A Formação de uma Escola Francesa:a Real Academia de Pintura e Escultura

Jean-Baptiste Martin, Um encontro da Real Academia de Pintura e Escultura do Louvre , c. 1712-21, óleo sobre tela, 30 x 43 cm (Louvre)

Em uma sala cheia de pinturas e esculturas até a borda, homens bem vestidos com perucas empoadas se reúnem em torno de uma mesa enquanto retardatários conversam com seus vizinhos. A pequena pintura de Jean-Baptiste Martin retrata uma reunião da distinta academia de arte francesa sem uma ferramenta de artista à vista - apenas a sala ornamentada situa a cena no palácio do Louvre. A escolha de não mostrar os artistas no trabalho, mas, como cavalheiros elegantes engajados em um intercâmbio intelectual sociável, fala diretamente sobre a história inicial da Real Academia Francesa.

o Académie Royale de Peinture et de Sculpture (Royal Academy of Painting and Sculpture) foi fundada em 1648. Supervisionou - e deteve o monopólio - das artes na França até 1793. A instituição forneceu treinamento indispensável para artistas por meio de instrução prática e palestras, acesso a comissões de prestígio, e a oportunidade de expor seus trabalhos. Significativamente, também controlava as artes privilegiando certos assuntos e estabelecendo uma hierarquia entre seus membros. Essa estrutura hierárquica acabou levando ao Académie Dissolução durante a Revolução Francesa. Contudo, a Académie em Paris tornou-se o modelo para muitas academias de arte em toda a Europa e nas Américas coloniais.

Fundação

Esta organização de formação proeminente para pintores e escultores foi fundada em resposta a duas preocupações relacionadas:um desejo nacionalista de estabelecer uma tradição artística decididamente francesa, e a necessidade de um grande número de artistas bem treinados para cumprir comissões importantes para o círculo real. Monarcas anteriores haviam importado artistas (principalmente de Flandres e Itália), para executar grandes projetos. Em contraste, O rei Luís XIV procurou cultivar e apoiar artistas franceses como parte de seu grande projeto de autoformação, com a arte desempenhando um papel vital na construção da imagem real.

o Académie rapidamente ganhou destaque, em conjunto com o Ministério das Artes (responsável pela construção, decoração, e manutenção dos edifícios do rei) e o Primeiro Pintor do Rei - o título de maior prestígio que um artista poderia alcançar. Dois homens foram essenciais para o início da história da instituição:Jean-Baptiste Colbert, um estadista cada vez mais influente que atuou como protetor da instituição, e o artista Charles Le Brun, que viria a ser o primeiro pintor e o Académie Diretor de Ambos os homens procuraram elevar o status dos artistas, enfatizando suas capacidades intelectuais e criativas, e ambos procuraram diferenciar os membros do Académie —Acadêmicos— de membros de guilda (as guildas eram um sistema medieval que regulamentava estritamente os artesãos). o Académie, cujos membros eram apoiados financeiramente pelo Rei, mudou-se para sua localização permanente no Palácio do Louvre em 1692, reforçar ainda mais o status da instituição. Dadas essas preocupações institucionais, A decisão de Martin de mostrar os artistas como cavalheiros socializando, em vez de artesãos trabalhando, assume um novo significado.

Hierarquias

Desde o início, a Académie foi estruturado em torno da hierarquia. Havia níveis distintos de adesão pelos quais um artista poderia avançar ao longo do tempo. Em arte, também, havia uma hierarquia:a pintura foi priorizada sobre a escultura, e certos assuntos eram considerados mais nobres do que outros. Para se tornar um membro, artistas enviaram trabalhos para avaliação de acadêmicos, que os aceitou em um certo nível, com base no tipo de assunto que aspiravam pintar. Se eles passaram nesta primeira fase, os candidatos executariam uma “peça de recepção” retratando um tema escolhido pelos acadêmicos.

o Académie dividiu pinturas em cinco categorias, ou gêneros, classificado em termos de dificuldade e prestígio:

1. Pintura de História - abrangendo assuntos eruditos retirados da tradição clássica, a Bíblia, ou alegorias, este tipo de pintura foi considerado o gênero mais elevado porque exigia proficiência em representar o corpo humano, bem como imaginação e intelecto para retratar o que não podia ser visto. Muitas vezes eram pinturas de várias figuras em grande escala.
2. Retrato - concentrando-se na captura de semelhança, este gênero era prestigioso, e certamente lucrativo, mas menos do que a pintura histórica. Os retratistas foram ridicularizados por "meramente" copiar a natureza em vez de inventar (uma simplificação exagerada, já que poucos retratos foram executados inteiramente em vida).
3. Pintura de gênero - retratando cenas da vida cotidiana, este gênero incluía a figura humana, mas aparentemente não representava grandes ideias, embora muitas pinturas de gênero tenham conotações moralizantes. As pinturas de gênero eram menores em tamanho do que as pinturas históricas, diminuindo ainda mais seu prestígio.
4. Paisagens —Consistindo em todas as representações da topografia rural ou urbana, real ou imaginário, este gênero tornou-se especialmente popular durante os séculos XVIII e XIX.
5. Natureza morta pintura - frequentemente cedendo à justaposição de cores e texturas, essas pinturas representavam objetos inanimados (muitas vezes de luxo) e se baseavam fortemente na tradição holandesa do século XVII de tais temas. Embora às vezes outros símbolos moralizantes, como memento mori (lembretes de mortalidade humana) foram incluídos, estes não eram uma parte intrínseca do gênero, que foi considerado sem necessidade de invenção por parte do artista (uma vez que, estavam pintando o que podiam ver).

Treinamento

Benoît-Louis Prévost, depois de Charles-Nicolas Cochin, “A Escola de Arte” (“Ecole de dessein”), planche I. Recueil de planches sur les sciences, les arts libéraux, et les arts mécaniques, avec explicações de leur, volume 3 (Paris, 1763)

Nicolas Bernard Lépicié, Nu Masculino Sentado Olhando para a Direita , meados do século 18, carvão, perplexo, giz preto realçado com branco em papel cinza-esverdeado, 50,7 x 34 cm (Museu Metropolitano de Arte)

A instrução acadêmica era centrada no desenho (seguindo o precedente das escolas de desenho italianas estabelecidas no século XVI). o Académie manteve um currículo rígido para instruir artistas, conforme registrado em descrições e relatos contemporâneos. Uma gravura ilustrando uma descrição de 1763 da "escola de arte" mostra como os alunos aprenderam a desenhar copiando desenhos e gravuras (visto à esquerda) antes de passar para o desenho de moldes de gesso para aprender como traduzir a forma tridimensional em duas dimensões (vistas no centro). Os alunos, então, copiariam a escultura em grande escala (como visto na borda direita) antes de serem autorizados a desenhar o modelo nu vivo (como visto na parte central direita, ligeiramente afastado do primeiro plano). Desenhar a forma masculina do nu foi a base da Académie Currículo, um bloco de construção essencial para pintores, particularmente aquelas destinadas a produzir pinturas históricas. Os alunos produziram muitos estudos de nus de uma única figura, conhecido como academias , como este exemplo de Nicolas Bernard Lépicié. Os adereços podem ser adicionados posteriormente para transformar os corpos colocados em figuras identificáveis, como Bernard Picart fez com o desenho Nu Masculino com Lâmpada , onde a figura, com a adição de uma lâmpada, torna-se o filósofo Diógenes.

Bernard Picart, Nu masculino com lâmpada (Diógenes) , 1724, giz vermelho em papel colado, 30,9 x 45,7 cm (Galeria Nacional de Arte)

Em um desenho animado, Charles Natoire se retrata com uma capa vermelha no primeiro plano à esquerda, fornecer feedback sobre os desenhos dos alunos. A maioria dos alunos trabalha de forma independente, focou nas duas modelos nuas em uma pose entrelaçada selecionada pelo professor supervisor. A oportunidade de estudar dois corpos masculinos interagindo era um exercício mais raro e desafiador.

Charles Joseph Natoire, Aula de vida na Royal Academy of Painting and Sculpture , 1746, caneta, tinta preta e marrom, lavagem cinza e aquarela e traços de lápis sobre giz preto em papel vegetal, 45,3 x 32,2 cm (Galeria Courtauld)

Fora do Académie Espaços oficiais de, acadêmicos dariam aos alunos avançados oportunidades de desenhar modelos femininos nus. Além de supervisionar o ensino de desenho, cada professor selecionava alunos para fazerem parte de seu estúdio. É aqui que os artistas realmente aprenderam a pintar ou esculpir imitando seu professor, frequentemente contribuindo para suas comissões em grande escala. As práticas de estúdio variam, e nem todos os membros do estúdio foram necessariamente inscritos Académie alunos.

Acadêmicos e alunos assistiram a palestras abordando aspectos teóricos e práticos da prática artística, como a importância das expressões ou como aplicar tinta para garantir a longevidade. Estes eram oferecidos por professores e os chamados amadores. Estes honorários Académie os membros não eram artistas profissionais, mas amantes da arte e "amigos dos artistas" - muitas vezes da nobreza - que aconselhavam artistas sobre questões de composição, estética, e iconografia e muitas vezes defendeu certos artistas, às vezes como patronos ou colecionadores.

O sorteio de roma

A tradição clássica foi fundamental para o Académie 'S currículo. Em 1666, a Académie abriu um satélite em Roma para facilitar o estudo da antiguidade pelos alunos. Em 1674, a Académie estabeleceu o Prix ​​de Rome (Prêmio Roma), um prêmio de prestígio que permitiu aos seus artistas mais promissores estudar em Roma por três a cinco anos. Embora o foco da Academia Francesa em Roma fosse facilitar o estudo da antiguidade clássica, os alunos também desenharam após importantes obras de arte da Renascença e do Barroco, como pode ser visto no desenho em giz vermelho de Hubert Robert, representando um artista copiando o afresco de Domenichino em uma igreja romana.

Hubert Robert, Relator do Oratório de S. Andrea, S. Gregorio al Celio , 1763, giz vermelho, 32,9 x 44,8 cm (Biblioteca e Museu Morgan)

Enquanto em Roma, esses Académie alunos - chamados pensionistas - estudava obras de arte canônicas e enviava regularmente seus desenhos e cópias de obras importantes para Paris para demonstrar seu progresso. Embora não faça parte do currículo formal, a maioria dos artistas explorou os arredores romanos, inspirando-se na rica paisagem, topografia diversa, e cenas coloridas da vida camponesa. Conexões importantes foram estabelecidas em Roma com outros artistas, clientes, e apoiadores.

Salões e a ascensão da opinião pública

Começando em 1667, a Académie estabeleceram exposições para fornecer aos membros a oportunidade crucial de exibir seus trabalhos a um público mais amplo, cultivando assim patronos potenciais e atenção crítica. Realizado anualmente e, mais tarde, semestralmente, essas exposições passaram a ser conhecidas como Salões, depois do Louvre salão carré onde ocorreram depois de 1725. O Salão se tornou um espaço significativo de intercâmbio artístico e uma oportunidade importante para ver a arte antes da formação do museu público de arte.

Pietro Antonio Martini, Vista do Salão de 1785, 1785, gravura, 27,6 x 48,6 cm (imagem), 36,2 x 52,7 cm (Museu Metropolitano de Arte)

As obras do Salão foram selecionadas por um júri de acadêmicos. As pinturas foram exibidas de acordo com o tamanho e gênero, com obras maiores (pintura histórica e retratos) ocupando os níveis superiores de maior prestígio, como pode ser visto em uma gravura do Salão de 1785, onde Jacques-Louis David Juramento do horatii aparece com destaque no centro. Com a introdução de um público mais amplo no Salão em 1737, veio o advento da opinião pública e o surgimento da crítica de arte. o Académie publicou um livreto que listou as obras exibidas, organizado pela classificação do artista, Chamou o livret . Colecionadores de arte e frequentadores de salões ilustrados redigiram opiniões analisando o mérito artístico e intelectual das obras expostas; Alguns desses, como aqueles escritos pelo filósofo Denis Diderot, foram destinados a uma pequena comunidade de indivíduos com interesses semelhantes na França e além, mas cada vez mais a crítica de arte era impressa em jornais para acesso de um público mais amplo.

Gêneros e gêneros

o Académie era um espaço masculino, em geral; alguns pintores aceitaram estudantes do sexo feminino em seus estúdios, particularmente no último quarto do século XVIII. As mulheres artistas foram proibidas por decoro de estudar a figura masculina nua, um aspecto central da formação acadêmica. Isso os tornou incapazes de se tornarem pintores de história oficialmente reconhecidos, e, portanto, estavam restritos a gêneros considerados menos rigorosos intelectualmente. Durante sua longa história de 150 anos, a Académie acolheu apenas quatro mulheres como membros plenos:Marie-Thérèse Reboul foi admitida em 1757; Anne Vallayer-Coster foi admitida em 1770; Adélaïde Labille-Guiard e Elisabeth Vigée-LeBrun foram admitidas em 1783.

Esta foi a peça de recepção do artista para a Académie. Elisabeth Louise Vigée Le-Brun, Paz trazendo de volta a abundância, 1780, óleo sobre tela, 103 x 133 cm (Louvre)

Apesar de sua aceitação ao Académie, essas mulheres tinham opções limitadas. Pintando principalmente naturezas mortas (como Reboul), Vallayer-Coster elevou esse gênero com composições ornamentadas em grande escala. Labille-Guiard liderava um grande estúdio de alunas e era conhecido como um retratista proeminente. O mesmo aconteceu com Vigée-LeBrun, que ultrapassou os limites do gênero e de seu gênero, ocasionalmente pintando alegorias, incluindo sua peça de recepção para o Académie. Conexões familiares (no caso de Reboul, Labille-Guiard, e Vigée-LeBrun) ou protetores reais (no caso de Vallayer-Coster, Labille-Guiard, e Vigée-LeBrun) desempenharam papéis vitais em seu sucesso. Sem esses campeões, artistas femininas foram incapazes de penetrar na instituição patriarcal do Académie . Ainda, seu trabalho e sua vida pessoal foram submetidos ao escrutínio público indevido e suas realizações foram frequentemente difamadas.

Abolição e vidas posteriores

Na década de 1780, a Académie foi atacado por membros e estranhos por politizar a distribuição de prêmios e homenagens. Suas hierarquias rígidas, estruturas injustas, e o nepotismo desenfreado eram incompatíveis com os valores fundamentais da Revolução de Liberdade e Igualdade. Grandes artistas que se beneficiaram com a instituição fizeram lobby para sua dissolução. Com a queda da monarquia e a execução de Luís XVI, instituições com conexões reais indeléveis foram examinadas e consideradas irrelevantes. o Académie foi abolido em 8 de agosto, 1793 por despacho da Convenção Nacional.

Depois de vários anos de dificuldades para os artistas provocada pela erosão da realeza, nobre, e patrocínio eclesiástico durante a Revolução, o governo do Diretório reviveu muitas das estruturas do Académie no estabelecimento de um Instituto Nacional de Ciências e Artes ( Institut nationale des sciences et des arts, subseqüentemente Institut de France ) em 1795. Os membros da nova organização incluíam muitos ex-acadêmicos, que restabeleceu certos aspectos do agora extinto Académie, como o Prêmio de Roma em 1797. A hierarquia dos gêneros, inculcado no Académie Membros e público de, permaneceu central para a compreensão das artes ao longo do século XIX.