Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911)

O maravilhoso artista russo Valentin Serov teve a sorte de nascer em uma família próspera e talentosa. Os pais do pintor eram pessoas talentosas e versáteis. Alexander Nikolaevich Serov, o pai do futuro artista, era um compositor, autor das óperas Enemy Force, Judith e Rogneda. Foi considerado o melhor crítico musical de sua época e também um grande artista original. Em sua juventude, ele iria se dedicar à pintura, mas então ele se interessou por música e se rendeu completamente a ela.

Fotos de Valentin Alexandrovich Serov

Família talentosa

Foi de seu pai que Valentim herdou seu dom extraordinário, a capacidade de percepção incrivelmente precisa da forma e da cor, bem como seu grande amor pelos animais, que Serov Sr. mais frequentemente retratou em suas telas. Alexander Nikolayevich se casou com apenas quarenta e quatro anos, sendo já um compositor talentoso e um homem maduro. A escolhida foi a jovem e talentosa pianista Valentina Semenovna Bergman, um ex-aluno do músico.

O único filho dos Serovs nasceu em 7 de janeiro, 1865. Desde a infância, Valentin estava rodeado por personalidades criativas e extraordinárias de várias origens sociais, que regularmente se reunia na casa do compositor e sua jovem esposa. Eles incluíam todas as pessoas talentosas da época, músicos, cientistas, escritoras, artistas e atores. Entre os amigos íntimos de Alexandre Nikolayevich, que costumava visitar sua casa, foram o escultor Mark Antokolsky, escritor Ivan Turgenev, de quem Serov era mais próximo e do artista Nikolai Ge, o primeiro a incutir no pequeno Valentine, que permaneceu com ele por toda a vida, amor por cavalos.

A família Serov costumava realizar leituras literárias e concertos, como espectadores para os quais a empregada era frequentemente convidada. Essas noites educacionais não foram invenção pessoal deles, mas sim uma homenagem à moda de então.

O pequeno Valentine costumava acompanhar seus pais à ópera. E em 1869 eles levaram o filho pela primeira vez para o exterior. Depois desta viagem, Serov, o mais novo, lembrado por toda a vida de sua visita à casa do grande Richard Wagner, Contudo, a impressão indelével no menino não foi feita pelo famoso compositor, mas por uma gaiola com faisões estranhos e seu enorme cachorro. Com uma vida tão aparentemente interessante, Valentine, desde a infância, não foi estragado pela atenção dos pais que viviam cada um em seu próprio trabalho.

Em 1871, quando o futuro artista tinha apenas seis anos, seu pai faleceu. O tempo das serenas recepções na sala e das leituras literárias ficou para sempre no passado. Agora moravam com a mãe em Munique (de 1872 a 1873). Esses dois anos foram muito frutíferos para o pequeno desenhista. Enquanto morava em um hotel, Serov conheceu o já famoso pintor Kegshing, que estava interessado em um menino talentoso. Kegshing não só começou a levar a criança aos estudos, para ajudá-lo com conselhos profissionais, mas também influenciou Valentina Semenovna, recomendando que ela desenvolva e incentive o jovem talento de todas as formas possíveis.

Acreditando que as habilidades do filho podem se tornar seu destino, A mãe de Serov começou a encorajá-los e desenvolvê-los conscientemente. Então, em 1874, Valentine de nove anos com sua mãe mudou-se para Paris, onde Ilya Repin estava neste período. A decisão de Valentina Semenovna de recorrer a Repin com um pedido para educar seu filho foi a escolha mais bem-sucedida na vida de um futuro pintor.

Foi Ilya Repin o único mestre que pôde desenvolver e revelar totalmente as habilidades do jovem Serov. Então, o menino iniciou as primeiras aulas regulares e sérias de desenho. Na época, Repin trabalhou em Paris nas pinturas "Café" e "Sadko", ele fez muitos esboços da natureza, não esquecendo de dar tarefas constantemente ao aluno. O jovem Valentin Serov recebeu naquela época graciosa muitos conselhos valiosos, dicas e esclarecimentos, que ele mais tarde lembrou por toda a sua vida. Repin permitiu que ele copiasse seu trabalho, às vezes ele pediu para escrever certos objetos de memória, mas ele prestou mais atenção em desenhar da natureza.

O aspirante a artista se rendeu completamente ao seu hobby, gastando todo o seu tempo livre nisso. Durante o dia ele pintava, e à noite ele fazia esboços e desenhos sem parar. Graças à atitude séria de sua mãe, muitas das obras dos alunos de Serov foram perfeitamente preservadas. Em seus primeiros álbuns, a maioria das pinturas e esboços dedicados a cavalos. Claro, Serov também pintou outros animais, mas foram os cavalos que se tornaram seu amor pela vida.

Foi sem dúvida um período fecundo na formação do grande pintor russo. Mas com toda a aparente prosperidade, a vida de um menino de nove anos em Paris era solitária e monótona. A mãe dele, completamente imerso apenas em seu trabalho, estava constantemente ausente durante o dia, e à noite assistia à ópera. Valentine ficou sozinho por muito tempo, deixado por sua própria conta. Esta retirada forçada deixou sua marca no caráter de Serov, dando-lhe o mau humor e o isolamento que o artista manteve ao longo de sua vida.

A influência de Savva, o Magnífico

Como muitos residentes talentosos de Moscou, A mãe de Valentin Serov estava familiarizada com Savva Mamontov, que foi um grande sucesso para o futuro artista. Esse filantropo e industrial estava no centro da vida espiritual e intelectual de Moscou na segunda metade do século XIX. Reunindo toda a cor da intelectualidade artística russa ao seu redor, Mamontov ofereceu aos hóspedes de sua propriedade em Abramtsevo uma oportunidade única de inspiração, gratuitamente, não sobrecarregado por nenhum, incluindo problemas financeiros e vida de criatividade. Por mais de vinte anos, a propriedade Mamontov perto de Moscou era um importante centro da cultura russa, onde artistas, às vezes durante todo o verão, veio para se comunicar, compartilhar experiências e combinar trabalho com lazer.

Muitas vezes morando com sua mãe em "Abramtsevo", Valentin Serov desde a infância participou diretamente em quase todas as áreas da criatividade, que foi desenvolvido por este ambiente criativo de entusiastas e pessoas com ideias afins da nova arte. Aqui, seu talento brilhante e multifacetado se desenvolveu. O clube Abramtsevo, apoiado por Savva Mamontov, abriu duas oficinas de arte ao mesmo tempo:cerâmica e corte de marcenaria, onde antigos artesanatos e artesanatos foram revividos. Grande atenção também foi dada ao teatro. Serov com prazer participou das apresentações caseiras do Mamontov, ele interpretou brilhantemente papéis cômicos de animais, enquanto tem um sucesso retumbante. Não é surpreendente que Valentine tenha criado seus primeiros e mais inspiradores trabalhos que lhe trouxeram fama, tal como, por exemplo, A Garota com Pêssegos, nesta maravilhosa propriedade.

Mas, a influência benéfica do círculo de Abramtsevo apareceu muito mais tarde, e no começo, realizado por um jovem talento na propriedade de Mamontov, não trouxe benefício ao seu talento. Segundo o biógrafo do artista Igor Grabar, no verão de 1875, quando Valentina Semyonovna trouxe pela primeira vez seu filho para a propriedade, o menino abandonou as aulas regulares de desenho e todos os seus álbuns, sendo levado pela vida divertida e despreocupada das crianças Mammoth. O que não deixou de refletir em suas habilidades artísticas. Os poucos desenhos da época nos álbuns de seus filhos servem apenas como confirmação de que habilidades inatas sem prática não significam muito, porque o talento original do pintor e as habilidades de desenho são rapidamente perdidos sem trabalho constante para crescer e mantê-los. Não é à toa que dizem que o verdadeiro gênio é 10% do talento e 90% do trabalho árduo.

Foi o que aconteceu com Serov, sem treinamento constante para melhorar a precisão do traço e exibir a cor e a forma, o jovem artista começou a desenhar muito pior. Portanto, no outono, sua mãe o levou para São Petersburgo, onde o velho amigo da familia, o artista Nikolai Ge, começou a cuidar do talento de Valentin, cultivando-o e se aperfeiçoando. Breve, graças ao cuidado de Ge, tornou-se óbvio que Serov entrou em uma nova rodada de desenvolvimento.

Então, Valentine e sua mãe se mudaram novamente. Desta vez em Kiev, onde passaram cerca de três anos, que se tornou o mais feliz na vida de mãe e filho. Em Kiev, o menino entrou na escola de desenho, tendo entrado na classe de Nikolai Murashko, O velho amigo de Repin na Academia de Artes.

Principais educadores

Decidir não limitar o desenvolvimento de seu filho a apenas uma educação artística, Valentina Semenovna voltou a Moscou novamente e colocou seu filho em um ginásio de Moscou. Aqui, a mãe da artista voltou-se novamente para Repin, pedindo-lhe para retomar as aulas. A família do pintor recebeu Serov de braços abertos, e suas aulas continuaram em um nível ainda mais alto.

O próprio Repin notou que, apesar das constantes interrupções nas aulas, Valentin fez um excelente progresso, e o trabalho de muito sucesso incutiu no próprio menino a crença de que ele novamente conseguiu retratar tudo o que havia planejado. Valentine acreditou em si mesmo e depois abandonou quase completamente seus estudos no ginásio, com grande paixão entregando-se ao seu passatempo favorito. No fim, a diretora do ginásio dirigiu-se à mãe da jovem artista com a proposta de transferir a criança para uma instituição especial, onde seu dom de pintura poderia ser totalmente desenvolvido. Então, o menino finalmente mudou-se para Repin. Agora, seus estudos de desenho e pintura não pararam de mais nada.

Igor Grabar escreveu em suas memórias:“Até Repin já o vê como um artista, não um adolescente, e até posa para ele para um retrato, enquanto desenha o próprio Serov. O Serov de 14 anos parece sombrio e taciturno - um reconhecível hábito de lobo puramente "Serov", que ele manteve até os últimos dias. E por trás dessa aparência sombria se esconde um coração bondoso e a alma mais terna e pura. Repin pinta um retrato de Serov, e Serov pinta o retrato mais preciso de Repin que já foi feito. Tem toda a essência Repin:seu visual, seu charme, o sorriso dele, até mesmo seu constrangimento eterno - em uma palavra, absolutamente tudo que todos nós sabíamos tão bem, e que ele manteve até 70 anos. ”

Entrando na Academia de Artes em 1880, Serov acabou no estúdio do famoso professor Pavel Chistyakov, que se distinguiu por um estilo de ensino extremamente severo, criticando e ridicularizando cada golpe impreciso de seus alunos. Esses métodos do professor ajudaram o artista a desenvolver uma maneira pensativa e sem pressa de representar a natureza. Como seu professor, Valentin Serov não tolerava pressa e aproximação no desenho e na pintura.

Respondendo a perguntas sobre sua maneira meticulosa de escrever, o pintor disse:“Caso contrário, Eu não sei escrever, é minha culpa, Eu não sei o quanto eu amo isso. ” De fato, não seria justo dizer que Serov não possuía técnicas de imagem super-rápidas. Exigindo para seus retratos pelo menos quarenta sessões de pose (e aconteceu que esse número chegou a cem), o talentoso artista fez esboços instantâneos com perfeição e dominou perfeitamente a arte dos esboços a lápis em alta velocidade.

Valentin Aleksandrovich com sua habilidade inerente foi capaz não apenas de compreender a forma reconhecível da figura e da cabeça, mas também para transmitir com um toque claro e preciso todos os traços característicos de sua aparência, até uma expressão capturada instantaneamente em seu rosto. Esses esboços curtos e rápidos são mais fortes do que outras obras, você pode julgar a incrível habilidade do artista.

Treinando sua mão nos esboços rápidos de desfiles e manobras militares, desenhando oficiais e soldados, Serov não se esforçou em nada para a semelhança com o retrato, mas, mesmo contra sua vontade, ele fez retratos genuínos. O olho preciso e a mão inconfundível do mestre não sabiam de outra forma. O pintor podia se dar ao luxo de escrever composições complexas sem nenhum esboço preliminar a lápis, imediatamente com um pincel de aquarela. Carvão, um pincel e um lápis obedeceram-lhe implicitamente. Portanto, ele pintou crianças que nunca posaram para ele com tanta confiança quanto retratou adultos por meses, esgotando-os com longas sessões de poses.

Apenas cinco anos após a admissão, Serov deixa a Academia, sentindo-se um mestre pronto. Toda a sua vida futura, seu constante autoaperfeiçoamento criativo ocorre de acordo com uma programação livre em trabalho contínuo.

Em 1885, Serov pintou a pintura "Bois" (Galeria Estatal Tretyakov, Moscou), um ano depois, a pintura "Noite de outono em Domotkanovo" (Galeria Estatal Tretyakov, Moscou), e “Inverno em Abramtsevo. Igreja ”(Galeria Estatal Tretyakov, Moscou). A formação do estilo de pintura de Valentin Serov ocorreu sob a influência de dois veneráveis ​​pintores - Repin e Chistyakov, e suas escolas de arte.

No entanto, já aos vinte, o artista não tinha nada em comum com o estilo e técnica de escrita de qualquer um dos professores, pois ele desenvolveu o seu próprio, maneira única de desempenho, que não se confunde com nenhuma das técnicas bem conhecidas da história da arte. Isso apesar do fato de que as pinturas de Serov são muito diversas na execução.

O pintor nunca parou em qualquer um encontrado com sucesso e uma vez descobriu uma maneira de resolver o problema, como costuma acontecer com outros pintores. O tempo todo em busca de novas abordagens, ele tentou escolher para cada enredo particular a forma e técnica de expressão artística mais apropriada. Ao longo de todo o período de sua obra. Serov pesquisou constantemente e encontrou maneiras ainda mais precisas de expressar sua atitude para com o objeto, nunca ficar satisfeito com os já usados.

Inovador da arte russa

Serov é frequentemente chamado de primeiro impressionista russo, comparando seu trabalho com pinturas de Renoir. Embora, alguns historiadores da arte acreditam que o artista russo estava ainda à frente de seu antecessor na vivacidade das cores, a elegância da transmissão da luz e a nobreza dos tons.

Se Renoir costumava usar neblina, transições vagas em seu trabalho, criando algum eufemismo, então Serov, pelo contrário, por todos os meios disponíveis para ele, demonstrou transparência e profundidade de fundo e um brilhante triunfo de vida nele. Nas obras do artista, muitas vezes você pode ver uma mudança bizarra de luz e sombra, transbordamento inimitável de tons claros e um jogo com destaques.

Mesmo em seus retratos clássicos escuros, Serov foi capaz de introduzir um sotaque leve de tal forma que enfatizou e enfatizou a personalidade da pessoa retratada. Valentin Aleksandrovich prescreveu até pequenos detalhes e objetos com grande confiabilidade, consolidando sua fama como um artista muito meticuloso que atribui importância a cada elemento.

Vale ressaltar que o artista pintou suas telas nas melhores tradições do impressionismo muito antes de poder ver as próprias pinturas de representantes dessa direção, nascido na França e viajando pela Europa para a Rússia apenas duas décadas depois.

Um gênio tão sensível, como Serov, com todo o seu ser adotando ideias inovadoras, de repente começou a funcionar de uma forma completamente nova e incomum para nossa escola de pintura, chamado de novo realismo. Podemos julgar a impressão que a primeira mostra das obras do jovem Valentin Serov causou ao público, de acordo com a gravação feita na monografia de Igor Grabar, que escreveu:“A antítese“ verdade da vida e verdade da arte ”pode ser simbolizada nos seguintes nomes:Manet e Courbet na França, Aable e Menzel na Alemanha, Serov e Repin na Rússia. Lembro-me da primeira vez que senti todo o significado dessa antítese. Foi em 1888. Para nós, os então adolescentes, os dias de abertura das duas únicas exposições em Moscou da época, o Periódico e o Móvel, foi um feriado real, os dias mais felizes do ano… A exposição foi extremamente significativa. Agora está claro que isso não aconteceu nem antes nem depois ... ela estava destinada a desempenhar um grande papel na história de nossa última pintura ... As mais significativas de todas foram ... duas telas até então desconhecidas por Serov, duas dessas pérolas, que se fosse necessário citar apenas cinco das pinturas mais perfeitas de todas as pinturas russas mais recentes, então, inevitavelmente, ambos teriam que ser incluídos nesta lista ... ".

A monografia trata de dois retratos que ergueram instantaneamente o pintor de 22 anos a uma altura inatingível. Este trabalho é “A Girl with Peaches” (1887, a Galeria Estadual Tretyakov, Moscou) e "Uma garota iluminada pelo sol" (1888, a Galeria Estadual Tretyakov, Moscou). A primeira tela causou verdadeira sensação durante o período de realismo sombrio e a aparente predominância de cores escuras e opacas na pintura. Neste contexto, o impacto emocional da pintura radiante de Serov, cheio de luz solar, os raios que perfuram a sala, com uma transição suave de todos os tipos de tons, o calor encantador das cores pastel, tudo junto não era apenas uma palavra nova, mas uma nova lufada de vento de mudanças na arte russa.

O próprio pintor descreveu o trabalho da pintura:“Tudo o que consegui foi frescura, aquele frescor especial que você sempre sente em espécie e não pode ser visto nas pinturas. Escrevi por mais de um mês e a atormentei, pobre, morrer, Eu realmente queria preservar o frescor da pintura quando estivesse totalmente acabada, como velhos mestres… ".

A tela retrata uma criança específica - Verusha Mamontova, mas a obra em si era muito mais composição do que um retrato de uma pessoa em particular, que seu nome geral - “Garota com Pêssegos” tornou-se famoso. A obra é como se tecida de luz do sol e alegria, enchendo a sala até a borda, envolvendo todos os objetos com um halo cintilante. Raios de luz deslizam ao longo das paredes, cair em uma toalha de mesa branca, brincar nos ombros e nas mangas do vestido rosa da menina, penetrando através do tecido fino, "coelho" quente mentira na pele escura das bochechas. Parece que o ar da sala está vibrando e transparente, cheio com o cheiro delicado de pêssegos e faíscas cintilantes de ouro.

A pintura é pintada com cores tão cheias de luz que transmitem de forma única e precisa a realidade que a harmonia da verdadeira vitalidade se sobrepõe à beleza indiscutível desta obra e respira literalmente em cada tema retratado. Os olhos escuros de Verusha brilham com espontaneidade infantil, atrás da qual sua inquietação também é adivinhada, a criança mal consegue conter um sorriso, ela já está impaciente para morder o pêssego escolhido, que ela segura com uma mão bronzeada incrivelmente pintada. Todo o visual da garota, desde uma mecha de cabelo despenteada até uma risadinha em seus olhos, está cheio de energia incansável e dá a ela uma natureza curiosa e viva. Mesmo depois de mais de cem anos, a menina de 12 anos da foto continua a viver uma vida despreocupada.

Até os pêssegos da foto participam da ação. Eles são explicados com uma imaginação literalmente impressionante. Sua casca de veludo é quase fisicamente palpável. As costas das cadeiras e o tampo da mesa polido também são incrivelmente delineados. De uma forma incompreensível, Serov consegue transmitir a textura das coisas do polimento brilhante ao veludo mágico, absorvendo suavemente a luz e harmonizando-se harmoniosamente com a mesma pele aveludada de uma criança. A Sociedade de Amantes da Arte de Moscou concedeu o prêmio ao jovem Valentin Serov por este trabalho.

Outro trabalho - "A Garota Iluminada pelo Sol" (retrato do primo de Serov M. Ya. Simonovich), é outra tela solar, em que o artista deu especial atenção à transmissão do cativante jogo de luz e sombra. Uma garota sentada sob uma árvore está envolta em um padrão de folhagem de renda perfurada pelo sol de uma tarde tranquila de verão. O rosto dela esta calmo, toda a sua postura é feminina e relaxada, como se ela estivesse em um reino de descanso e paz. O estouro do clarão do sol a céu aberto inunda a blusa e a pele da heroína. Eles são escritos quase em traços de mosaico, criando um contraste com a saia de veludo azul-violeta inesperadamente suave. Novamente, o pintor foi capaz de transmitir com incrível precisão o excesso de veludo do tecido com várias pinceladas longas. A obra traça um ritmo de vida completamente diferente do que em "Garota com Pêssegos", escrito um ano antes. Essas duas obras parecem se sobrepor, como se alegorias pictóricas:infância e adolescência, ludicidade descuidada e contemplação sonhadora. Muito tarde, em novembro de 1911, logo antes de sua morte, Serov, junto com Igor Grabar, olhou para esta tela na Galeria Tretyakov. “Ele ficou diante dela por um longo tempo, ”Grabar lembra, “Olhando para ela atentamente e sem dizer uma palavra. Então ele acenou com a mão e disse:não tanto para mim como para o espaço:“Eu escrevi esta coisa, e então toda a minha vida, não importa o quão inchado, nada saiu, então estava tudo exausto. ”- Grabar lembra, - olhando para ela atentamente e sem dizer uma palavra. Então ele acenou com a mão e disse:não tanto para mim como para o espaço:“Eu escrevi esta coisa, e então toda a minha vida, não importa o quão inchado, nada saiu, então estava tudo exausto. ”- Grabar lembra, - olhando para ela atentamente e sem dizer uma palavra. Então ele acenou com a mão e disse:não tanto para mim como para o espaço:“Eu escrevi esta coisa, e então toda a minha vida, não importa o quão inchado, nada saiu, então estava tudo exausto. ”

Claro, dizendo isso, o pintor era muito crítico consigo mesmo. Todos os seus trabalhos subsequentes apenas confirmaram seu talento notável, que simplesmente buscava constantemente novas formas de expressão, permitindo que seu dono nos mostre a realidade através de novas formas de sua percepção única.

Vida pessoal e pública do mestre

Em uma carta de Veneza para a noiva Olga Trubnikova, Serov, em 1887, escreve sobre seu fascínio pelos “mestres da Renascença do século 16”:“Era fácil para eles viver, despreocupado. Eu quero ser assim - despreocupado; neste século eles escrevem tudo difícil, nada encorajador. Eu quero, Eu quero algo bom e só escreverei algo bom. " Dois anos depois, em janeiro de 1889, Olga Trubnikova e Valentin Serov se casaram em São Petersburgo. Depois de 10 anos, em 1999, o artista retratou seus filhos Yuri e Sasha na pintura "Crianças" (Museu Russo, São Petersburgo).

Serov era um pintor de retratos talentoso. Seus primeiros modelos eram familiares e próximos a ele:escritores, artistas, artistas. Ele costumava pintar retratos de seus amigos:Rimsky-Korsakov, Korovin, Repin, Levitan e Leskov.

Para cada novo trabalho, o artista escolheu um estilo especial, enfatizando a individualidade de seus personagens. Por exemplo, criando a pintura “Retrato de Konstantin Korovin” (1891, Galeria Estadual Tretyakov, Moscou), o mestre descreveu seu amigo de uma maneira completamente "Korovin", usando grandes traços livres e as cores inerentes ao Korovin, enriquecendo assim as características pessoais do artista. Roupas para casa, uma pose livre e todos os arredores transmitem com muita precisão o temperamento e a aparência de Konstantin.

O Retrato de I. I. Levitan (1893, Galeria Estadual Tretyakov, Moscou) foi executado de uma maneira completamente diferente. Para ele, Serov encontra outros meios gráficos, diferente, cor mais contida. A testa alta aristocrática e a mão graciosa se destacam na tela com dois pontos de luz, tudo o mais é absorvido pelo calmo crepúsculo acastanhado. Não há um único objeto na imagem, pelo menos sugerindo o tipo de atividade da pessoa retratada, embora Levitan posou em sua oficina. Para Serov, era muito mais importante transmitir o caráter de seu amigo, o romance dele, melancólico, tristeza constante, reflexão e poesia.

Valentin Serov levou uma vida pública ativa. Desde 1894, passou a participar da Associação de Exposições de Arte Itinerantes. Três anos depois, em 1897, ele começou a lecionar na Escola de Pintura de Moscou, Escultura e Arquitetura. Entre seus alunos estavam artistas como Pavel Kuznetsov, Nikolai Ulyanov, Nikolai Sapunov, Martiros Saryan e Kuzma Petrov-Vodkin.

Os interesses do artista não se limitavam a animais e retratos de amigos, como o próprio Serov disse:"Ainda sou um pequeno pintor de paisagens." Suas paisagens são surpreendentemente lacônicas e despretensiosas, o que não os impede de transmitir de forma incrivelmente sutil o estado de espírito da natureza circundante. Além disso, o artista tinha um talento perfeitamente desenvolvido para escolher recantos incríveis para suas paisagens.

O pintor gostava de trabalhar principalmente com a imagem da aldeia russa. Acima de tudo, ele gostava da faixa intermediária da Rússia, que ele retratou bela e sutilmente nas pinturas "Mulher em um carrinho" (1896, Museu Estatal Russo, São Petersburgo), “Outubro” (1895, Galeria Estadual Tretyakov, Moscou), “Inverno” (1898, Museu Estatal Russo, São Petersburgo), “Gargling” (1891, paradeiro desconhecido), “Mulher com um Cavalo” (1898, Galeria Estadual Tretyakov, Moscou), e "Striguni em um Watering Place" (1904, Galeria Estadual Tretyakov, Moscou).

No início do século XX, ou seja, de 1900 a 1904, o artista era membro da associação “World of Art”. Durante este período, Serov foi levado pela imagem do czar-reformador Pedro I, a quem dedicou várias de suas belas telas. Neste momento, o pintor começa a se interessar profundamente pelos processos políticos que acontecem em sua terra natal. Talvez seja exatamente isso que despertou o interesse pela figura de Pedro, quem viveu, como o próprio Serov na era da mudança.

A obra do artista “Peter I on the Dog Hunt” (1903, Museu Estatal Russo, São Petersburgo) é muito revelador. De acordo com o enredo da foto, o jovem rei decide dar uma lição aos nobres que se gabam de seu sucesso na caça de cães. Peter decide provar aos orgulhosos que sua sorte depende inteiramente da habilidade dos cães de caça. O rei organiza uma caçada em que não haja um único canil, forçando os próprios boiardos a lidar com a matilha. Naturalmente, há uma confusão completa, apenas para diversão de Peter. Muitos caçadores veneráveis ​​caem de seus cavalos, sendo incapaz de controlar cães. Nesse trabalho, Serov conseguiu transmitir de maneira incomum e confiável o sabor do inverno russo e o humor de todos os participantes da cena.

Outra pintura do artista, escrito um pouco mais tarde, em 1907, “Peter I” (Galeria Estatal Tretyakov, Moscou), é dedicado ao Grande Reformador Russo. Aqui vemos ao mesmo tempo uma cena muito patética e muito dinâmica, cheio do espírito das rápidas transformações daquela era heróica. Peter I está caminhando rapidamente para encontrar o vento, praticamente explodindo sua comitiva. A imagem foi projetada para enfatizar a grandeza, força e determinação do soberano.

Serov conseguiu ser um acadêmico, tendo sido eleito em 1903 membro titular da Academia das Artes. Mas isso não durou muito. Dois anos depois, o artista abandonará o status honorário em protesto contra a execução em massa em 9 de janeiro, 1905.

O pintor também participou da organização da publicação satírica “Zhupel”, desenhar para ele caricaturas de orientação política. Também, por cerca de quinze anos, Veerov criou ilustrações de animais para as fábulas de Krylov. Foram esses desenhos que se tornaram a ideia favorita do artista; ele os repetiu muitas vezes, procurando com particular cuidado os traços e emoções necessários. Já em sua maturidade, Serov criou uma série de obras-primas do neoclassicismo e do modernismo russo na pintura e na arte gráfica, provando mais uma vez a sua versatilidade e a constante procura pelo estilo e forma de pintar.

Em 1907, o mestre visitou a Grécia, o que o impressionou indelével com suas esculturas e monumentos. Serov criou vários painéis decorativos dedicados ao tema antigo:“Odisseu e Navzikaya” (existe em várias versões) e a lenda poética sobre “O Rapto da Europa” (ambas obras de 1910, Galeria Estadual Tretyakov, Moscou). O touro Zeus retratado na última foto é surpreendentemente animado, com uma aparência completamente significativa, enquanto o rosto da garota, pelo contrário, é como uma máscara antiga, alegoricamente congelado e sem emoção.

Como muitos artistas da época, Serov colaborou com teatros. Sua cortina para o balé "Scheherazade", uma verdadeira obra-prima de belas-artes, criado em 1911, foi um sucesso retumbante em Londres e Paris.

O melhor pintor de retratos da Rússia

A glória de um talentoso pintor de retratos tornou-se para Serov uma verdadeira escravidão e uma maldição. Depois de 1895, pedidos de retratos da nobreza burguesa e aristocrática derramavam-se incessantemente sobre o artista. Apesar da enorme laboriosidade, o pintor sonhava em desenhar pessoas nada seculares, mas animais, então ele trabalhou com grande entusiasmo na criação de ilustrações para fábulas. Mas, junto com o crescimento da habilidade do artista, sua fama de melhor pintor de retratos da Rússia crescia continuamente.

O retrato de S. M. Botkin (1899, Museu Estatal Russo, São Petersburgo) fala do talento pronunciado de Serov como psicólogo-artista. O pintor não resistiu a fazer uma pequena ironia nos retratos seculares. A elegante Sofya Botkina em um luxuoso vestido dourado bordado com flores artificiais está localizada em um sofá estofado em seda azul, ornamento floral ricamente tecido. O artista ficou incomodado com este luxo fantasioso do interior, a abundância excessiva de ouro e a própria senhora, a quem chamou de “amante entediada”. O trabalho, cheio de sutil ironia, imediatamente após a publicação, foi apelidada de “senhora no sofá no deserto”.

De fato, o artista turvou tanto o fundo da imagem que parece se estender muito mais fundo, como se além do horizonte. Mas isso não é a coisa mais interessante do retrato, contra todas as leis da composição, Serov mudou a pose de "amante" do centro para a direita, e estritamente no centro da tela ele plantou um minúsculo galgo italiano, escrito com quase mais cuidado e amor do que sua amante elegante e luxuosa. A artista tinha certeza de que a presença de animais agrega naturalidade às posturas tensas e elaboradas das pessoas.

O exemplo mais notável do acima é o "Retrato do Grão-Duque Pavel Alexandrovich" (1897, Galeria Estadual Tretyakov, Moscou). Nele, o próprio príncipe é retratado em um tempo não natural, como se uma pose congelada, enquanto seu cavalo - sensível, vivaz, com olhos inteligentes - confere dinâmica e naturalidade à tela. Para este retrato cerimonial, que foi um dos primeiros retratos desse tipo na carreira do artista, Serov recebeu a medalha de ouro do Grande Prêmio na exposição mundial de Paris em 1900.

A imagem nos retratos de animais tornou-se uma espécie de válvula de escape para a artista. Então, em "Retrato do conde F. F. Sumarokov-Elston com um cachorro" (1903, Museu Estatal Russo, São Petersburgo), o próprio pintor insistia na presença na tela de seu amado cão um jovem conde, quem, no fim, parece quase mais significativo seu nobre proprietário. A mesma história com um magnífico cavalo branco no "Retrato do Príncipe F. F. Yusupov" (1903, Museu Estatal Russo, São Petersburgo).

De acordo com os contemporâneos de Serov, é seu pincel que possui o melhor retrato do último czar russo. A pintura “Retrato do Imperador Nicolau II” (1900, Galeria Estadual Tretyakov, Moscou) não foi fácil para o artista, quem era menos adequado para o papel de pintor da corte, de acordo com suas aspirações criativas e disposição espiritual. O pintor já era famoso, teve um grande número de pedidos, que ele freqüentemente rejeitou por causa da impossibilidade física de fazer tudo.

Claro, Serov não queria pintar um retrato do governante do poder, mas ele também não podia recusar o imperador. O retrato demorou muito para funcionar. Acima de tudo, a imperatriz irritou o pintor, que constantemente interveio no processo criativo com seus conselhos. Como resultado, Serov não aguentou e deu o pincel com a paleta em suas mãos, oferecendo-se para terminar o retrato sozinha, since she is so good at painting. Never being arrogant Nikolai, apologized to the artist for the tactlessness of his wife. But the portrait still eluded the sharp eye of the master, the image of the emperor conveyed by him was falling apart. Serov was extremely dissatisfied with himself, he could not finish the failed picture, this would have hurt his pride too much for Russia’s best portrait painter. No fim, the artist had to admit to the sovereign that he could not continue, since the portrait did not succeed.Emperor Nicholas II, dressed in a plain jacket of an officer of the Preobrazhensky regiment, reconciled with the situation, sat down at the table, folded his arms in front of him and looked at the portrait painter with genuine sadness. It was this view, revealing the inner essence of the emperor’s personality, perfectly characterizing his delicacy and vulnerability, that Serov needed.

After many years, Konstantin Korovin will speak of the canvas like this:“Serov was the first of the artists who caught the softness, intelligence, and at the same time the emperor’s weakness, and captured them on canvas…” In its execution, the portrait is almost sketchy, but thoughtfully accurate and harmonious, completely lyrical and simple. A surprising similarity of the emperor was noted by all contemporaries. The artist was able, with the light movements of the brush, emphasized by simple execution and discreet color scheme, to concentrate the attention of the viewer in the eyes of the sovereign, showing not the emperor, but a simple man, with his anxieties, concerns and expectations. Thanks to this approach, the portrait turned out to be very successful. Infelizmente, the original canvas was destroyed in 1917, an original copy has come down to us.

Often the artist wrote symbolic works. As, por exemplo, the painting "Portrait of Actress M.N. Ermolova" (1905, State Tretyakov Gallery, Moscow). The architect Fedor Shekhtel, seeing the work, said that:"This is a monument to Ermolova!" E, na verdade, the canvas is monumental, and the great actress herself resembles an ancient sculpture or even a column directed upward. Ermolova’s head is written against the background of a mirror reflecting the ceiling, which creates the illusion of the ascension of the actress’s figure, like a caryatid. The monochrome and chamber nature of the portrait seems to elevate the heroine on a pedestal, while emphasizing the stamp of exclusivity and loneliness of the creative person.

The painter liked to portray artists in their theatrical roles. Serov created the wonderful “Portrait of Francesco Tamagno” (1903, State Tretyakov Gallery, Moscow), where the magnificent singer is captured in a theatrical beret, and a symbolic reflection of gold is visible on his throat. The second example is the “Portrait of Chaliapin” (1905, State Tretyakov Gallery, Moscow), which was famous for the fact that in life it almost never left the stage image that had become familiar.

But the peak of the artist’s skill was “Portrait of Ida Rubinstein” (1910, State Russian Museum, São Petersburgo), depicted in the image of Cleopatra. It was not for nothing that the choreographer Mikhail Fokin considered the appearance of the ballerina indispensable for the then fashionable ballets Scheherazade and Cleopatra in the famous Diaghilev seasons. The idea was the charismatic sophistication of Art Nouveau, a la Beardsley, and the perfect match with the tastes of that era. Rubeinstein appeared in Cleopatra, barely covered by an almost transparent coverlet, which Lev Bakst invented specially for her.

The artist brilliantly combined art and life in this picture, bringing together the theatrical images of the heroine with her stylish, east-exotic appearance. Cleopatra and Zobeida forever united in the silhouette of a ballerina, the East fused with Egypt on the fine line of fiction and reality.

But a living person in this paradoxical fusion of the "theater of life" and the "truth of art" is defenseless in his nakedness. The mythological “beautiful nudity” of a fictional heroine suddenly transforms into the shameless “undressing” of a specific real person, and this was precisely the most piercing note of the portrait.

Naturalmente, when the portrait was presented to the public, a terrible scandal erupted. “My poor Ida Rubinstein… poor, naked…”, Serov himself will comment, describing the scandal when, in spite of the rising wave of indignation, the portrait was acquired by the Museum of Alexander III.

The picture is made in the Art Nouveau style. The clearly defined contours of a fragile body make the figure seem to be embossed on a completely flat background. A bright green scarf, almost twisted into a bundle, streams along the graceful ankles of a ballerina, resembling a snake at death hour. This moment weaves as if by chance into a portrait the theme of imminent death. The heroine’s look is almost absent, farewell, otherworldly, stopped by the artist at that almost elusive moment, when the angle of the head’s rotation still allows you to touch. There is no doubt that this is the last, already doomed look of the Egyptian queen, which she sends to the world before turning forever into stone.

This canvas literally stunned Ilya Repin, like a bolt of thunder from a clear sky:"… and, like Venus from the sink, " Ida Rubinstein "appeared… It seemed to me that the ceiling of our slippery pavilion fell on me and crushed me to the ground; I stood with the tongue sticking to the larynx… ”, the artist described his impressions. Naturalmente, secular criticism subjected the work to a ruthless smash:"bad imitation of Matisse", "decadentism", "ugliness". Mas, despite all the violent critical cries, Serov was very proud of his work.

Each time, preparing to create a new portrait, the painter sought to avoid any repetition of the angle, pose, surroundings or gesture. He took a long look at the new model, made sketches, looked for the most expressive pose for the hero and the most suitable interior for him.

Serov for a very long time picked up a suitable setting for a portrait of the wife of the influential antiquarian Vladimir Girschman. The artist wanted the interior to emphasize the gloss and grace of this socialite, without simultaneously simplifying and belittling her brilliant beauty. The master was very sympathetic and warm to Henrietta Leopoldovna, considering her “smart, educated, cultured, modest and simple, without the manners of rich upstarts and, além disso, very pretty.” The painting “Portrait of L. L. Hirschman” (1907, State Tretyakov Gallery, Moscow) is an exquisite semantic and pictorial masterpiece of fine art.

The composition of the work is very simple. The only eye-catching figure on the canvas is a luxurious young woman in a strict black suit, who seemed to have just risen from the dressing table and turned to the artist and the audience. Perhaps she wanted to examine herself in another mirror, but between her and the opposite wall with another mirror was an artist who stopped this turn with his brush and fixed the lady’s soft but exacting look, turning him to us. The beautiful Henrietta Leopoldovna peers into the viewer, as if in a mirror, her demanding look as if addressed to those who will look at her through the ages. A strict black suit is refreshed only by a small snow-white boa, which a woman coquettishly straightens with her thin lily handle, studded with rings.A gracefully curved pose allows the heroine to lean with her second hand on the dressing table. Unlike luxurious socialites, which the artist did not like, here we see a young, austere, but beautiful woman, endowed with character and charm.

Valentin Aleksandrovich created on the canvas a game of mirrors, a double reflection, noticeable only from the side of the painter and open to the viewer. He depicted not only the back of Henrietta Hirschman reflected in the mirror, but also her blurry, small copy visible in the distant mirror, thus closing a circle and showing the viewer in reflection what was beyond the borders of the portrait canvas. Também, Serov for the first and last time for all his work depicted on the canvas an open dialogue between the model and the master. He portrayed himself in reflection at the very edge of the mirror. Although the artist’s face is distorted by faceting, it clearly reads the tension with which he is trying to do work for this woman.

Serov’s very characteristic X-ray view frightened many secular people so much that they were afraid to pose for him. The painter always clearly saw and impartially showed in his works the essence of the person being portrayed, the basis of his personality. Everyone knew that it was “dangerous” to pose for this artist, although Serov never deceived the expectations of customers, creating magnificent and very realistic portraits that they could be proud of.

The master himself has always recognized that he is not interested in the appearance of the posing person, but in his characterization, which can be expressed on canvas. The features revealed by artists in their heroes were often so unexpected for their owners that he was repeatedly accused of caricature. The master himself commented on this:“What if the cartoon sits in the model itself, what am I to blame? I just looked out, noticed. "

An example of such a finely thought out and fulfilled cartoon is the “Portrait of Princess O. Orlova” (1911, State Russian Museum, São Petersburgo). Igor Grabar wrote about Olga Orlova:“She could not stand, sit, talk or walk without special tricks to emphasize that she was not just an ordinary aristocrat, but… the first lady at court.” According to the surviving reviews of contemporaries, the princess was not distinguished by high intelligence, she was practically not interested in art, but she was the most elegant fashionista of St. Petersburg, she spent fortunes on the most luxurious Parisian toilets. Numerous Orlova considered Serov, who was just at the peak of popularity, worthy of honor for centuries to maintain the appearance of this secular lioness of the early XX century. What the artist did, Contudo, in his own manner.

The painter began by bringing the princess’s pose to absurdity, sitting on a low ottoman high and slender Orlova, so that her sharp knees protruded up and forward. The luxurious mantle slipped slightly, revealing a graceful white shoulder. The princess seems to play with a string of pearls, and in this ambiguous gesture she shows a hand at herself, as if emphasizing the significance and importance of her own person. The compositional center of the picture was the huge black hat of the heroine, which is clearly too much. She seems to slam the model, lowering it even lower compositionally.

The pretext for this situation was the situation, as if the princess had sat down for a moment in anticipation of her crew, having already fully gathered for the exit. Orlova’s face expresses the usual nervous frustration caused by the need to wait. Her high eyebrows are raised perplexedly, and her chin arrogantly raised. Orlova holds an elaborate posture, even being alone in expectation, her defiant arrogance is almost vulgar, but the mannerism and unnaturalness of an exquisite socialite is deliberately emphasized by the portrait painter.

Behind the princess is a large vase, almost copying the silhouette of the model. Representing on the wall a shadow cast by a vase, Serov deliberately distorts it, contrary to the photographic accuracy of his eye. The outlines of the shadow are more reminiscent of the heroine of the canvas in her huge hat. Então, the artist subtly hinted that the princess is as empty as the vase behind her. It is not surprising that the princess herself and her admirers were disappointed with the portrait, although the painter very carefully depicted the folds of fabric of an expensive dress, and the ebb of luxurious fur and the chic decor around the heroine.

Serov was accused of subjectivity to Orlova and that he did not use the heroine’s most advantageous qualities - her elegance and high growth. No entanto, this picture once again proved the sensitivity and insight of the artist. The customer, without regret, presented the portrait to the Museum of Alexander III (State Russian Museum of St. Petersburg), expressing the only condition that he should not be exhibited in the same hall as the portrait of the naked Ida Rubinstein.

A friend of the artist Vladimir Dmitrievich von Derviz wrote in his memoirs about him:“Valentin Alexandrovich was distinguished by absolutely exceptional directness and simplicity, despite his seemingly rather mild character, he knew how to defend his views and never compromised his convictions.”

Epilogue

The great painter died unexpectedly, on the morning of November 22, 1911, on the way to the Shcherbatovs’ house, where a portrait session was scheduled for him. The cause of Serov’s early death was an angina attack. Having lived only forty-six years, as many as thirty of them, Valentin Serov confidently and enthusiastically weaved the golden strokes of his stunning solar masterpieces into the canvas of the Russian Silver Age. Being in the prime of life, the artist worked a lot. Worshiping the talent of the painter, the poet Valery Bryusov wrote:“Serov was a realist in the best sense of the word. He accurately saw the secret truth of life, his works revealed the very essence of those phenomena that other eyes could not even see. ”

Zhuravleva Tatyana