, Contudo, the burr is left so that when the plate is printed, it produces a rich, velvety line. Unlike engraving, which can yield hundreds of decent impressions, the delicate drypoint burr wears quickly each time a plate is run through the press. Por esta razão, drypoint was most often used to add finishing touches to compositions after the primary design had been engraved or etched. Ainda, some printmakers like the seventeenth-century Dutch master, Rembrandt, preferred to work entirely in this technique.

Detail, first state, Rembrandt van Rijn, Christ Presented to the People, 1655, drypoint i/viii, 38.3 x 45.1 cm (British Museum, London)

p No Christ Presented to the People , the contours of Pontius Pilate, Cristo, and the surrounding soldiers reveal the dense, blurred character of the drypoint burr. Because drypoint created few quality impressions, Rembrandt often reworked his plates, making different states of the same image in order to produce more legible representations. The first state was printed early on in the plate’s lifetime before the burr began to wear. In the fourth state, the once-strong velvety lines have all but disappeared and changes to the architecture are visible. Most noticeably, the balustrade depicted near the upper right does not appear in the first state.

Fourth state, Rembrandt van Rijn, Christ Presented to the People , 1655, drypoint iv/viii, 35.8 x 45.4 cm (British Museum, London)

Mezzotint

Mezzotint rockers (photo:Toni Pecoraro)

p The term mezzotint is a compound of the Italian words mezzo (“half”) and tinta (“tone”), and describes a type of intaglio print made through gradations of light and shade rather than line. To produce a mezzotint, an artist roughens the entire surface of a copper plate with a tool called a “rocker, ” a chisel-like implement with a semi-circular serrated edge. This tool is rocked back and forth across the plate until it has been completely worked, creating a surface full of burr that will hold ink. If you were to print an impression at this stage, it would appear as a field of rich black. To create a legible image, the printmaker must work from darkness to light with the aid of a scraper—a triangular-shaped blade fixed in a knife handle—and a burnisher—a blunt instrument with a hard, rounded end. By removing or smoothing out the burr, the artist weakens the plate’s capability to hold ink when the plate is wiped, and those areas will print a lighter tone.

Left:Richard Earlom after Joseph Wright of Derby, The Blacksmith Shop , 1771, mezzotint ii/ii (Cleveland Museum of Art, Cleveland); right:Joseph Wright of Derby, The Blacksmith Shop , 1771, oil on canvas, 128.3 x 104.1 cm (Yale Center for British Art, New Haven)

p Although mezzotint originated in Amsterdam during the second quarter of the seventeenth century, it found particular appeal in eighteenth-century London, so much so that the medium was even nicknamed “the English manner.” When the Dutch-born sovereign William III became King of England in the late 1600s, numerous printmakers from the northern provinces of the Netherlands relocated to London in hopes of achieving royal patronage. During successive decades, native English artists learned from their Dutch contemporaries about how to make mezzotints and several technical manuals on the subject were also published locally. By the beginning of the eighteenth century, England had earned the reputation as a prolific center for mezzotint production. Richard Earlom was one English printmaker who had a successful career making mezzotint reproductions of oil paintings. The Blacksmith Shop from 1771 is based on Joseph Wright of Derby’s painting of the same subject. Wright’s pictures, which exhibit dramatic lighting effects, were ideally suited to be translated into mezzotint because the medium could capture the subtle tonal variations and lustrous appearance of his oil paintings.

Aquatint

p Aquatint is a variant of the etching process that produces broad areas of tone that resemble the visual effects of watercolor. It involves the use of a powdered resin that is adhered to the plate through controlled heating. As the resin bonds to the plate, it creates a network of linear channels of exposed metal (think of how a cake of mud that is dried in the sun has a web of cracks). Once the plate is bitten by acid, the areas of exposed metal form deep grooves that are capable of holding ink.

Francisco de Goya is famous for his artworks using aquatint. Goya, Los Caprichos:The Sleep of Reason Produces Monsters , 1799, etching and aquatint, 21.2 x 15.0 cm (British Museum, London)

p Aquatint was first introduced in the mid-seventeenth century in Amsterdam. Ainda, unlike other printmaking techniques that found immediate attraction, it would take some time before aquatint became more widely used. By the late eighteenth century, several English etchers had become drawn to the more painterly qualities of aquatint, but the medium arguably achieved its greatest acclaim under the Spanish artist, Francisco de Goya. Fazer The Sleep of Reason Produces Monsters , Goya first etched his sleeping artist, the bats, and haunting cat with quick lines. De lá, he switched to aquatint to render the ominous shadow that envelops the entire composition and the white letters on the front of the artist’s desk.

An example of a multi-sheet composition. Albrecht Dürer, Large Triumphal Carriage , c. 1518−1522, woodcut (Metropolitan Museum of Art, New York)

The business of printmaking

p Printmaking in early modern Europe was a complex enterprise that involved a number of different agents. It was not always the case that the individual responsible for carving the woodblock or incising the metal plate was the designer of the composition. When Dürer was commissioned by Holy Roman Emperor Maximilian I to design a complex, multi-sheet composition of the Large Triumphal Carriage , he teamed up with a talented workshop of block carvers to help him execute that grand-scale project. In some workshops, the figure who undertook the physical process of printing the blocks and plates may have only done that job. Adicionalmente, there may have been a separate position dedicated to print publishing, that is selling and distributing the prints. Depending on the size of a workshop and the equipment available, some printmakers or publishers had to contract out some of those tasks. Por exemplo, if a publishing shop did not own a press, it had to collaborate with another local shop to produce its prints. Early printmaking revolved around a sophisticated network of artists and businessmen, and this legacy is still seen today. Many contemporary printmakers partner with a printing shop to create their work and/or a commercial gallery to exhibit and sell their art.

Martin Luther was an Augustinian monk and professor of theology in Wittenberg. He posted his 95 Theses on the door of the castle church in Wittenberg—at least, this is how the tradition tells the story—that took issue with the way in which the Catholic Church thought about salvation, and it specifically took issue with the selling of indulgences. Lucas Cranach the Elder, Martin Luther as an Augustinian Monk , 1520, engraving, 15.8 x 10.7 cm (Metropolitan Museum of Art)

p The advent of print not only transformed how images were made, but it created new possibilities for art collecting and mass communication. Scholars have long recognized how the mass distribution of printed pamphlets criticizing the Roman Church’s sale of indulgences and the pope’s supremacy along with printed portraits of Martin Luther, such as Cranach’s Martin Luther as an Augustinian Monk , spurred on a religious revolution in northern Europe by promoting the agenda of Protestant Reformers.

Books made in early colonial Mexico often stressed the importance of images in the process of converting Indigenous peoples. Juan Bautista, Confessionario en lengua mexicana y castellana [Preparation of the penitents in Nahuatl and Spanish] (Santiago Tlatelolco:Melchor Ocharte, 1599), 1v–2r (John Carter Brown Library)

The portability, reprodutibilidade, and affordability of printed compositions contributed to the exchange of information and ideas between cultures of distant geographies. European missionaries who journeyed to the Americas beginning in the sixteenth century brought with them prints of biblical figures that were subsequently disseminated among Indigenous populations in an effort to convert those local communities to Christianity. This kind of imagery also introduced Indigenous artists to new iconographies, visual traditions, and technologies that greatly impacted the artistic production in the Americas. Na verdade, during the mid-sixteenth century, the first printing shop was established in modern-day Mexico City and a few decades later Peru transformed into another important center for printmaking in the southern hemisphere. What we consider to be “mass media” today, certainly has its origins in the early modern world of printmaking.