Técnicas surrealistas:realismo subversivo

Giorgio de Chirico, A incerteza do poeta , 1913, 106 x 94 cm (Galeria Tate, Londres)

A onipotência do sonho

p Uma abordagem central da arte visual surrealista foi derivada da afirmação de André Breton da "onipotência do sonho" no primeiro Manifesto Surrealista. Seguindo as ideias de Sigmund Freud, os surrealistas viam os sonhos como representações visuais de pensamentos e desejos inconscientes. Em sua primeira revista, La Révolution Surréaliste , eles publicaram relatos de seus próprios sonhos e reproduções de arte que pareciam registrar imagens de sonho, notadamente as pinturas de Giorgio de Chirico.

p Além da atmosfera onírica da obra de De Chirico, os surrealistas foram atraídos pelo que costuma ser chamado de qualidades literárias. A estranha justaposição de nudez feminina, bananas, e treinar em A incerteza do poeta parece uma ilustração literal das imagens discordantes de um poema moderno. Além disso, o simbolismo erótico da imagem está de acordo com a crença de Freud na importância central da sexualidade no inconsciente.

Rejeitando as preocupações formais da arte moderna

p Ao reivindicar o trabalho pré-guerra de De Chirico como exemplar, os surrealistas rejeitaram implicitamente a ênfase da arte moderna na inovação formal. O uso da perspectiva linear por De Chirico, sua representação inexpressiva de objetos, e sua falta de interesse nas qualidades materiais da tinta, tudo parecia reviver as convenções naturalistas desatualizadas da pintura pré-moderna, assim como seu uso de complexo, assunto simbólico.

Giorgio de Chirico, O mistério e a melancolia de uma rua , 1914, óleo sobre tela (coleção particular)

p Para os surrealistas, o estilo de De Chirico era irrelevante; o que importava para eles era sua capacidade de representar imagens de sonhos inconscientes. Eles estavam interessados ​​no assunto de sua pintura, não como foi pintado. Em sua disposição de elevar o assunto acima do estilo e da técnica da pintura, os surrealistas se colocaram explicitamente fora do que consideravam as preocupações limitantes da arte moderna estabelecida. Em troca, muitos críticos (e mais tarde historiadores da arte) atacaram os surrealistas por não compreenderem e apreciarem as realizações formais da arte moderna.

p Como o movimento foi iniciado e liderado por escritores, A arte surrealista foi freqüentemente considerada literária e ilustrativa, ao invés de uma arte visual propriamente moderna. Isso ignorou o fato de que muitos artistas surrealistas proeminentes, incluindo André Masson, Joan Miró, e Max Ernst, freqüentemente empregava estilos modernos e desenvolvia técnicas artísticas inovadoras.

p Para os surrealistas, o estilo e a técnica de um artista foram os meios para concretizar o pensamento inspirado, a atividade criativa do inconsciente. Se esses meios eram o naturalismo tradicional ou as inovações mais abstratas da arte moderna, não era importante, contanto que fossem eficazes. O uso de técnicas naturalísticas meticulosas - tradicionalmente empregadas para representar a “realidade” aceita do mundo externo - demonstrou a igual realidade do mundo inconsciente revelada pelo Surrealismo.

Uma janela para outro mundo

Max Ernst, Duas crianças são ameaçadas por um rouxinol , 1924, óleo com elementos de madeira pintados e papel impresso cortado e colado em madeira com moldura de madeira, 27 ½ x 22 ½ x 4 ½ polegadas (MoMA; foto:Steven Zucker, CC BY-NC-SA 2.0)

Max Ernst, Duas crianças são ameaçadas por um rouxinol , 1924, detalhe, óleo com elementos de madeira pintados e papel impresso cortado e colado em madeira com moldura de madeira, 27 ½ x 22 ½ x 4 ½ polegadas (MoMA; foto:Steven Zucker, CC BY-NC-SA 2.0)

p A complexidade do desafio dos surrealistas aos valores modernistas pode ser apreciada ao se considerar o argumento de Max Ernst Duas crianças ameaçadas por um rouxinol . Esta pintura foi uma das primeiras obras de um artista surrealista reproduzida no diário do grupo, La Révolution Surréaliste . Combina ecos da arquitetura clássica de de Chirico e um espaço de perspectiva profunda com uma cena de pesadelo incompreensível de violência em primeiro plano. Pequenos elementos de madeira são anexados à pintura para formar um edifício, portão, e maçaneta. O título é escrito à mão na borda da moldura, que conecta o mundo pintado ao mundo do observador.

p A combinação de pintura de Ernst, escrita, colagem, e a escultura em relevo perturba as categorias estabelecidas das artes individuais tanto quanto a imagem desafia a explicação racional. A pintura não é mais simplesmente um plano plano coberto por cores, voltou ao seu papel pré-modernista de janela para outro mundo, e esse mundo é aquele para o qual nós, como espectadores, somos convidados. O portão da esquerda se abriu para nós, e o homem correndo no telhado do prédio à direita alcança a “maçaneta” na moldura que separa o nosso mundo do dele.

p Para os surrealistas que desejavam a quebra completa das distinções entre arte e vida, sonho e realidade, A ruptura das fronteiras pictóricas de Ernst significou muito mais do que um desafio às distinções convencionais entre as diferentes artes. Foi o meio para entrar em um mundo inteiramente novo e anunciou a realização concreta do objetivo final do Surrealismo, a resolução do sonho e da realidade em uma nova surrealidade.

O modelo interior

p Os surrealistas acreditavam que o mundo da imaginação era o único assunto adequado para as artes, que deve desafiar o que Breton chamou de "pobreza da realidade". Ele afirmou que a obra de arte deve "referir-se a um modelo puramente interior". Embora esta declaração se aplique a todas as obras de arte surrealistas, independentemente da técnica produtiva, estilo, ou assunto, muitos artistas surrealistas seguiram o exemplo de De Chirico e criaram imagens oníricas que parecem revelar literalmente o "modelo interior".

Yves Tanguy, Mamãe, Papa está ferido! , 1927, óleo sobre tela, 36 ¼ x 28 ¾ polegadas (MoMA)

p As representações meticulosamente pintadas de Yves Tanguy de paisagens imaginárias que se estendem até um horizonte infinitamente distante combinam a representação naturalista do espaço real e efeitos de luz com formas abstratas sugestivas. Seu naturalismo convida a entrada imaginativa do observador no mundo que eles tornam visível e apresenta a possibilidade de que o mundo do inconsciente pode se tornar real.

Realismo tão subversivo

p A representação realista do mundo do inconsciente atingiu seu apogeu nas pinturas de Salvador Dalí, que adotou uma técnica realista extremamente detalhada que lembra a pintura acadêmica do século XIX. Esta foi uma tentativa explícita de transformar o naturalismo acadêmico em uma técnica subversiva.

Salvador Dalí, O jogo lúgubre , 1929, óleo e colagem sobre papelão, 44,4 x 30,3 cm

p O realismo vívido das cenas bizarras de Dalí parece confirmar que o mundo que eles representam é tão real quanto as cenas encontradas na vida cotidiana. Em pinturas como O jogo lúgubre , Dalí descreveu minuciosamente suas obsessões psicológicas, que foram em grande parte derivados das teorias de erotismo infantil de Freud.

p O perfil do artista flutua horizontalmente no centro da pintura e gera uma coleção bizarra de objetos, figuras humanas, animais, e insetos. Descrições explícitas e simbólicas da genitália masculina e feminina abundam, assim como referências diretas às teorias de Freud sobre ansiedade de castração e analidade. Nesta pintura e em muitas outras, Dalí retrata um universo em que os objetos mais aparentemente inocentes, de uma concha ao chapéu de homem, adquirir significado erótico.

Confusão sistemática

Salvador Dalí, O homem invisível , 1929, óleo sobre tela, 140 x 81 cm (Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid)

Salvador Dalí, O homem invisível , detalhe, 1929, óleo sobre tela, 140 x 81 cm (Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid)

p Dalí inventou uma estratégia técnica para a arte surrealista que chamou de "crítica da paranóia". Na visão de Dalí, desejos eróticos inconscientes inevitavelmente moldam nossa visão da realidade, e o papel do artista surrealista é demonstrar isso a fim de "sistematizar a confusão, ”Derrubar a racionalidade, e desacreditar o que consideramos realidade. Assim como os paranóicos estão convencidos de que eventos e objetos aparentemente não relacionados estão de fato intimamente ligados às suas próprias obsessões, As pinturas paranóicas de Dalí pretendiam demonstrar como sua imaginação transforma radicalmente os objetos para torná-los conforme seus desejos.

p Sua primeira pintura paranóica publicada, O homem invisível , retrata uma paisagem estranha com várias figuras e objetos. Elementos individuais também criam a figura de um homem grande sentado. A parte de trás de uma mulher nua na parte superior central da imagem é um de seus braços. Seu rosto aparece em uma coleção de elementos arquitetônicos, e seu cabelo também é nuvens. Quanto mais você olha para a pintura, mais figuras e partes de figuras você verá. Pinturas como essa pretendiam conscientizar os espectadores de que a “realidade” que eles veem é apenas uma visão. É possível fazer com que a realidade atenda aos nossos desejos simplesmente mudando a maneira como vemos as coisas.

Enigmas filosóficos

René Magritte, A condição humana , 1933, óleo sobre tela, 39 3/8 x 31 7/8 polegadas (Galeria Nacional de Arte, Washington) (foto:Steven Zucker, CC BY-NC-SA 2.0)

p Em contraste com as imagens muitas vezes obscenas e intencionalmente chocantes de Dalí, René Magritte usou técnicas de pintura realistas para apresentar enigmas filosóficos sobre a natureza da representação e sua relação com a realidade e a linguagem. No A condição humana , Magritte descreve a forma como a representação de uma pintura "substitui" a realidade, levando-nos a considerar as muitas suposições que fazemos sobre imagens realistas e sua relação com o que representam.

René Magritte, A traição das imagens , 1929, óleo sobre tela, 23 ¾ x 32 polegadas (LACMA)

p A traição das imagens apresenta as disjunções entre a frase escrita “Ceci n’est pas une pipe” (Este não é um cano) e a representação de um cano acima dele. A representação não é realidade, embora possa parecer; nem se pode confiar na linguagem como fonte de verdade sobre o que é real. A pintura de um cachimbo não é um cachimbo; mas a palavra “cachimbo” também não é um cachimbo. Ao minar suposições confortáveis ​​sobre a capacidade humana de compreender a realidade por meio da linguagem e da representação, As obras de Magritte demonstram que fazemos o mundo que pensamos que conhecemos. Tudo é, no fim, uma questão de representação (em palavras ou imagens) em que optamos por acreditar, ou não.