Ivan Nikolaevich Kramskoy (1837-1887)

Ao longo de sua vida, Ivan Nikolaevich Kramskoy tentou dar vida à arte para que se tornasse uma ferramenta eficaz para o seu conhecimento ativo. Um excelente artista, que desempenhou um papel importante na formação da escola nacional de pintura, liderou o famoso "motim dos quatorze", esteve à frente da Artel de Artistas e da Associação de Wanderers, foi um daqueles cuja vida e obra invariavelmente serviram para afirmar o mais revolucionário, idéias mais avançadas de seu tempo.

Fotos de Ivan Kramskoy

Apurado sentido de vida

Ivan Nikolaevich escreveu em sua biografia:“Eu nasci em 1837, em 27 de maio (de acordo com o art. sênior V.V.), na cidade do condado de Ostrogozhsk, Província de Voronezh., No assentamento suburbano de Novaya Sotna, de pais designados para o filistinismo local. 12 anos, Eu perdi meu pai, um homem muito severo, como eu lembro. Meu pai serviu na duma da cidade, se não me engano, como jornalista (isto é, um escriturário - V. R.); meu avô, de acordo com as histórias… também era uma espécie de escriturário na Ucrânia. Minha genealogia não sobe mais. ”

Em seus anos de declínio, o artista ironicamente notou que algo “de uma espécie” saiu dele. Em sua autobiografia, alguma amargura é sentida, mas ao mesmo tempo o orgulho legítimo de um homem que escapou das "classes inferiores" e se alinhou com as figuras mais proeminentes de seu tempo. O pintor escreveu sobre como ele se esforçou para obter educação durante toda a vida, mas ele conseguiu terminar apenas a escola distrital de Ostrogozh, embora ele tenha se tornado o "primeiro aluno" lá. “... Nunca tive tanta inveja de ninguém ... como uma pessoa verdadeiramente educada, ”Observa Kramskoy, mencionando que após o treinamento ele se tornou o mesmo escriturário na Duma da cidade que seu pai era.

O jovem cedo se interessou por arte, mas a primeira pessoa a notar e apoiar isso foi o artista amador e fotógrafo local Mikhail Borisovich Tulinov, a quem Kramskoy foi grato por toda a sua vida. Por algum tempo ele estudou pintura de ícones, então, aos dezesseis anos, ele “teve a oportunidade de escapar de uma cidade do condado com um fotógrafo de Kharkov”. O futuro artista viajou com ele “uma grande metade da Rússia por três anos, como retocador e aquarelista. Foi uma escola difícil ... ". Mas esta" escola severa "trouxe um benefício considerável para Kramskoy, temperou sua vontade e formou um caráter persistente, apenas reforçando seu desejo de se tornar um artista.

A julgar pelas entradas de seu diário, o jovem Ivan Kramskoy era um jovem entusiasmado, mas em 1857 já havia chegado a Petersburgo um homem que sabia muito bem o que queria e como consegui-lo. O início do caminho independente do futuro pintor foi difícil para toda a Rússia. A Guerra da Crimeia acabou de terminar, tendo marcado a esmagadora derrota militar e política da autocracia, ao mesmo tempo, despertar a consciência pública tanto dos progressistas quanto das amplas massas populares.

Monolito da Academia Imperial

A abolição da odiada servidão estava ao virar da esquina, e a Rússia progressista não vivia apenas na expectativa de mudanças futuras, mas também contribuiu para eles de todas as maneiras. O alarme do Herzen “Bell” soou poderosamente, os jovens revolucionários-raznochintsy, dirigido por N. G. Chernyshevsky, se prepararam para a luta pela libertação do povo. E mesmo tão longe da vida prática, a esfera da "alta" arte sucumbiu ao encanto do vento da mudança.

Se a servidão foi o principal freio ao desenvolvimento de todos os aspectos da sociedade, o reduto do conservadorismo no campo da arte foi criado em meados do século XVIII pela imperial Academy of Arts. Sendo a condutora de doutrinas oficiais e princípios estéticos que já haviam sobrevivido a si mesma, ela não permitia que a área do “belo” tivesse algo em comum com a realidade real. Mas seus alunos na segunda metade dos anos 50 - início dos anos 60, Cada vez mais definitivamente sentia que a vida impõe demandas completamente diferentes à arte. Palavras significativas de N. G. Chernyshevsky “beleza é vida” se tornaram um cenário programático para toda a intelectualidade russa progressista e jovens figuras da nascente arte democrática russa. Eles então trouxeram novos humores públicos para a Academia de Artes, estabeleceu laços estreitos com alunos da Universidade, a Academia Médica e Cirúrgica, em que os heróis do romance Chernyshevsky “O que devo fazer?” Dmitry Lopukhov e Alexander Kirsanov, ambos raznochintsy típicos, pares I. Kramsky estudou.

Chegando em São Petersburgo, Ivan Nikolaevich já gozava da fama de excelente retocador, que lhe abriu as portas do estúdio dos melhores fotógrafos metropolitanos I.F. Alexandrovsky e A.I. Dener. Mas a carreira de um artesão de sucesso não o satisfaria. Kramskoy cada vez mais pensava em entrar na Academia de Artes.

Os desenhos de Kramskoi receberam imediatamente a aprovação do Conselho da Academia, e no outono de 1857 ele já se tornou aluno do professor A ... T. Markov. Então, seu sonho acalentado se tornou realidade, e devo dizer que ele estudou Kramskoy muito diligentemente, trabalhei duro no desenho, cuja cultura era muito alta na Academia, ele trabalhou com sucesso em esboços para temas históricos e mitológicos, recebendo todos os prêmios.

Mas o jovem pintor não sentiu uma satisfação genuína. Um pensativo, homem bem lido, ele sentia cada vez mais definitivamente uma discórdia fundamental entre as velhas doutrinas da arte e a vida real. Poucos meses após a admissão de Kramsky na Academia, a obra de A. A. Ivanov “A Aparição de Cristo ao Povo” foi trazida de Petersburgo para a Itália. O retorno do artista à Rússia após quase trinta anos de ausência, a morte repentina que se seguiu, a impressão que seus contemporâneos causaram, que se tornou a principal obra da vida do grande mestre, desempenhou um grande papel na formação da consciência da nascente parte avançada da intelectualidade russa.

O motim dos quatorze

Melhor de todos, a rebelião de 14 foi contada pelo próprio Ivan Kramskoy em uma carta a seu velho amigo M. B. Tulinov:“Meu caro Mikhail Borisovich! Atenção! A seguinte circunstância aconteceu na Academia em 9 de novembro, isso é, no último sábado:14 alunos apresentaram pedido de emissão de diplomas para o título de artista da turma. À primeira vista, não há nada de surpreendente.

As pessoas são livres, estudantes livres, posso, quando eles querem sair das aulas. Mas o fato é que esses 14 não são alunos comuns, mas pessoas que têm que escrever para a primeira medalha de ouro. Era assim:um mês antes de agora, submetemos um pedido de permissão para escolher um terreno, mas recusamos nosso pedido ... e decidimos contar uma história para historiadores e um enredo para escritores de gênero que haviam originalmente escolhido seus próprios enredos. No dia da competição, 9 de novembro, estamos no escritório e decidimos subir juntos ao Conselho e saber o que o Conselho decidiu. E portanto, à pergunta do inspetor:quem de nós é historiador e quem é escritor de gênero? nós, para que todos pudessem entrar na sala de conferências juntos, respondeu que todos éramos historiadores. Finalmente, eles chamam na cara do Conselho para ouvir a tarefa. Nós entramos. F.F. Lvov leu para nós a história:“Festa em Valhalla” - da mitologia escandinava, onde os heróis cavaleiros lutam para sempre, onde Deus Odin preside, ele tem dois corvos nos ombros, e dois lobos a seus pés, e finalmente, em algum lugar nos céus, entre as colunas, um mês dirigido por um monstro em forma de lobo, e muitos outros absurdos. Depois disso, Bruni se levantou, vindo a nós para explicar o enredo, como sempre acontece. Mas um de nós, ou seja, Kramskoy, separa-se e diz o seguinte:“Pedimos licença para dizer algumas palavras na cara do Conselho” (silêncio, e todos os olhos fitaram o locutor). “Apresentamos um pedido duas vezes, mas o Conselho não achou possível atender ao nosso pedido; "nós, não nos considerando mais no direito de insistir e não ousando pensar em mudar as decisões acadêmicas, peça-nos que nos libertemos humildemente da participação no concurso e nos dêem diplomas para o título de artistas ”.

Alguns momentos - silêncio. Finalmente, Gagarin e Tone fazem sons:“isso é tudo?”. Nós respondemos:“tudo”, e nós partimos, e na sala ao lado damos petições ao gestor do caso ... E no mesmo dia Gagarin pediu a Dolgorukov em uma carta para que nada aparecesse na literatura sem uma prévia dele (Gagarin). Em um mundo, nós o colocamos em um dilema. Então, cortamos nosso próprio retiro e não queremos voltar, e que a Academia esteja sã até o seu centenário. Em todos os lugares encontramos simpatia por nossa ação, então um, enviado de escritores, pediu-me que lhe contasse as palavras que disse no Conselho para publicação. Mas estamos em silêncio por enquanto. E uma vez que ainda seguramos as mãos com força, para que não sejamos perdidos, decidimos formar uma associação artística, isso é, para trabalhar e viver juntos. Peço-lhe que me dê seus conselhos e reflexões sobre a estrutura prática e as regras gerais adequadas para a nossa sociedade ... E agora parece-nos que este assunto é possível. Nossa gama de ações abrange:retratos, iconostases, cópias, pinturas originais, desenhos para publicações e litografias, desenhos de madeira, Em um mundo, tudo relacionado à nossa especialidade… Aqui está um programa que está longe de ser claro como você vê… ”.

Nesta carta, o artista não só revela os altos e baixos do confronto entre jovens artistas e a Academia, mas também vê perspectivas para o futuro, que ainda não estão totalmente claros, mas muito ousado e não limitado aos objetivos egoístas de sua própria sobrevivência. Após este incidente, vigilância policial secreta foi estabelecida sobre Kramskoi e seus camaradas, que durou muitos anos. Aqui estão os nomes dos quatorze participantes do "motim":os pintores I. Kramskoy, A. Morozov, F. Zhuravlev, M. Peskov, B. Wenig, P. Zabolotsky, N. Shustov, A. Litovchenko, N. Dmitriev, A. Korzukhin, A Grigoriev, N. Petrov, K. Lemoh e o escultor V. Kreitan.

Todos eles foram obrigados a liberar as oficinas com urgência, mas a juventude, deixou sem um meio de subsistência, ainda ganhou uma grande vitória, cujo significado naquela época dificilmente poderia ser compreendido. Esta foi a primeira conquista da arte realista democrática russa. Breve, Kramskoy, junto com pessoas afins, começou a implementação prática de sua ideia - a criação da primeira "associação de arte" independente - Artels of Artists.

Olhos Kramskoy Repin

Depois de ser expulso da Academia, Kramskoy conseguiu lecionar na escola da Society for the Encouragement of Arts, entre os alunos de que “estava um jovem talentoso que acabava de chegar a São Petersburgo da Ucrânia”, assim como o próprio Kramskoy uma vez sonhou em entrar na Academia de Artes - Ilya Repin.

O próprio Ilya Efimovich descreve seu primeiro encontro com Kramskoy da seguinte forma:“Hoje é domingo, doze horas da tarde. Há uma grande empolgação na classe, Kramskoy não está lá. Tiramos da cabeça de Milon Krotonsky ... Na sala de aula está barulhento ... De repente houve um silêncio total ... E eu vi um homem magro com uma sobrecasaca preta, entrando com passo firme na sala de aula. Achei que fosse outra pessoa:imaginei Kramskoy de forma diferente. Em vez de um belo perfil pálido, este tinha um rosto fino e atrevido e cabelo preto liso em vez de cachos castanhos nos ombros, e apenas alunos e professores têm esse mal, barba fluida. - Quem é? Eu sussurro para um amigo. - Kramskoy! Você não sabe? Ele pensa. Então aqui está ele! .. Agora ele olhou para mim; parece ter notado. Que olhos! Não se esconda, mesmo que eles sejam pequenos e situem-se profundamente em órbitas afundadas; cinzento, brilho… Que cara séria! Mas a voz é agradável, sincero, fala com emoção ... Mas eles também ouvem! Eles até abandonaram o trabalho, eles ficam de boca aberta; é óbvio que eles estão tentando se lembrar de cada palavra. ”

Repin, como muitos artistas russos (o próprio Kramskoy escreveu muito bem, assim como Perov), Repin revelou-se um escritor talentoso. Em seu ensaio “Ivan Nikolaevich Kramskoy (Em memória do professor)”, com sua impulsividade inerente, ele cria um ambiente muito animado, retrato literário expressivo. “As páginas de Kramskoy nas páginas de Repin estão todas em movimento, em luta, não é uma figura de cera congelada de um panóptico, é precisamente o herói de uma história fascinante rica em episódios, ”K. Chukovsky escreveu mais tarde.

Repin criou uma imagem que quase nos mínimos detalhes coincide com o autorretrato, escrito por Kramsky em 1867 e caracterizado por uma caracterização incomumente objetiva. Na foto, nada nos distrai do principal - o rosto do herói, com um estrito, olhar penetrante de olhos cinzentos. Mente, vai, contenção - estes são os principais traços de personalidade do artista, que são claramente visíveis na tela. A auto-estima orgulhosa se manifesta sem desenhar ou posar. Tudo é simples e natural na aparência externa do pintor e à sua maneira harmoniosamente na interna. A cor do retrato é quase monocromática, a pincelada é dinâmica, diante de nós está o reconhecido chefe do primeiro Artel de Artistas de São Petersburgo.

Criação Artel

Na fachada da residência número 2/10, na esquina da Avenida Mayorov com a Admiralteysky Prospekt em São Petersburgo, há uma placa memorial com a inscrição:“Nesta casa, de 1866 a 1870, um grande artista russo Ivan Kramskoy viveu e trabalhou. O Artel organizado por ele, unindo os principais artistas realistas dos anos 60, foi localizado aqui. " Mas na realidade, o Artel dos Artistas não adquiriu imediatamente um quarto no centro da capital, não muito longe da Praça do Palácio.

Tudo começou de forma muito mais modesta. Lembrando a organização da Artel, Kramskoy escreveu a Stasov antes de sua morte:“... então era necessário, antes de tudo, comer e comer, já que todas as 14 pessoas tinham duas cadeiras e uma mesa de três pernas. Aqueles que tinham pelo menos algo desapareceram imediatamente. ”“ Depois de muita deliberação, ”Repin escreveu, “Chegaram à conclusão de que é preciso providenciar, com a permissão do governo, o Artel dos Artistas - uma espécie de empresa de arte, oficina e escritório aceitando pedidos da rua, com um sinal e uma carta aprovada. Eles alugaram um grande apartamento na décima sétima linha da Ilha Vasilievsky e se mudaram (a maioria deles) para morar lá juntos. E então eles imediatamente ganharam vida, animado. Uma grande sala comum iluminada, quartos confortáveis ​​para todos, sua própria casa, que foi conduzido pela esposa de Kramskoy, tudo isso os encorajou. A vida se tornou mais divertida, e alguns pedidos apareceram. A sociedade é poder. “Então houve a primeira associação de artistas organizada por Kramskoy. Isso permitiu que muitos artistas talentosos não apenas sobrevivessem, mas para alcançar o sucesso, reconhecimento e independência financeira, que, no fim, causou a desintegração completa da organização.

Vida pessoal e interesse em psicologia

Ivan Nikolaevich sempre teve certeza de que sua escolhida seria sua fiel namorada, iria compartilhar com ele todas as dificuldades da vida do artista. Sofya Nikolaevna, que se tornou sua esposa, realizou plenamente seus sonhos de felicidade pessoal. Em uma das cartas do artista para sua esposa, lemos:“... você não só não me incomoda sendo um artista e camarada dos meus camaradas, mas até como se você mesmo tivesse se tornado um verdadeiro artesão… ”. Kramskoy pintou repetidamente retratos de Sofia Nikolaevna. E embora fosse muito ousado chamá-la de "musa" da artista, ela era sem dúvida o ideal de mulher para ele. A melhor confirmação disso são suas imagens criadas em retratos dos anos 60. As características comuns a todas as pinturas são a integridade, independência e orgulho de sua heroína, permitindo-lhes ver nela uma "nova mulher", que ao mesmo tempo não perdeu sua verdadeira feminilidade, poesia e gentileza.

Essas qualidades são especialmente perceptíveis em seu retrato gráfico, pertencente à Galeria Tretyakov (1860). Um jovem, mulher encantadora e gentil com um caráter obstinado, como nos é dito por uma virada enérgica da cabeça e um estrito, mas olhar aberto.

A pintura "Leitura. Retrato de S. N. Kramskoy", pintado em 1863, nos lembra dos retratos femininos líricos do início do século XIX. A cor da imagem é baseada em uma combinação de tons de verde claro, lilás e outras cores delicadas. Um grande papel na tela é desempenhado pela paisagem e poucos, acessórios cuidadosamente selecionados que ajudam a transmitir a atratividade óbvia da heroína do retrato. Um jovem casal de Kramskys foi capturado em 1865 por seu amigo comum "artesão" N. A. Koshelev. Na foto “Kramskoy com sua esposa”, vemos um esboço lírico:Sofia Nikolaevna toca piano, enquanto Ivan Nikolaevich caiu no pensamento com o acompanhamento de sua música.

Na década de 60, Kramskoy criou muitos retratos gráficos de seus amigos:N. A. Koshelev, cônjuges Dmitriev-Orenburg, M. B. Tulinov, I. I. Shishkin, cada vez mais fortalecendo seu psicologismo. Verdade, a fotografia em rápido desenvolvimento, ao que parece, começou a suplantar o gráfico artístico e os retratos pictóricos caros. Parecia que a câmera estava disponível absolutamente tudo para que ele pudesse não apenas capturar com precisão a aparência da pose, mas também enfatizar vantajosamente os detalhes necessários do traje, atmosfera rica, jóia, etc. Mas, como o tempo mostrou, ele não podia fazer nada - olhar dentro de uma pessoa, dar-lhe uma certa avaliação social e psicológica. Isso permaneceu realizável apenas no retrato criado pelo artista.

Foi isso - o aperfeiçoamento do retrato psicológico - que muitos mestres, incluindo N.N. Ge, V.G. Perov e I.N. Kramskoy. A poderosa ascensão do retrato realista russo coincidiu com o início da era do Wanderer e o fim da era Artel, que perdeu seu significado original com o tempo.

Parceria dos Wanderers

A grande ideia de criar o TPHV, que desempenhou um grande papel na vida da arte russa, pertencia a um grupo de artistas proeminentes de Moscou e São Petersburgo, e o famoso escritor de gênero G. G. Myasoedov foi o iniciador direto da iniciativa. Ele escreveu uma carta para Artel, encontrando-se lá com o apoio apenas de membros individuais, principalmente - I.N. Kramskoy.

Em toga, em 1870, foi criada uma organização que poderia libertar a arte democrática russa da tutela do Estado, reúna os principais artistas em torno de uma associação com base no princípio do interesse material pessoal de todos os seus membros. O principal objetivo da Parceria era o desenvolvimento da arte. A prática de exposições itinerantes abriu a possibilidade de comunicação direta entre artistas e um grande público, enquanto levantamos as questões mais urgentes de nosso tempo.

Ao longo de várias décadas, PM. adquiriu muitas das melhores obras dos Wanderers em sua coleção. Tretyakov. 28 de novembro (12 de dezembro, de acordo com o novo estilo), 1871, a primeira exposição da Parceria foi realizada em São Petersburgo. Deve-se notar que foi para Kramsky, um homem de princípios e convicções extremamente firmes, que a parceria criada para exposições de arte itinerantes foi obrigada a logo superar as tarefas de organização da exposição e se tornar uma verdadeira escola de arte russa avançada.

O próprio Ivan Nikolayevich, organizando a parceria e orientando sua vida criativa, encontrou nele aquele "terreno fértil" que lhe permitiu alcançar as suas próprias alturas artísticas. O apogeu da Associação de Wanderers coincidiu com o apogeu da obra de Kramskoy, e como pintor, e como crítico-publicitário, autor de uma série de artigos muito sérios nos quais expressou suas idéias sobre o destino da arte e sua alta missão social.

Em inúmeras cartas a várias pessoas, pode-se ler muitos comentários interessantes de Kramskoy sobre os grandes mestres do passado e os artistas contemporâneos russos e europeus. O momento mais notável no raciocínio crítico do artista foi que ele os escreveu não tanto para ensinar os outros como expressar aquele enorme e contínuo trabalho interno que era realizado em si mesmo.

Kramskoy, em suas visões estéticas, foi um defensor consistente dos ensinamentos dos grandes democratas V.G. Belinsky e N.G. Chernyshevsky. Ele escreveu, acreditar que só a própria vida pode ser a base da criação artística:“É mau quando a arte se torna legisladora! .. Os sérios interesses do povo devem sempre ir à frente dos menos significativos.”

Kramskoy argumentou que “a arte não pode ser outra senão nacional. Em nenhum lugar e nunca houve qualquer outra arte, e se a chamada arte humana universal existe, só se deve ao fato de ter sido expressa por uma nação que se posicionou à frente do desenvolvimento humano universal. E se em um futuro distante a Rússia estiver destinada a ocupar tal posição entre os povos, então arte russa, sendo profundamente nacional, se tornará universal. ”

Imagem de cristo

Durante o apogeu da arte impressionista na França, Repin, que estava em Paris e admirava seu trabalho, escreveu que “nós”, ou seja, russos, "um povo completamente diferente, além do que, além do mais, em desenvolvimento (artístico. - V.R.) estamos em uma fase anterior. "Em resposta à observação de Kramskoy de que os artistas russos deveriam finalmente" avançar para a luz, para as cores, ”Repin diz:“… nossa tarefa é o conteúdo. O rosto, a alma do homem, o drama da vida, as impressões da natureza, sua vida e significado, o espírito da história - esses são os nossos temas ... nossas cores são um instrumento, eles devem expressar nossos pensamentos, nossa cor não são manchas elegantes, deve expressar o humor da imagem, a alma dela, ele deve posicionar e capturar todo o público, como um acorde na música. ”

Deve-se notar que ideias semelhantes foram expressas por muitas figuras da cultura russa de F.M. Dostoiévski para M.P. Mussorgsky. Eles foram diretamente incorporados nas obras de I.N. Kramskoy.

A obra mais importante na obra do artista foi a pintura "Cristo no Deserto" (1872) exibida na segunda exposição da Associação de Wanderers (1872), a ideia de que surgiu há muito tempo. A artista disse que se tornou o repositório das ideias mais importantes para ele:“Sob a influência de uma série de impressões, uma sensação muito pesada de vida instalou-se em mim. Eu vejo claramente que há um momento na vida de cada pessoa, criado minimamente à imagem e semelhança de Deus, quando ele encontra uma reflexão sobre isso - se deve ir para a direita ou para a esquerda? .. Todos nós sabemos como essa oscilação geralmente termina. Expandindo o pensamento ainda mais, abraçando a humanidade em geral, EU, de minha própria experiência, do meu pequeno original, e apenas com isso sozinho, posso adivinhar o terrível drama que se desenrolou durante as crises históricas. E agora tenho uma terrível necessidade de dizer aos outros o que penso. Mas como saber? Quão, de que forma posso ser entendido? Pela natureza da natureza, a linguagem do hieróglifo é mais acessível para mim. E então, uma vez ... eu vi uma figura sentada em pensamentos profundos ... Seu pensamento era tão sério e profundo que eu o deixava constantemente em uma posição ... Ficou claro para mim que ele estava ocupado com um assunto importante para ele, tão importante que é insensível a um cansaço físico terrível ... Quem era? que é insensível a um cansaço físico terrível ... Quem era? que é insensível a um cansaço físico terrível ... Quem era? Eu não sei. Com toda a probabilidade, foi uma alucinação; Eu realmente não devo tê-lo visto. Pareceu-me que isso é mais adequado para o que eu queria dizer. Então eu nem precisei inventar nada, Eu apenas tentei copiar. E quando ele terminou, ele lhe deu um nome ousado. Mas se eu pudesse, no momento em que eu assisti ele, escreva, é cristo? Não sei…".

Podemos julgar por quanto tempo e duro o artista trabalhou na criação daquela imagem tão “correta” pelo grande número de desenhos e esboços feitos na preparação para o trabalho principal. A importância desta imagem para Kramskoy pode ser avaliada pelo fato de que ele continuou a terminar seu trabalho mesmo depois de postado na Galeria Tretyakov.

O artista retratou Cristo sentado no cinza, pedras frias, o solo do deserto está morto, parece que Jesus vagou para onde o pé humano ainda não havia pisado. Um delicado equilíbrio do nível do horizonte dividindo o espaço de trabalho pela metade, Sua figura simultaneamente domina o espaço da tela, desenhando uma silhueta clara contra o céu, e está em harmonia com o mundo terreno retratado na tela. Isso apenas ajuda o artista a aprofundar o drama interno de seu herói. Não há ação na imagem, mas o espectador parece sentir a vida do espírito, a obra dos pensamentos do filho de Deus, resolver para si mesmo alguma questão importante.

Suas pernas estão feridas em pedras afiadas, a figura está dobrada, suas mãos estão dolorosamente cerradas. Enquanto isso, o rosto emaciado de Jesus não apenas transmite seu sofrimento, mas apesar de tudo, expressa uma tremenda força de vontade, fidelidade ilimitada à ideia à qual subordinou toda a sua vida.

“Ele se sentou quando o sol ainda estava na sua frente, sentou cansado, Exausta, no começo ele observou o sol, então não percebeu a noite, e ao amanhecer, quando o sol deve nascer atrás dele, ele continuou sentado imóvel. E você não pode dizer que ele era completamente insensível às sensações:não, ele, sob a influência do início do frio matinal, instintivamente pressionou os cotovelos mais perto de seu corpo, e somente, Contudo, seus lábios pareciam secar, presos juntos a partir de um longo silêncio, e apenas seus olhos traíram o trabalho interno, embora não tenham visto nada… ".

O autor se dirige a seus contemporâneos, criando nesta obra grandes e eternos problemas humanos universais, colocando diante deles a difícil questão de escolher um caminho de vida. Na Rússia, naquela época, havia muitas pessoas que estavam prontas para se sacrificarem pela causa da verdade, bondade e justiça. Jovens revolucionários, que logo se tornaram heróis de muitas obras de literatura e pintura democráticas, estavam se preparando para “ir ao povo”. A estreita ligação entre as pinturas de Kramskoy e a vida era óbvia, mas o artista queria criar um programa de trabalho:“E então, este não é Cristo, isso é, Eu não sei quem é. Esta é uma expressão dos meus pensamentos pessoais. Qual momento? Transição. O que vem a seguir? Continua no próximo livro. "O" próximo livro "deveria ser a tela" Risos "(" Alegrem-se, rei dos judeus! ”, 1877-1882).

Em 1872, Kramskoy escreveu a F. A. Vasiliev:“Devemos também escrever“ Cristo ”, certamente precisamos, isso é, não realmente ele, mas aquela multidão que ri a plenos pulmões, com todas as forças de seus enormes pulmões de animais ... Essa risada que tenho perseguido há tantos anos. Não é tão difícil que seja difícil, mas é difícil que eles riam. ”Cristo antes da multidão, ridicularizado, cuspiu, mas "ele é calmo como uma estátua, pálido como uma tela. "“ Embora não estejamos conversando seriamente sobre a bondade, honestidade, estamos todos em harmonia, tente implementar seriamente as idéias cristãs na vida, veja como o riso aumenta. Essa risada me assombra em todos os lugares, onde quer que eu vá, em todos os lugares que eu o ouço. ”

“Perseguir seriamente as idéias cristãs” para o artista não significava de forma alguma afirmar os dogmas da Ortodoxia oficial, era um desejo de defender a moralidade genuína, humanidade. O personagem principal de "Risos" foi a personificação não apenas das idéias do próprio Kramskoy, resumiu os pensamentos de muitos representantes honestos daquela época, quem, um encontro direto com grosseria, cinismo totalmente destrutivo, ambição, demonstrou claramente que o bem abstrato simplesmente não poderia derrotar o mal real real.

Letra da música

Na vida de Kramskoy, no meio de sua vida, havia um certo drama relacionado ao que Ivanov estava vivenciando no final de sua jornada. O artista começou a pensar que o fracasso criativo que se abatera sobre ele (a obra “Risos” nunca foi concluída) é uma consequência do equívoco de sua posição ideológica escolhida como um todo. Essas dúvidas foram geradas pelo maximalismo utópico característico de muitos dos melhores representantes da intelectualidade russa. O artista conseguiu resolver a difícil tarefa, que ele tentou em vão na forma de um ciclo de obras sobre Cristo, em seus magníficos retratos dos anos 70-80, incorporando em sua grande galeria de imagens de escritores russos avançados, cientistas, artistas e personalidades de figuras de palco de alta aparência moral.

Nos mesmos anos 70, Kramskoy escreve uma série de obras líricas não peculiares a ele anteriormente, um exemplo vivo disso é a pintura “Inspeção da Casa Antiga” (1873), que fala sobre o "ninho nobre" abandonado e em colapso, para o qual seu dono voltou, depois de muitos anos de ausência. “O velho cavalheiro puro-sangue, um solteiro, ”Finalmente“ chega à propriedade de sua família depois de um longo, muito tempo e encontra a propriedade em ruínas:o teto desabou em um lugar, em toda parte há teia de aranha e mofo, vários retratos de ancestrais estão nas paredes. Duas personalidades femininas o levam por baixo dos braços… Atrás delas - o comprador - um comerciante gordo… ".

Vemos um homem idoso movendo-se lentamente ao longo da fileira de quartos de uma propriedade familiar abandonada. Então ele entrou na sala, pendurado com retratos de seus ancestrais escurecidos de vez em quando, vi móveis antigos em capas de lona cinza, parece que até mesmo o ar desta velha casa é pintado em tons de poeira esfumada, o tempo parou aqui, e a tímida luz das janelas não consegue dissipar esta névoa do passado.

Como N.A. mencionou em suas cartas Mudrogel - um dos mais antigos funcionários da Galeria Tretyakov, muito provavelmente "na foto" Inspeção da velha casa "Kramskoy retratou a si mesmo." A evidência de um contemporâneo é de indiscutível interesse, Apesar, mesmo se isso for verdade, o artista não se limitou a experimentar esta triste situação lírica. Kramskoy investiu em sua imagem e criou um amplo significado poético e social profundo.

Como você sabe, a imagem permaneceu inacabada. Talvez Kramskoy, como um ativo, ativo, pessoa puramente “pública”, simplesmente não se permitiu relaxar, vá para o canal lírico, superando essa fraqueza em si mesmo, a fim de trabalhar em obras de significado social completamente diferente, mais importante, na opinião dele, em condições de difícil situação sócio-artística na Rússia na década de 1870. “Em essência, Eu nunca amei retratos, e se eu fizesse de forma tolerável, foi só porque amei e amo a fisionomia humana ... tornei-me retratista por necessidade, ”Escreveu Ivan Nikolaevich. É óbvio, Contudo, que apenas a “necessidade” por si só não poderia tê-lo tornado um notável mestre do retrato.

Retrato de Tolstoi

A necessidade de provar isso, de acordo com as idéias de Chernyshevsky, “A pessoa humana é a maior beleza do mundo, acessível aos nossos sentidos, ”Despertou em Kramskoy um grande interesse pela“ fisionomia humana ”. Graças ao interesse do artista em refletir a alma humana, os retratos criados pelo mestre nesta época foram uma contribuição inestimável para as belas artes russas das décadas de 1860 e 80.

“Os retratos que você tem agora, ”I.E. Repin escreveu para ele em 1881, “Representam os rostos da querida nação, seus melhores filhos, que trouxeram benefícios positivos para suas atividades altruístas, para o benefício e prosperidade de sua terra natal, who believed in its better future and fighting for this idea… ”Ivan Nikolaevich Kramskoy became one of the founders of the gallery of portraits, thanks to which we can now see the faces of people who played a huge role in the history and art of Russia. Among the first of them was Leo Tolstoy, whose first portraits were painted by Kramskoy.

To get a portrait of the great Russian writer in the collection was Tretyakov’s cherished dream, but so far no one has managed to persuade Lev Nikolaevich to pose. Por outro lado, there was Kramskoy, who tried to persuade the collector to help the young talented artist F.A. Vasiliev, who was dying in the Crimea from consumption. Como resultado, in 1873 Kramskoy, in order to pay Tretyakov’s debt for Vasiliev, persuaded Tolstoy to pose for him for two portraits:one was intended for a collector, the second for the writer’s house in Yasnaya Polyana.

Ivan Nikolaevich worked on both canvases in parallel, while trying to avoid absolute identity. Como resultado, the writer’s family chose a portrait with a more intimate interpretation of Lev Nikolaevich, in which he is immersed in himself. Tretyakov got a portrait in which the writer, por assim dizer, addresses the viewer. So the artist managed to simultaneously create two fundamentally different artistic images.

Both portraits have a number of common features. Em primeiro lugar, a neutral background, due to which the location of the figure in space ceases to play any role. Em segundo lugar, the hands of the model are written out only in general terms. Em terceiro lugar, the artist deliberately avoided expressive picturesqueness in color. Such restraint of the plastic decision made it possible to transfer all attention to the face of the forty-five-year-old Tolstoy - open, simple, framed by a broad beard and a manly cut hair.

The main thing in the created portraits is the eyes of the writer, expressing the intense work of the thoughts of an intelligent and educated person. From the picture of Kramskoy, Tolstoy looks at us “adamantly and sternly, even coldly… not allowing himself to forget at least for a moment about his task of observation and analysis. He becomes a scientist, and his subject is the human soul, ”the prominent Soviet art critic D.V. Sarabyanov described his impression. It was the comprehension of Tolstoy’s powerful intellect that became the main goal and, claro, represented the main difficulty that the artist encountered in this work.

Portraits of the great

Kramskoy painted many portraits commissioned by Tretyakov, paying tribute to this outstanding person. So in 1871, the artist writes from photographs a portrait of the great Ukrainian poet Taras Shevchenko. And in the winter of 1876, Ivan Nikolaevich became especially close to the family of the collector, working on portraits of Tretyakov’s wife Vera Nikolaevna, and Pavel Mikhailovich himself, in whom he always saw not a merchant, but an intellectual and a true patriot of Russian national culture, who firmly believed that “the Russian school of painting not the last will be. " In a small portrait of 1876, characterized by a certain "chamber" of artistic decision, Kramskoy tried to express the social significance of the person portrayed.

By order of Tretyakov, the artist created two images of the great Russian poet-democrat N.A. Nekrasov (1877-1878), the first of them is a portrait of Nikolai Alekseevich, the second is the painting "Nekrasov in the period of" Last Songs ". Work on these works was complicated by a serious illness of the poet. The artist managed to write it sometimes only ten to fifteen minutes a day, but by March 30, 1877, the portrait of N. A. Nekrasov was completed.

But the greatest value is not he, but the painting "Nekrasov in the period of" The Last Songs ", in which the selection of household details helped to create an accurate image of the poet. A pale, dressed in all white, seriously ill Nekrasov sits on the bed, completely lost in thoughts. And the photographs of N. A. Dobrolyubov and I. S. Turgenev, hung on the walls of his office, as well as a bust of V. G. Belinsky, an ideological mentor and great friend Nekrasov, convey the atmosphere of a rich, intense creative life, making you feel like a great poet immortal.

It is interesting that if you look closely at the surface of the canvas of the picture, it is easy to notice that several seams cross it. The image of the poet’s head is made on a separate fragment, the initial position of which is not difficult to establish. Pelo visto, at first the master portrayed the terminally ill poet as lying down, then rebuilding the composition, for greater expressiveness. Nekrasov appreciated Kramskoy’s talent by presenting him with a copy of his book “Last Songs”, on the title page of which he wrote:“Kramskoy as a keepsake. N. Nekrasov April 3 ".

Kramsky’s work on the images of the outstanding satirist writer M.E. Saltykov-Shchedrin turned out to be even more complex, stretching for several years. One of the two portraits created by the artist was also intended for the Tretyakov collection and was created from 1877 to 1879, undergoing endless alterations. Having completed the picture, Kramskoy writes to Tretyakov that this portrait “came out really very similar”, speaking of his artistic features, the master emphasizes:“The painting… came out Murugha, and imagine - with intent.”

As in the portrait of Tolstoy, the coloring of the work is very deaf, gloomy. Assim, the artist puts in the spotlight Shchedrin’s face, his high forehead, the mournfully lowered corners of his lips, e, mais importante, the demanding questioning look inherent only to him. An important role in creating the image of a satirical writer is played by hands - closed, with thin interlocked fingers, they are emphasized aristocratic, but not at all gentle.

The unifying idea for the portraits of Leo Tolstoy, N.A. Nekrasov, M.E. Saltykov-Shchedrin, PM. Tretyakova, became the idea of ​​high citizenship. In them, Kramskoy saw the spiritual leaders of the nation, advanced people of their time. This left an imprint on the manner of portraying the portrayed. The artist deliberately “narrowed down” the boundaries of their personality in order to emphasize their social significance. Nada, according to Kramskoy, should have distracted the viewer from the main thing - the spiritual component of the heroes of his portraits, and therefore the color of the paintings is so deaf.

When the artist painted portraits of writers, artistas, in his opinion, who did not accumulate the “spiritual charge” of the era so powerfully, he made the pictorial-plastic solution of the work more free, uninhibited, which made the images of people depicted by him lively and direct. To works of this kind can be attributed a portrait of Ivan Ivanovich Shishkin performed by the painter in 1873. This work, like the canvas "Nekrasov in the period of" The Last Songs ", belongs to the category of portraits, pinturas, as it combines two principles at once - portrait and landscape.

The image of nature created in this work is not just a natural background for the image of the master of the landscape, but the element in which he lived and worked. The lyrical and at the same time majestic landscape (a clear blue sky with light clouds floating on it, the mysterious silhouette of a forest and tall grass at Shishkin’s feet), not only recreates the appearance of a particular area, but represents a generalized expression of Russian nature, as it was depicted in the 70s years, including I. I. Shishkin himself.

The artist sought to emphasize his indissoluble unity with the outside world. The slender but powerful figure of a landscape painter, his strong-willed open face, outward simplicity and at the same time the undeniable greatness of his appearance, the way he peers calmly and in a businesslike way to endless distances, all this accurately conveys Kramsky’s view of Shishkin as a “man-school” ", " Milestone in the development of the Russian landscape. "

Later, in 1880, Kramskoy will write another portrait of the great singer of Russian nature. In it, the artist will again be amazed at his physical strength, noting that with age, Shishkin’s personality became richer and more complex.

Extraordinary portraiture gift

Among the many portraits of Russian writers and artists painted in the 70s, most of which Kramskoy painted for P.M. Tretyakov, were I.A. Goncharova, I.E. Repin, I.P. Polonsky, P.I. Melnikov-Pechersky, M.M. Antokolsky, S.T. Aksakova, F.A. Vasiliev, M.K. Klodt and many others.

Two portraits can be especially distinguished - the writer Dmitry Vasilievich Grigorovich (1876) and the painter Alexander Dmitrievich Litovchenko (1878).

Creating a portrait of the author of the then popular Anton-Goremyk novel, the master vigilantly noticed Grigorovich’s usual bariness of posture and a kind of indulgence and complacency in his eyes, characteristic of a person who was not used to delving into the complexity of life around him. A stressed theatrical gesture of a hand with a gold-framed pince-nez between his thin fingers. “This is not a portrait, but just a scene, drama!.. So Grigorovich is sitting in front of you with all his lies, French feuilletonism, boasting and laughter, ” V.V. Stasov enthusiastically wrote to Kramskoy. Although the artist himself, after a few years wrote a letter to the famous publisher A.S. Suvorin, tried to deflect the accusation of obvious tendentiousness, asserting that he did not want to “do anything funny, except for a completely natural passion for the visible characteristic form, without underlining.”As far as this is true, we probably will never know, but one thing is clear:today we are attracted to the portrait of D. V. Grigorovich precisely by the artist’s fascination with the “visible characteristic form”, which was the key to creating a surprisingly vivid and vibrant human image.

This is even more pronounced in a large-format portrait of A. D. Litovchenko. Dressed in a dense dark brown coat, the artist is depicted on a light gray-greenish background. A little “eroding” the moving contour outlining the figure, Kramskoy emphasized the natural ease of his model. The position of Litovchenko is unusually expressive, the right hand of which is laid with his free movement behind his back, and the left hand gracefully holds a cigar with a usual gesture. Fingers are not drawn, only outlined by several precise, dynamic strokes. It was no coincidence that Kramskoy “smeared” the edge of the sleeve framing this arm and made it deliberately fuzzy. So he convincingly conveyed the natural instantness of the gesture, exactly corresponding to the lively, changeable expression of the face of the hero of the portrait, framed by a lush beard. One can only guess about the lip pattern, but black as embers, the eyes of the person portrayed look so piercingly sharp, in the best way expressing all the immediacy of his nature, that the whole image of Litovchenko is perceived "as alive." The artist uses stingy, but extremely expressive details with amazing accuracy:the cap of the conical shape perfectly completes the silhouette of the artist’s figure as a whole, as well as the light yellow gloves that casually peek out from the pocket of Litovchenko’s coat and complete his image.Litovchenko’s coat carelessly peeking out of his pocket completes his look.Litovchenko’s coat carelessly peeking out of his pocket completes his look.

The portrait of A. D. Litovchenko is without a doubt one of Kramskoi’s greatest creative successes. His image turned out to be so lively and brightly individual thanks to the high pictorial merits of this picture, “by fire, passion and vitality of quick execution, similar to impromptu” (V. Stasov).

Ivan Nikolaevich no longer “draws” with a brush, as it was in many of his paintings, how many he writes, widely, temperamentously, lining up a plastic form with color, anticipating the best portrait canvases by I.E. Repin. Struck by his powerful expression, M.P. Mussorgsky would respond so much about his work:“Going to the portrait of Litovchenko, I rebounded…” he wrote to V.V. Stasov. - What a miracle Kramskoy! This is not a canvas - it is life, arte, power, sought in creativity! ”

We can see what the artist himself had become by this time, thanks to his 1874 Self-Portrait. A small format picture was clearly written "for myself." Saturated dark red background contributes to the creation of an atmosphere of emphasized concentration in the portrait. Kramskoy, peering into his own face, shows how over the years his composure and perseverance, developed by a difficult life and constant work, have increased. His gaze became much deeper and sadder than in the self-portrait of 1867, in which the master seemed to publicly declare his position as a wrestling artist. Agora, without retreating a single step from the chosen path, he confesses to himself how enormous spiritual strength this endurance and courage require.

“Until now, only portraits of men have been successful for Mr. Kramskoy, ” wrote one of the seventh mobile observers, “but the current exhibition has shown that a woman’s portrait, which is incomparably more difficult, is equally accessible to him.”

A true remark, especially considering that before Kramskoy such a democratic kind of female portrait, the merit of the development of which belongs entirely to him, did not exist in Russian painting.

The image of the Russian people

Kramskoy often wrote that, living in St. Petersburg, he felt the brunt of the oppressive public atmosphere, he even said that the "Petersburg climate", which he had always tried to resist, "kills Russian art and artists." In this sensation, he had many like-minded people. Let us recall A. Pushkin, who said that the “North is harmful” to him, K. P. Bryullov, quem, returning from Italy, bathed in the glory of glory, but wrote that he was “moping, ” because he was “afraid of the climate and bondage.”

“He pulls me out of Petersburg, ” Kramskoy wrote, “it makes me sick!” Where is pulling, why sick?.. Where is peace? Sim, and that would be nothing if rich and unimaginably huge material did not lie outside the cities, lá, in the depths of marshes, forests and impassable roads. What kind of faces, what kind of figures! Sim, the waters of Baden-Baden help the other, Paris and France to the other, and the third… suma, yes freedom! ” Responding vividly to the emerging “going to the people”, the artist wrote that “sitting in the center… you begin to lose the nerve of a wide free life; too far outskirts, and the people are something that can give! Oh my god, what a huge spring! Have only ears to hear, and eyes to see… It pulls me out, that’s how it pulls! ” It was among the people of Kramskoy who saw the main force of life, discovering in it a new source of creative inspiration.

The images of peasants in the works of I. N. Kramskoy are very diverse. This is the "Contemplator" (1876, Kiev Museum of Russian Art), a philosopher, a seeker of eternal truth, and a beekeeper living a life unified with nature ("Pasechnik", 1872), and "Little Man with a Hook" (1872, Tallinn Art Museum) - lived a long, joyless century, a clogged old peasant. There are other images, such as the hero of the painting “Village Warden” (“Miller”, 1873), or the mighty, stern man on the canvas of 1874 “The Head of the Peasant” (Penza Art Gallery of K. A. Savitsky).

But the most significant work on a folk theme was the picture of 1874 "Woodland". Regarding her, Kramskoy writes to P. M. Tretyakov:“… my sketch in a shot hat, according to the plan, should depict one of those types (they are in the Russian people) that understand much of the social and political system of folk life with their mind, and who deeply settled discontent bordering on hatred. Of these people, in difficult times Stenka Razina and Pugacheva gain their gangs, and in ordinary times - they act alone, where and how they will, but never put up. The type is unsympathetic, Eu sei, but I also know that there are many, I saw them. ”

In the late period of creativity, the artist also turned to the peasant theme. Em 1882, a "study of a Russian peasant" was created - a portrait of Mina Moiseyev. In 1883, the painting “The Peasant with a Bridle” (Kiev Museum of Russian Art). In these two works, the master created two diametrically opposite images, written, Contudo, from the same model.

Late period of creativity

Despite the political defeat of democratic thought in Russia in the 70-80s of the 19th century, which was literally crushed by the regime, Russian democratic art was experiencing an unprecedented high rise. Significant changes were taking place in the life of the Partnership of Traveling Art Exhibitions; the work of such titans of Russian fine art as I. E. Repin and V. I. Surikov came to the fore. Ivan Nikolaevich Kramskoy continued to work hard and hard. Despite the high authority that the artist had among his contemporaries, it became increasingly difficult for him to work. Evidence of this is the unfinished picture "Laughter" for many years, the very idea of ​​which no longer corresponded to the needs of the community. Como resultado, Kramskoy had only portraits left.

Durante este período, the artist, with his inherent skill and psychologism, paints portraits of I. I. Shishkin, the outstanding figure in Russian medicine S. P. Botkin and artist V. V. Samoilov. Além disso, Kramskoy not only looked worthy next to younger portrait painters, such as I. E. Repin and N. A. Yaroshenko, but continued to play the role of a “teacher” for them. And their paintings, por sua vez, carried a reflection of Kramskoy’s art.

No entanto, the artist understood that he needed to grow somewhere, to look for new ways for his work. He is trying his hand at a ceremonial portrait, looking for new lighting and color solutions, panting at the same time, under the weight of constant orders. Hurrying to provide families as best as possible and realizing that his strength was running out, Kramskoy darted between time-consuming creative searches and fast work, which sometimes did not lead to the best result. O artista, who was highly respected and even honored, was hard on these failures.

The requirements that life itself presented to art changed, Portanto, and the art system had to change. In 1883, a young artist K. A. Korovin, a student of A. K. Savrasov and V. D. Polenov, wrote a sketch “Chorus Girl” at the Moscow School of Music and Arts, taking for him an unusual motif and very bold painting techniques. Even Polenov, familiar with the work of the French impressionists, was struck by this bold experiment of the artist, deciding that he was far ahead of his time. Contudo, soon a close friend of Korovin, V. A. Serov will write his “Girl with Peaches” (1887), turning the portrait of twelve-year-old Vera - the daughter of the famous Moscow industrialist S. I. Mamontov, into a radiant image of youth.

In an effort to capture the essence of new trends, Kramskoy writes his “Unknown” (1883) - one of his most mysterious paintings. Here is how the art historian N. G. Mashkovtsev describes the painting:“A young woman is depicted in a stroller against the background of the Anichkov Palace, painted in rusty red. This color is softened by winter fog, as well as the contours of architecture. With a greater clarity, the female figure comes to the fore. She is dressed with all the luxury of fashion. She sat back in the crew, upholstered in dark yellow leather. In her face is the pride of a woman conscious of her charm. In no portrait did Kramskoy pay so much attention to accessories - velvet, silk, fur. The dark glove, tightly covering the hand, like a second skin, thin and translucent, through which a living body is felt, is written with some special warmth. Who is she, this captivating woman, it remains unknown. ”

Many believe that Kramskoy portrayed Anna Karenina as a symbol of the new position of a woman in society, such as it should become. This version has both supporters and opponents, but it would be more correct to assume that the artist I.N. Kramskoy, and the writer L.G. Tolstoy, creating their female images, invested in them something more than a portrait of a specific woman, nomeadamente, their idea of ​​the ideal of a modern woman. Like Tolstoy, Kramskoy, defending the human dignity of a woman, he set himself the task of trying to realize his idea of ​​the moral and aesthetic category of beauty through the visible, “objective”, attractiveness of the model.

In 1884, the artist completed his painting "Inconsolable grief", conceived back in the late 70s. The plot of the canvas is inspired by the personal grief of the master - the death at an early age of his two younger sons. Through this work, which has an unusual number of sketches and sketches (showing how important it was for Kramskoy) for the artist, he transferred his own grief and grief to his wife, Sophia Nikolaevna. Investing in the picture a lot of personal, deeply hidden, the painter at the same time sought to maximize and deepen its content. Precisely and sparingly selected elements bring us into the atmosphere of the house, into which great grief came, transmitted, Contudo, very restrained, without melodramatic excesses, only the reddish glow of the funeral candles flickering behind the curtains suggests its cause.

The compositional and semantic center of the canvas is the image of a woman full of drama. Her strained straight figure, the mournful gaze of those who do not see eyes, the scarf brought to her lips, testifying to the barely restrained sobs, reveal the whole depth of her suffering. Such a psychological expressiveness of the image did not easily go to the artist. “I sincerely sympathized with maternal grief, ” Kramskoy wrote to P. M. Tretyakov. “I was looking for a long clean form and finally settled on this form…” It was the strict form, achieved without unnecessary theatricality, that allowed him to create the image of a strong-willed person, and the monumental structure of the canvas helped convey feelings and emotions, like a personality drama that the master is trying to raise to the level of a large social phenomenon.

It should be noted that in contrast to the portraits of the 70s, in which the feelings of the heroes of Kramskoy were more likely marked by the seal of high citizenship, the characters of later works live in a much more closed world of personal experiences.

Kramsky’s letters to his friends tell us how difficult the last period of his life was for him. In 1883 he writes P.M. To Tretyakov:“… I confess that circumstances are beyond my character and will. I am broken by life and have far from done what I wanted and what I should have… ". At the same time, a letter was written to the artist P. O. Kovalevsky:“I have been working in darkness for a long time. Near me there is already nobody who, like a voice of conscience or the trumpet of the archangel, would notify a person:“Where is he going? Is it a real road or lost? ” There is nothing more to expect from me; I myself have already stopped waiting for myself. ”

Contudo, the master worked until his last day. For five hours a day, he conducted portrait sessions, constantly crying out in pain, but almost noticing this, he was so carried away by his creative process. So it was on the last day of the painter. Feeling a surge of vigor in the morning, he painted a portrait of Dr. Rauchfus. De repente, his gaze stopped and he fell right on his palette. It was March 24, 1887.

“I don’t remember the more cordial and touching the funeral!.. Peace be upon you, a mighty Russian man who has gotten out of the insignificance and dirt of the backwoods, ” wrote I. E. Repin subsequently about the wires to the last journey of his old friend.

In the same 1887, a large posthumous exhibition of the works of the great Russian master was organized, accompanied by the publication of a detailed illustrated catalog. Um ano depois, a book was published dedicated to the life and work of Ivan Nikolaevich Kramskoy.