Francisco de Goya e Lucientes (1746-1828)

O destacado representante da escola espanhola de pintura, Francisco José de Goya i Lucientes, é um artista único que conseguiu incorporar em sua arte o trágico destino do povo espanhol, suas esperanças e incontáveis ​​sofrimentos, suportado de forma duradoura com vitalidade infinita. A inspiração para o artista foram os eventos reais que aconteciam em seu país. Não tendo outro poder senão o da arte, o artista por meio de suas pinturas expressou sua atitude pessoal em relação à realidade que o rodeava e ao que estava acontecendo em sua amada pátria.

Fotos de Francisco de Goya y Lucientes

Os primeiros anos do grande mestre

O futuro grande artista Francisco Goya nasceu na pequena aldeia de Fuentetodos, localizado entre as rochas aragonesas na parte norte da Espanha, em 30 de março, 1746 na família do mestre dourador José Goya. O pai do artista não era um plebeu, ele veio de uma família de um tabelião rico que se especializou em Zaragoza. Esta situação permitiu-lhe casar com uma representante das camadas mais baixas da nobreza espanhola, Don García Lucientes. Depois de um casamento modesto, a jovem família mudou-se para a propriedade, herdado e localizado em Fuentetodos. De acordo com a lei espanhola da época, nobres só podiam viver da renda trazida por suas posses, e não tinha o direito de trabalhar.

Neste estado de coisas, a família Goya mal conseguia sobreviver. Isso forçou o chefe da família a transportar sua casa de volta para Zaragoza, onde ele poderia assumir seu ofício. O que aconteceu em 1759. Tendo melhorado ligeiramente sua situação financeira após a mudança, o pai da família enviou seus três filhos Thomas, Camillo, e Francisco para a escola primária do pai de Joaquin. Devo dizer que a educação que os meninos receberam lá é difícil de chamar de boa, Padre Joaquin preferia teologia à alfabetização, que se refletiu em toda a vida subsequente do artista. Até o fim de sua vida, Goya escreveu com erros, e sua pronúncia e vocabulário traíam inequivocamente um plebeu nele. Verdade, deve-se notar que, no final do século XVIII, na Espanha, uma boa educação estava disponível apenas para um punhado da elite.

Depois de sair da escola, Francisco ingressa numa escola jesuíta em Saragoça. Seu mentor, Padre Pignatelle, imediatamente percebeu as excelentes habilidades artísticas do menino e recomendou-o a seu parente Jose Lusana y Martinez, que já foi um pintor da corte. O padre Francisco não se opôs e pagou ao filho aulas de arte durante quatro anos. Durante este tempo, Francisco Goya não só compreendeu os fundamentos da pintura e do desenho, mas também criou numerosas gravuras e águas-fortes a partir das obras de destacados mestres espanhóis. Já neste momento, Francisco mostrou uma perseverança e determinação incríveis. Para alcançar a máxima expressividade da imagem dos diversos movimentos do corpo humano, o jovem artista, além da oficina de Lucian, também visitou a escola de escultura de Juan Ramirez. Iniciar, ele fez cópias de esculturas e criou estudos de estudantes. Deve-se notar que na Espanha deste período existia um tabu sobre as imagens de um corpo nu, especialmente uma mulher, portanto, as aulas de escultura para Goya eram quase a única oportunidade de estudar anatomia humana.

Graças a sua perseverança, Francisco rapidamente se estabeleceu como um copista brilhante, apreendendo sutilmente as características da maneira artística e do estilo de pintores ilustres. Graças a isto, em 1760, ele recebeu sua primeira encomenda para pintar um relicário em uma igreja em Fuentetodos. Infelizmente, esta obra foi completamente destruída em 1936 durante a Guerra Civil Espanhola. Mas sua aparência pode ser reconstruída a partir de fotografias remanescentes. As laterais externas das asas do relicário de madeira foram decoradas com a imagem “O Aparecimento da Madonna del Pilar em frente a São Tiago”, e no interior estavam representados “St. Francis de Paula ”e“ Madonna e o Menino ”. De acordo com as evidências sobreviventes, contemporâneos elogiaram o trabalho do artista, embora Goya, quem a viu, já estando em uma idade avançada, ficou indignado:“Não diga que eu pintei!”.

Em 1763, o Goya de dezessete anos, que finalmente decidiu conectar sua vida com a arte, saiu de Saragoça e foi para Madrid. Os primeiros anos da estadia do artista na capital espanhola são envoltos em segredos e lendas. A partir de informações confiáveis ​​que chegaram até nós, sabe-se apenas que no final de 1763, imediatamente após sua chegada em Madrid, Francisco se candidatou a uma bolsa de estudos na Royal Academy of Fine Arts de San Fernando, mas foi recusado. O que Goya fez em Madrid nos dois anos seguintes é completamente desconhecido. Em 1766, Francisco participou de um concurso anunciado pela Academia sobre um tema da história espanhola. A tarefa foi formulada da seguinte forma:"Martha, a Imperatriz de Bizâncio, chega em Burgos ao rei Afonso, o Sábio, para pedir-lhe uma parte da quantia que o sultão designou para resgatar seu marido, o cativo do Imperador Baldwin, e o monarca espanhol ordena que lhe dê essa quantia. "Ramon Bayer recebeu a medalha de ouro da competição, e Goya falhou, que se tornou apenas um de uma série de fracassos que o perseguiram no primeiro período de sua obra.

Mas a participação na competição trouxe algum benefício a Goya, onde conheceu Ramon Bayeu e seu irmão Francisco, um membro do júri acadêmico, para o qual ele imediatamente entrou nos alunos. Por cerca de três anos, o jovem pintor viveu e estudou na casa de um novo mentor, durante o qual ele se apaixonou apaixonadamente por sua irmã Josef. O afeto de Goyal não o impediu de partir para Roma em 1769, onde ele continuou sua educação.

Infelizmente, nenhuma informação confiável sobre os dois anos de vida de Francisco de Goya na Itália foi preservada. Os únicos dados remanescentes referem-se à participação do artista em concurso promovido pela Academia de Belas Artes de Parma. Como parte da competição, ele criou a pintura "Hannibal, olhando do alto dos Alpes para os campos da Itália. "A tela teve algum sucesso com o júri, Contudo, Goya estava novamente sem sorte. Com margem de apenas um voto, a medalha de ouro da competição novamente foi para outra.

Reconhecimento de talento

Em 1771, Francisco Goya voltou a Saragoça, desapontado e cansado do fracasso. Depois de vários meses, o artista finalmente sorriu para a sorte, ele recebeu sua primeira encomenda. Foi necessária a conclusão de uma série de pinturas religiosas na capela do palácio do conde local Gabard de Sobradiel. Goya tentou o seu melhor, como resultado, os afrescos revelaram-se de altíssima qualidade e apreciados pelo cliente. Este foi o primeiro sucesso significativo do pintor no campo profissional.

Breve, o artista foi contratado para completar uma série de esboços para os afrescos da cúpula da Catedral de Madonna del Pilar em Zaragoza. Por um mês de trabalho, Goya conseguiu criar obras que atingiram os membros da comissão de reconstrução da catedral. Este foi o segundo sucesso que prova a capacidade de Francisco de criar murais soberbos. Embora, deve-se mencionar que um papel significativo no fato de Goye ter recebido o pedido foi desempenhado pelo preço das obras, exibida pelo próprio artista por dez mil reais a menos que o restante dos concorrentes. Seja como for, em meados de 1772, o artista concluiu os trabalhos de pintura da cúpula. O afresco, intitulado "Adoração dos Anjos em Nome do Senhor", foi feito no estilo barroco. Saturado com inúmeras figuras de anjos retratados na imagem de mulheres bonitas, cuja variedade de ângulos enfatiza a dinâmica da composição, construído em movimento contínuo, trouxe ao artista um sucesso tão esperado e bem merecido.

A participação na criação da pitoresca decoração da Catedral de Madonna del Pilar foi um ponto de viragem na carreira do artista. Além do respeito ao concidadão e ao bem-estar material, Goya também recebeu um fluxo constante de pedidos, o que é tão importante para qualquer artista. Seu próximo trabalho foi a criação de todo um ciclo de afrescos para o mosteiro de Aul Dei e a igreja de di Menuel. Isso permitiu que Francisco ganhasse uma posição adequada na sociedade e se tornasse o artista de maior sucesso em Saragoça. Chegou um momento em que Goya finalmente poderia se dar ao luxo de se casar.

No início da primavera de 1773, o artista foi a Madrid com o professor Francisco Bayeu para pedir as mãos da irmã Josefa. Correu tudo bem, e os felizes amantes se casaram durante uma cerimônia magnífica, realizada em 25 de julho daquele ano. Imediatamente após o casamento, os noivos foram para Zaragoza, onde Francisco aguardava inúmeras encomendas inacabadas. Por mais estranho que possa parecer, praticamente nenhuma informação chegou até nós sobre a companheira de vida do grande pintor, nem em seus arquivos privados, nem em arquivos estatais, há cartas ou resenhas de seus contemporâneos, não há sequer informação sobre o número de filhos nascidos em quase quarenta anos de convivência. É geralmente aceito que todos os filhos do artista morreram em tenra idade, e apenas um de seus filhos, Francisco Javier Pedro, tornou-se um verdadeiro apoio ao pai e sucessor da sua obra. Biógrafos e historiadores da arte só podem presumir que Josefa foi uma esposa dedicada e uma guardiã cuidadosa do lar, mas obviamente ela estava muito pouco interessada na vida social. Apenas a data de sua morte, 1812, é conhecido de forma confiável. É surpreendente que durante sua longa vida familiar, Francisco Goya pintou apenas um retrato da esposa.

Encontrar um cargo na corte real

No início de 1774, Iniciou-se o trabalho em grande escala na reconstrução das tapeçarias da real manufatura de Santa Bárbara. A comissão de restauração incluiu Antoine Rafael Mengsu e Francisco Bayeu. O segundo era responsável pela distribuição entre os pretensos artistas de encomendas para a criação de esboços de futuras tapeçarias. Graças a isto, Goya e Ramon Bayeu receberam um grande pedido, o que lhes proporcionou um emprego permanente e bem remunerado. Esta encomenda facilitou a mudança do artista para Madrid com toda a sua família.

Os temas dos primeiros esboços encomendados pelo pintor foram a caça e a pesca. Goya completou rapidamente esboços de cenas temáticas em papelão. Apesar do estilo bastante seco e contido dos esboços, com praticamente nenhum espaço elaborado em torno dos personagens, eles receberam a aprovação do rei, e o artista recebeu um novo pedido, cujo tema era uma cena da vida de espanhóis comuns.

É aqui que o verdadeiro talento do pintor foi revelado. Esses esboços estabeleceram a base para uma série de obras engenhosas que glorificaram o artista por muitos séculos. Ele escolheu jovens vestidas com cores vivas (mahi) e suas coloridas companheiras (maho) como heróis de seus cartolinas. As composições são baseadas em histórias da vida das pessoas:jogos, feriados, cenas de rua. Tons ricos de som das pinturas transmitem de forma realista o clima despreocupado de diversão universal. Em suas obras, o artista com grande observação mostrou uma variedade de tipos folclóricos e trajes nacionais vibrantes, bem como lazer e modos da juventude urbana. De acordo com os gostos de sua época, o mestre idealizou ligeiramente as formas de seus personagens. Mas a paleta de cores do artista é mostrada aqui em toda a sua glória - inúmeras nuances de cores de vários tons imediatamente distinguiram Goya entre seus contemporâneos.

As obras mais marcantes deste período incluem as pinturas “Vendedor de pratos” (1779, Museu do Prado, Madrid), “Festas do dia de Santo Isidoro” (1788, Museu do Prado, Madrid), “Maha and Her Fans” (1777), Museu do Prado, Madrid) e outros. Mas o melhor trabalho entre eles é papelão para a tapeçaria Umbrella (Museu do Prado, Madrid), escrito em 1776. O esboço é um esboço de gênero simples. Em primeiro plano está uma linda garota em uma pose elegante, como se estivesse se demonstrando para o espectador, um sorriso cativante em seus lábios. O jovem companheiro da menina está à sua esquerda, bloqueando a jovem dos raios de sol com um guarda-chuva aberto. A composição do papelão é permeada pela alegria e pelo descuido da vida. O destaque da foto era o complexo, iluminação quase fantástica, com o qual Goya cria um sabor musical harmonioso, construído em cores pastel.

A iluminação desta obra na corte real foi afetada pela iluminação das mentes do Iluminismo francês, com seu afastamento dos cânones estritos, tão reverenciado anteriormente na Espanha. Graças a este sucesso entre a aristocracia, em 7 de maio, 1780, Francisco Goya foi eleito por unanimidade para os novos membros da Royal Academy of Fine Arts de San Fernando. Já em 1785, ele se tornou seu vice-diretor, depois de mais dez anos - o diretor do departamento de pintura da Academia.

Entre 1786 a 1791, uma mudança de entonação é planejada no cartão do mestre. Cada vez mais em suas obras, o desejo de transmitir não a atratividade externa da trama, mas o estado emocional dos personagens, que se tornou mais "terreno" tendo perdido o brilho externo e a beleza, tão característico das primeiras obras do artista, é manifestado. Isso é visto claramente em obras como The Blindfold Game (por volta de 1788-1790, Museu do Prado, Madrid) e The Wounded Mason (Museu do Prado em 1786, Madrid), que se tornou uma das principais obras deste período.

A imagem é caracterizada por um enredo verdadeiramente dramático:jovens trabalhadores carregam nos braços de seu camarada que rasgou em altura. Em suas poses e na forma como a artista interpreta os volumes de seus corpos, surge um certo compromisso do mestre com as tradições do classicismo. A cor fria da composição é baseada em uma combinação de tons de azul, cinza e ocre. Embora a obra ainda não tenha aquele som trágico penetrante, tão característico de muitas das pinturas subsequentes de Goya, já reflete totalmente as entonações básicas da obra madura do mestre.

No final de seu trabalho para a fábrica real, Goya cria outra obra-prima de sua autoria - “A Boneca” (“O Jogo do Pelé”, 1791-1792, Museu do Prado, Madrid). Tendo trabalhado na fábrica de Santa Bárbara por cerca de dezoito anos, o artista criou mais de sessenta cartolinas. Ao longo dos anos, o mestre conquistou não apenas amigos e patronos influentes, mas também muitos invejosos e malfeitores.

A evolução do retrato do artista

Trabalhando em esboços para tapeçarias, Goya pintou muitos retratos personalizados ao mesmo tempo. Suas primeiras obras do gênero falam do grande desejo do artista de ter sucesso a todo custo, isso é especialmente perceptível na maneira como o pintor elogiava seus nobres modelos.

Um exemplo é o cerimonial “Retrato do Conde Floridablanca” (1783, Banco do Urquijo, Madrid), em que o onipotente primeiro-ministro é retratado de corpo inteiro, em seu escritório vestido com todos os trajes de poder e poder. Os itens pessoais em torno da contagem testemunham seus hobbies, sua figura na foto é destacada por cores brilhantes e luminosas, e contrasta fortemente com seu entorno. O primeiro-ministro não é o único retratado - seu secretário está de pé no fundo da sala, e à esquerda do conde Goya retratou-se a partir de uma de suas obras. Na foto, Floridablanc não percebe os outros e olha calmamente para a sua frente, também aconteceu na vida. O conde reagiu com frieza ao trabalho do artista e nem mesmo pagou ao pintor que tinha grandes esperanças de conhecer uma pessoa tão influente, esperando ver um patrono em seu rosto.

O artista aprendeu uma lição amarga e mais tarde, no mesmo ano, enquanto visitava a villa do irmão do Rei da Espanha - Infanta don Luis de Bourbon, onde pintou o retrato de sua família, ele não procurava mais lisonjear essas pessoas de alto escalão. Em seu trabalho nesta foto, o desejo de transmitir a profundidade dos personagens e a individualidade de cada modelo é claramente traçado.

A composição do “Retrato da Família da Infanta Don Luis de Bourbon” (1783, Magnani Rock Fund Mamiano Foundation, Parma) foi construída com base no princípio de cenas de gênero do dia a dia. Toda a família de Dom Luís se reuniu em torno de uma mesinha sobre a qual o infante joga paciência. Mas o verdadeiro centro de composição não é ele, mas sua esposa Maria Teresa, vestido de luz, como se fossem roupas brilhantes. Seu cabelo está penteado pelo cabeleireiro que está atrás dela. No lado esquerdo da tela, Goya novamente se retratou trabalhando nesta pintura. Uma tela bastante grande (248 x 330 cm) demonstra bem a habilidade aumentada do artista. O artista conseguiu transmitir os personagens dos heróis de uma forma diplomática e ao mesmo tempo muito realista. A cor da obra é baseada em uma mistura de cores escuras quentes com leves toques de azul e verde, dando à tela um som musical sonoro.

Depois de criar este retrato, Goya finalmente encontrou o que sonhava - familiarizar-se com as patrocinadoras influentes e poderosas, que se tornaram as duquesas Alameda Osuna e Alba. A artista conseguiu se dar bem com os dois, apesar de serem rivais juramentados sempre e em tudo. Uma nova etapa começou em sua vida, sua carreira estava fadada a um rápido crescimento.

Breve, o artista começou a trabalhar em um retrato da noiva do conde Floridablanca. “Retrato da Marquesa de Pontejos y Sandoval, Duquesa de Pontejos ”(1786, National Picture Gallery, Washington) é feito no quadro estrito do retrato do desfile. O estilo da obra está muito próximo das primeiras obras do gênero. A figura da marquesa é retratada contra o pano de fundo de uma paisagem ideal (Goya usará essa técnica para retratos femininos até o final do século 18), toda a sua imagem é natural e calma. O lindo vestido de seda da heroína, pintado pelo artista com grande habilidade, distrai o espectador da expressão triste de seu rosto.

Dois anos depois, Goya escreverá outro de seu famoso retrato de grupo - “A família do Duque de Osun” (1788, Museu do Prado, Madrid). Nesse trabalho, uma nova forma do artista já se manifesta, que no futuro se tornará a manifestação mais marcante de seu estilo individual. A principal característica de seu trabalho é o foco no estado psicológico de seus heróis. Ao mesmo tempo, a fim de desviar a atenção do olhar exigente de clientes eminentes de sua própria avaliação de suas personalidades, Goya desenha com cuidado e maestria todos os detalhes mais finos de suas roupas e joias requintadas. O fundo dos retratos torna-se monofônico, para que nada distraia o espectador da contemplação de modelos. Os exemplos mais marcantes de retratos deste período incluem o “Retrato de Don Manuel Osorio de Zoonig” (1788, Museu Metropolitano de Arte, Nova york).

Breve, finalmente, o sonho do artista se tornou realidade - em abril de 1789, Goya recebeu o posto de pintor da corte tão desejado por ele. Devo dizer, o sucesso virou tanto sua cabeça que ele começou a ignorar a fabricação de papelão para tapeçarias. Isso levou ao artista a ira do diretor da manufatura, que imediatamente escreveu uma reclamação ao rei. O antigo mentor do pintor Francisco Bayeu teve de trabalhar muito para reparar o seu parente e abafar o escândalo. Felizmente para Goya, tudo deu certo, e ele começou a trabalhar discretamente na corte, fazendo retratos de quem está no poder. Então, em 1795 escreve o seu célebre “Retrato de Maria Theresa Cayetan de Silva, Duquesa de Alba "(Museu do Prado, Madrid). A imagem da Duquesa é muito eficaz, um vestido branco em nítido contraste com uma mecha de cabelo preto encaracolado e detalhes em vermelho na forma de um largo cinto de cetim, apertando a cintura fina da heroína, e com laços vermelhos no peito e no cabelo. Essa combinação contrastante de cores dá a toda a tela um som importante.

Pintura da Igreja de Santo Antônio

Além de pedidos constantes de gravuras e retratos, o pintor da corte Francisco de Goya recebeu encomendas muito honrosas e lucrativas para a criação de pinturas monumentais. Então, em 1798, O rei Carlos IV encarregou o artista de pintar as cúpulas e as paredes do recém-concluído templo de San Antonio de la Florida.

A igreja foi construída por ordem do rei pelo famoso arquiteto da época Fontana, que conseguiu concluir a obra em apenas seis anos, de 1792 a 1798. Os afrescos do templo deveriam contar sobre a vida de Santo Antônio de Pádua, o monge do franciscano que viveu no século XIII. Por trinta e seis anos atribuídos a ele, Santo Antônio ganhou fama de orador destacado. Histórias e lendas e sua vida virtuosa, milagres e sermões emocionantes eram conhecidos em todo o país, ele foi até chamado de “Lâmpada da Ordem”.

No trabalho dos afrescos, o artista recebeu total liberdade de ação, e Goya aproveitou a oportunidade para repensar os cânones tradicionais da pintura de igrejas.

De acordo com a tradição, todo o espaço do cupom ao criar afrescos teve que ser ocupado por imagens de anjos, uma cruz ou Cristo. Goya decidiu colocar ali um enredo dedicado ao milagre da ressurreição dos mortos por Santo Antônio, realizada na frente de uma multidão maravilhada. Com este gesto, o artista exaltou o santo a quem o templo foi dedicado. O pintor colocou anjos e arcanjos nas paredes e nos arcos de suporte, e pequenos anjos ocuparam as velas.

A cena da ressurreição de Goya adquiriu uma interpretação completamente realista. Santo Antônio é retratado com seus companheiros, cercado por um público diversificado, que observa cuidadosamente suas ações. Em um esforço para dar o máximo de realismo ao afresco, o artista se concentrou em transmitir as imagens de pessoas comuns, retratando a multidão como se viesse diretamente das ruas de Madrid. A solução composicional circular dá ao trabalho o efeito de movimento contínuo e dinamismo. Em contraste com as imagens realistas do afresco central, Goya descreveu os representantes do exército celestial como idealizados e sofisticadamente refinados. A pintura deste templo ainda é considerada uma das melhores obras monumentais e decorativas de Goya.

Imagem de vícios humanos

A década de 90 do século 18 foi um momento decisivo na consciência e na obra de Goya. Uma doença grave levou a repensar a vida e a obra do artista, como costuma acontecer. Os primeiros ataques de uma doença desconhecida se abateram sobre o pintor no outono de 1792. Enxaquecas severas, alternando com tontura, terminou em paralisia parcial. Acima de tudo, o infeliz artista tinha medo de perder a visão. A doença prejudicou o espírito moral de Goya, ele estava constantemente com um humor sombrio, e seus entes queridos temiam seriamente por sua vida. Felizmente, esses ataques terminaram relativamente bem, já na primavera do próximo ano, o pintor se sentiu muito melhor.

No verão, o artista se recuperou quase completamente da doença, embora não sem perdas. A doença o privou completamente de sua audição, mas isso não impediu o mestre de pegar seu pincel imediatamente após a recuperação. O sofrimento vivenciado e o medo da morte despertaram na artista um interesse apaixonado e genuíno pelo ser espiritual e social do homem. Ele olhou com outros olhos para a estrutura da sociedade espanhola e repensou seu próprio sistema de valores. A alegria da vida e o brilho do sol por muito tempo deixaram a obra do artista.

Tudo isso levou o pintor a criar uma série de obras intitulada "Caprichos" (Modas passageiras). Incluía oitenta águas-fortes criadas entre 1797 e 1799. De uma forma grotesca fantástica, o artista refletia a situação social tensa e todo o lado nada lisonjeiro da ordem feudal da Espanha.

Todos os desenhos ridicularizam os vícios humanos:crueldade, ignorância, covardia, pretensão, egoísmo, credulidade, ganância e muito mais. Todas as gravuras da série são baseadas no contraste de luz e sombra, expressa por grandes manchas pretas e brancas. Goya mostrou notável talento simbolista e grande engenhosidade. Todos os personagens Caprichos têm uma personalidade muito viva que expressa o vício que representam. As poses, gestos, As expressões faciais dos heróis são tão expressivas que se torna impossível determinar onde está a verdade e onde está a ficção.

As primeiras obras da série Capriccios são principalmente dedicadas aos vícios que consomem a alma feminina:a insidiosidade, inconstância e engano. Nessas folhas, jovens queridas mulheres enganam vilmente seus cavalheiros, e as velhas e feias procuradoras estão envolvidas na corrupção de meninas inexperientes.

Começando com a folha 37, há desenhos dedicados à ignorância:mostram imagens de burros que curam, tocar música, ensinar uns aos outros, dar discursos e posar para macacos. Todas as gravuras subsequentes através do grotesco demonstram claramente como a feiúra moral das pessoas produz espíritos malignos. Em noites negras, feiticeiras e brownies realizam seus rituais, riso, careta, reúnam-se no sábado e atormentem suas vítimas infelizes. Mas quando o sol nasce, todas as feras não desaparecem ou morrem, eles apenas mudam sua aparência, tornando-se comum, pessoas aparentemente respeitáveis. E tão infinitamente.

A folha 43 - uma gravura intitulada “O sonho da razão dá monstros” - tornou-se uma das mais famosas. Goya forneceu-lhe comentários interessantes:“A imaginação abandonada pela mente dá origem a monstros sem precedentes, mas em conjunto com a mente, torna-se a mãe de todas as artes e a fonte dos milagres que elas criam. " Na verdade, tais comentários foram feitos pelo artista a cada folha da coleção, mas, de acordo com contemporâneos, tais descrições da trama complicaram ainda mais sua percepção, “Fechando os olhos para todos que não faziam ideia. “

De acordo com o plano do pintor, Os “caprichos” deveriam animar os compatriotas e decidir enfrentar sua posição imposta pela aristocracia. Em 1799, Goya, às suas próprias custas, imprimiu trezentos exemplares da série. Quatro cópias, mesmo antes de serem colocados à venda, foram comprados pela Duquesa de Osuna. Outros 27 foram vendidos nos anos seguintes. Verdade, Depois de algum tempo, Capriccios ainda ganhou popularidade entre os artistas românticos.

A evolução do estilo e da visão de mundo Todo esse tempo, o mestre não parou de trabalhar no gênero retrato, que ele era constantemente ordenado pela aristocracia da corte. Afastando-se do anterior, interpretação um tanto superficial dos personagens e enredos, ele mudou para o realismo intelectual estrito. As pinturas criadas na virada dos séculos 18 e 19 se distinguem por um sistema expressivo sutil de técnicas artísticas que permitiram ao artista revelar totalmente a essência interior dos personagens. Essas obras já refletem as novas tendências da pintura, perto dos ideais visuais da era do romantismo.

O mestre começa a prestar cada vez mais atenção à psicologia, ele tenta enfatizar a compressão trágica da personalidade sob o jugo das circunstâncias externas. Goya parece apreciar o potencial de um indivíduo, independentemente de seu status social. Muitas vezes, isso é expresso em sarcasmo cáustico, claramente visível em vários retratos de poderosos. Outra característica distintiva do novo período do trabalho do artista foi a rica paleta de cores e o volume de plástico enfatizado, cinza prateado, a cor arejada da década de 1790 ficou para sempre no passado.

No início do século 19, Goya recebeu uma grande encomenda da família real para a execução de uma série de seus retratos. Uma das obras mais marcantes deste período foi o “Retrato da Família do Rei D. Carlos IV” (1800, Museu do Prado, Madrid). Durante a execução desta tela em grande escala (cujas dimensões eram 280 x 336 cm), o artista conseguiu criar retratos separados de cada membro da família coroada. O trabalho no próprio retrato da família durou cerca de um ano.

A primeira coisa que chama a atenção ao olhar para esta foto é a magnificência dos trajes de todos os membros da família real, escrito com grande habilidade. Tecidos luxuosos, véus sem peso, joias iridescentes e insígnias de poder obscurecem as imagens dos próprios heróis. Esse efeito foi buscado pelo artista. Porque, se você olhar atentamente para os rostos pomposos congelados de membros da família, você pode notar a sutil característica psicológica que Goya deu a cada um deles.

Por exemplo, a imagem da Rainha Mary Louise foi pintada com clareza fotográfica. A pintora retratou realisticamente seu nariz adunco, queixo duplo e magro, lábios esticados em um sorriso. Maria Louise está no centro da tela, crianças mais novas estão ao seu redor, Rei Carlos IV é mostrado à esquerda, e seu filho mais velho em uma camisola de seda azul está à direita da rainha. Subseqüentemente, ele se tornará um tirano Ferdinand VII (olhe para seu rosto maligno). Ao lado de Ferdinand está sua noiva, ela se afastou do visualizador, desde o momento em que escrevi a foto, um acordo sobre seu casamento não foi alcançado. No canto esquerdo da imagem, na sombra profunda, Goya pintou a si mesmo.

O retrato transmite de forma muito sutil os relacionamentos dentro da família. Se você prestar atenção em como os personagens do quadro se posicionam, é impressionante que eles se pareçam fragmentados, multidão congelada que encheu toda a tela. O artista enfatiza intencionalmente a inconsistência de seus pontos de vista e gestos. E a cor da imagem em si é construída em uma combinação dispersa de pontos de cores incomuns.

Apesar de nenhum dos membros da família coroada ter demonstrado uma sombra de indignação com a obra acabada (a rainha até zombou de sua aparência “malsucedida”), a tela foi o último pedido recebido pelo artista da família real.

Mas as obras mais marcantes do artista nesse período (1800 - 1803) foram as telas “Swing Vestido” e “Swing Nu” (Museu do Prado, Madrid). Presumivelmente, estas duas obras foram criadas por ordem do Primeiro-Ministro Manuel Godoy. De acordo com fontes, os nomes originais das pinturas eram “Gypsy Dressed” e “Gypsy Nude”. A imagem feminina criada pela artista nessas telas personificava uma beleza viva e sensual, contrastando agudamente com os cânones frios do academismo. Informações confiáveis ​​sobre a identidade da garota que serviu de modelo para essas obras não foram preservadas. De acordo com uma versão, era a amante de Godoy, de acordo com outros - a Duquesa de Alba, quem, de acordo com rumores, teve um relacionamento bastante longo com o próprio artista. Verdade, nenhuma evidência real disso foi encontrada.

Nos próximos dois anos, de 1804 a 1806, a artista cria uma série de imagens femininas interessantes. Estes incluem Retrato de Francisco Sabas y Garcia (1804, Galeria Nacional de Arte, Washington), Retrato de Dona Teresa Sured (1804-1806, National Picture Gallery, Washington) e Retrato de Dona Isabel Cabos de Porsel (por volta de 1805, Galeria Nacional, Londres). Todas as telas são escritas de forma livre, diferente de seus primeiros trabalhos discretos. O mestre, misturando delicadamente muitos tons de tom relacionados, consegue alcançar uma interpretação muito realista dos modelos. Os rostos das jovens são preenchidos com um impulso romântico, e as poses e looks são cheios de determinação. As telas escuras são um tributo à tradição estabelecida da época, mas, Apesar disso, o artista consegue alcançar o som rico de todas as cores e a transmissão incrivelmente realista de meninas. Outra característica dos retratos é que o pintor não seleciona suas roupas e acessórios, como era o caso em seu trabalho anterior, and the personality characteristics of the heroines, their character and psychology.

Then the artist creates another work with memorable female images – “Swinging on the Balcony” (1805-1812, Museu Metropolitano de Arte, Nova york). The canvas depicts two lovely young women sitting on the balcony. No fundo, in dark colors, the silhouettes of their companions are written out. The fragile figures of the girls, their crafty smiles and touching eyes look alluring and attractive, but the appearance of their companions is alarming and creates a sense of danger.

Soon a war broke out with France. Goya received many government orders for portraits of army generals, and in between created etchings assembled into a common series called The Disasters of War. No total, the series includes about eighty works. Neles, the painter depicted military operations without embellishment. Not of any heroism or ostentatious courage, only what actually happens in the war is the hardening of the human heart, which becomes capable of any atrocities and betrayals.

A series of etchings dedicated to the war, became the pinnacle of the artist’s realistic work. Many works reflect what the painter himself saw and experienced over the years. The whole tragedy of the Spanish people is depicted ruthlessly, truthfully, without a drop of idealization:mountains of corpses, looting, incêndios, famine, executions.

It should be noted that the painter’s goal, em primeiro lugar, was not documentary accuracy, but the expression through this series of works of the tension and tragedy that he felt, passing through the years of the war. The deep subtext, the combination of reality and grotesque, allegory and science fiction along with a sober analysis of reality, and the sharp expressiveness achieved through sharp black-and-white contrasts predicted completely new development paths in the European engraving genre.

On a cardboard “A sad foreboding of what is about to happen” (1810, National Library of Madrid), a man in torn clothes is depicted, his arms are helplessly spread to the sides, and his eyes full of despair and tears are raised to the sky in a soundless question. No fundo, chaos and destruction reign, the losses that the hell of war inevitably brings with it. Etching opens the series “Disasters of War” and is, na verdade, its leitmotif.

All the horrors of war go through a series of etchings of an eerie and frightening realistic sequence:countless corpses, violence against women, execution of rebels and carts with the dead. The events and images depicted by the master so accurately convey the essence of hostilities that they could serve as an illustration to absolutely any of the armed conflicts experienced by all mankind. It was important for the artist to emphasize that the victims of monstrous interstate conflicts are not only soldiers of official troops, but also defenseless civilians:children, old people, mulheres. The series was able to come out in full assembly only in 1863, after 35 years spent under the rule of France.

The end of the first decade of the 19th century was a difficult, difficult time for Spain. Discontent in the country was constantly growing, and King Carlos IV proved to be a weak-willed and insolvent politician. Na verdade, the country was ruled by his spouse and her favorite – Prime Minister Manuel Godoy. They completely subjugated the king and squandered the treasury, bringing Spain to almost complete ruin. This caused popular unrest, which led to an acute crisis in the country.

In 1808, King Carlos abdicated in favor of the eldest son Ferdinand VII. While confusion was taking place at the Spanish court, caused by the division of power, Napoleon, taking advantage of the situation, captured the young ruler and put his brother Joseph on the Spanish throne, and brought his troops into the country. The French emperor motivated his action exclusively with good intentions, nomeadamente, the need to resist the ripening revolution. Thus began the bloody war of Spain with France.

Este ano, Goya creates his painting “The Colossus” (1808, Prado Museum, Madrid), in which he expresses all the confusion and tension prevailing in society. Most of the composition is occupied by a giant figure of a fierce Colossus, clenching his fists. A giant walks through Spanish land, touching thunderclouds. His appearance causes general panic. The figure of Colossus most likely personifies the mercilessness of war, bringing general ruin, destruction and chaos.

In the fall of the same year, the artist leaves the capital and goes to Zaragoza, already destroyed by French troops. The appearance of the ruined and burned hometown amazed the painter to the depths of his soul and gave him a new impetus to creativity.

Neste momento, Madrid was in a fever from the news. On the streets they said that the French did not just want to arrest, but to deal with the entire royal family. On May 2, 1808, crowds of people gather in front of the royal palace in Puerta del Sol. They demand from the French evidence that the youngest son of the former king Carlos IV, the thirteen-year-old prince Francisco de Paula, beloved among the people, is still alive. Gradually, the situation grew tense, the heated Spaniards rushed to guard the palace. They were met by armed rebuff. Locals are faced with Egyptian mercenaries – Mamelukes.

A few years later, in 1814, Goya depicted the scene of this event on a canvas entitled "The Second of May, 1808 in Madrid, the uprising against the Mamelukes" (Prado Museum, Madrid). The composition of the picture is extremely intense, everything is mixed in it – people, animals, living, dead and wounded. The intense red-orange coloring of the canvas perfectly conveys the atmosphere of social disaster.

Napoleon’s troops brutally crushed the rebellion. On the same night, on the orders of the French monarch, an unprecedented in its cruelty massacre was carried out on the surviving rebels. Hundreds of Madrid were executed without trial, according to surviving evidence, many of them had no relation whatsoever to the uprising.

No real artist or poet could remain indifferent, being a direct witness to such events. Francisco de Goya also could not. Six years later, he created the painting “The Shooting of Rebels on May 3, 1808 in Madrid” (1814, Prado Museum, Madrid), which tells of a terrible tragedy. The picture shows us a scene that happened late at night in a wasteland outside the city. At a gentle slope of a hill, illuminated by the uneven light of a large lantern, French soldiers shoot the captured rebels. The painter presented the executioners as a faceless, strictly organized mass. The center of the work is a young peasant dressed in a white shirt. He spreads his arms wide, as if trying to protect his native land with his own body. The rest of the rebels, doomed to death, are represented in different ways. Someone obediently bowed his head, someone defiantly smiles directly into the executioners, others covered their hands with their hands, but none of them even tries to escape. The background in the picture is the silhouettes of the cathedral, torres, houses, barely distinguishable from the darkness of the night. The composition of the picture is so expressive that it seems that deafening shots will now break the reigning silence. The gloomy and severe landscape complements the atmosphere of imminent tragedy.

With this picture, the artist sought not only to convey the cruel events from the history of Spain in order to excite the viewer with them, he wanted to depict the moral superiority of the Spanish people over his executioners, to express the rebellion of the national spirit.

Voluntary exile

With the advent of 1812, the artist suffered a personal tragedy, the beloved wife of Joseph died. The artist was very upset by the death of a faithful companion of his life, because after her departure, he had only one son left, who was already 28 years old. It is amazing that Goya did not write anything about his wife and only once depicted her in the picture – “Portrait of Josefa Bayu de Goya”. Judging by this canvas, Josefa was a simple kind woman. The artist himself, in spite of his short stature and unprepossessing appearance, was known as a lover of women, maybe therefore the modest Josef did not participate in the social life of society.

Like any painter, Goya experienced all his joys and sorrows through creativity. After the death of his wife, he set about creating a series of etchings designed to illustrate the work of Nicolas Fernandez de Moratan, “Historical Notes on the Emergence and Development of Bullfighting in Spain”. Hoje em dia, this series is known as "Tavromahiya", in it the artist showed the fearlessness of a person entering into battle with a wild and ferocious animal.

Toward the end of the second decade of the 19th century, Francisco de Goya, sick, tired and disappointed in the policies of the Spanish authorities, decided to leave the bustling capital for privacy. He bought a large two-story house on the banks of the Manzanares River, surrounded by large cultivated land. The artist moved more than one to a new shelter, nicknamed the House of the Deaf neighbors, followed by his distant relative Leocadia Weiss, with his little daughter Rosarita. Little is known about the life of this woman. In Madrid, she was famous for her scandalous behavior, but the deaf artist was obviously not embarrassed.

At the end of 1819, Goya fell seriously ill again. Leocadia and Rosarita courted him, trying to brighten up his serious condition. Thanks to this care and the efforts of Dr. Eugenio Garcia Arrieta, the artist was able to recover and even returned to painting. His first picture, after suffering, was dedicated to his savior – "Self-portrait with Dr. Arrieta" (Institute of Arts, Minniapolis) was painted already in 1820. In the center of the composition, the master portrayed himself, leaning his back on the shoulder of a young doctor. Eugenio brings a glass of healing broth to the artist’s lips. No fundo, in a darkened room, one can see someone’s silhouettes. The color of the double portrait is harmonious and calm. At the bottom of the canvas, the artist’s note:“Goya thanks her friend Arriet for the attention and care that saved his life during a dangerous illness, which he suffered at the end of 1819, at the age of 73 years. He wrote it in 1820. "

Having improved his health, Goya begins to work on a new series of prints called Los Proverbios (Proverbs), published by the San Fernando Academy in 1864, although it became known under a different name – “Disparates” (“Nonsense”). On 22 cardboards, Goya depicted all kinds of absurdities and absurdities – this was his author’s interpretation of national proverbs, which acquired a fantastic sound from the artist.

Scary visions

In the same 1820, Goya returned to monumental painting, deciding to paint the walls of his house. Então, por exemplo, on the walls of a large room on the ground floor, the painter depicted a beautiful young lady in full growth – “A Woman in a Black Shawl” (Prado Museum, Madrid). There is no exact information, but perhaps this is a portrait of Leocadia Weiss herself. The Spaniard stands in a natural pose, resting with one hand on a high stone fence, which occupies most of the composition. The light black veil covering the woman’s face gives the image a certain mystery.

This mural has become the most pacified of all the works of the cycle, in which the master decided to reveal the hidden essence of man. Art history has not yet seen works of this kind. Goya’s murals are dominated by a frightening, diabolical, unnatural principle, ominous images appear as if in a nightmare. Perhaps the artist saw them in a dream, faith is not entirely in a dream, but in delirium. Goya himself in some letters mentioned that during his illness he suffered terrible hallucinations, maybe it was they who found their way out in the artist’s Black Paintings.

One of the most striking is the fresco "Saturn devouring its children" (1820-1823, Prado Museum, Madrid). Dim lighting snatches from the darkness the thin body of a god who, in a frenzied madness, devours his own child, tearing his body apart.

The fresco “Pilgrimage to St. Isidore” (1820-1823, Mray Prado, Madrid) is very revealing, demonstrating how much the artist’s worldview has changed. This comparison is very vivid because in his youth Goya already created a work dedicated to this topic:“Festivities on the day of St. Isidore” (1788, Prado Museum, Madrid) depicts one of the most beloved holidays of the people of Madrid. It is an annual procession to the banks of the Manzanares River, where a big picnic with dances was arranged. An indispensable attribute of the holiday was drinking more water from a healing spring found, according to legend, by St. Isidore. On the canvas of 1788 it is a colorful and cheerful national holiday. But at a late work, on the wall of the “House of the Deaf”, an alarming feeling of imminent misfortune reigns. On a dark and gloomy fresco on a dry ground a crowd of people wanderclinging to each other. On their faces are terrible grimaces of pain, fear, horror, animal malice and malice.

In the same spirit, the work “Sabbath of the Witches” (1820-1823, Prado Museum, Madrid) was done, although it was painted in lighter colors, all the space on it was occupied by the same “ugly” crowd. In the center of the composition is a black goat in a monastic cassock. Those around with a greedy gleam of crazy eyes listen to the personification of Satan. Drawing this "demonic tribe", the artist emphasizes that people have lost their human appearance, so their faces are like the faces of animals.

All the frescoes of the “House of the Deaf” have a strange and controversial character, they excite and scare. Spots of white, yellow and pinkish-red color suddenly flash, snatching separate images from the darkness, então, pelo contrário, envelop them. All fifteen scenes were done in dark colors, for this and the fact that the plots themselves are incredibly “dark”, the frescoes were nicknamed “Black Paintings”. They were on the walls of the house until the 1870s, until the new owner, Baron Emil Erlanger, a banker and a passionate collector, ordered to transfer all the plots to canvas. In 1878, he presented them at an exhibition in Paris, and three years later he donated all the works to the Madrid Prado Museum, founded by Ferdinand VII in 1819.

Relocation to France and the death of a master

The completion of the frescoes coincided with changes in the country. King Ferdinand VII in 1823 abolished the constitutional government, which Goya sympathized with. The artist, who was still a court painter, began to fear for his life and in the spring of 1824, he left for France.

He settled in Bordeaux, in a small cozy house, taking with him and Leona Leocadia with her daughter. Por esta hora, the artist was already seventy-six years old. Goya worked a lot in France. He created portraits of his relatives and friends around him, mastered the technique of lithography. Around 1828, Goya created the work “Thrush from Bordeaux” (Prado Museum, Madrid) and a new series of etchings “Bulls of Bordeaux”.

Not long before his death, the painter traveled to Madrid, where he visited his son and grandson. The painter died on April 16, 1828, he was eighty-two years old. The ashes of Francisco de Goya were transported to Spain and buried in the Madrid Temple of San Antonio de la Florida, painted by the master many years ago.

All the work of the master had a huge impact on the formation and development of 19th century art. Just a few years after the death of the artist, his contribution to the artistic culture was evaluated at the pan-European level.

Zhuravleva Tatyana