Leonardo da Vinci (1452-1519)

A personalidade e a obra de Leonardo da Vinci sempre foram de grande interesse. Leonardo era uma figura extraordinária demais para sua época. Livros e artigos são impressos, lançam-se longas-metragens e documentários. Os historiadores da arte recorrem a cientistas e místicos, na tentativa de encontrar a solução para o mistério do gênio do grande mestre. Existe até uma direção separada na ciência, explorando a herança do pintor. Museus estão abrindo em homenagem a Leonardo da Vinci, exposições temáticas são realizadas constantemente em todo o mundo, quebrando todos os recordes de atendimento, e Mona Lisa olha para multidões de turistas por dias a fio do vidro blindado. Fatos e lendas históricas reais, realizações científicas e ficção estão intimamente ligadas em torno do nome de um gênio.

Pinturas e desenhos de Leonardo da Vinci

O destino do grande mestre

O futuro grande artista e cientista nasceu em 14 de abril, 1452 de um caso extraconjugal de um rico tabelião, Sir Pierrot, com uma camponesa ou com a dona de uma taverna da cidade de Vinci. O menino se chamava Leonardo. Katerina, esse era o nome da mãe do artista, criou seu filho durante os primeiros cinco anos de sua vida, depois disso, o pai levou o menino para sua casa.

Embora Pierrot fosse oficialmente casado, ele não teve outros filhos além de Leonardo. Portanto, o aparecimento da criança na casa foi acolhido de forma calorosa e cordial. A única coisa de que o artista se manteve privado, sendo totalmente apoiado por seu pai, são os direitos de herança. Os primeiros anos de Leonardo passaram serenamente, rodeado pela pitoresca natureza montanhosa da Toscana. Ele carregará sua admiração e amor por sua terra natal por toda a vida, perpetuando sua beleza em suas paisagens.

A paz e a tranquilidade da vida provinciana terminaram com a mudança da família para Florença. A vida começou a jogar, começaram a fervilhar com todas as cores de uma verdadeira metrópole da época. A cidade era administrada por representantes do clã Medici, conhecida pela generosidade de filantropos que criaram em seu patrimônio as condições ideais para o desenvolvimento das artes.

Durante seu reinado, Florença tornou-se o berço da revolução cultural e científica conhecida como Renascimento. Uma vez aqui, o jovem Leonardo estava no centro dos acontecimentos quando a cidade se aproximava do auge de seu apogeu e glória, o pico de grandeza, do qual o jovem artista se tornou parte integrante.

Mas a grandeza estava à frente, Mas para agora, o futuro gênio só precisava obter uma educação. Sendo um filho ilegítimo, ele não podia continuar o trabalho de seu pai, além de se tornar, por exemplo, advogado ou médico. Que, em geral, não prejudicou o destino de Leonardo.

Desde muito cedo, o jovem demonstrou excelentes habilidades artísticas. Pierrot não pôde ignorar isso quando tomou uma decisão sobre o destino de seu único filho. Breve, seu pai enviou Leonardo, de 18 anos, para estudar em uma oficina de pintura avançada e muito bem-sucedida. O instrutor do artista foi o famoso pintor Andrea del Verocchio.

Um escultor e artista talentoso e de mente ampla, Verocchio não pregou visões estéticas medievais, mas tentei manter-se atualizado. Ele estava profundamente interessado em amostras de arte antiga, que ele considerava insuperável, em seu trabalho, ele procurou reviver as tradições de Roma e da Grécia. No entanto, reconhecendo e respeitando o progresso, Verocchio fez uso extensivo das conquistas técnicas e científicas de seu tempo, graças ao qual a pintura se aproximava do realismo.

Plano, imagens incompletas da Idade Média estavam se afastando, dando lugar ao desejo de imitar totalmente a natureza em tudo. E para isso era necessário dominar as técnicas de perspectiva linear e aérea, para entender as leis da luz e sombra, o que significava a necessidade de dominar a matemática, geometria, desenhando, química, física e óptica. Leonardo estudou com Verocchio o básico de todas as ciências exatas, enquanto simultaneamente domina as técnicas de desenho, modelagem e escultura, adquiriu habilidades no trabalho com gesso, couro e metal. Seu talento foi revelado com tanta rapidez e clareza que logo o jovem talento se distanciou de seu professor na habilidade e qualidade da pintura.

Já aos vinte anos, em 1472, Leonardo tornou-se membro da honorável Guilda de artistas florentinos. E mesmo a falta de oficina própria, que ele adquiriu apenas alguns anos depois, não o impediu de iniciar seu próprio caminho como mestre independente. Apesar das óbvias habilidades de engenharia e notável talento para ciências exatas, a sociedade via no artista apenas um artesão que ainda não possuía grande prestígio. Os ideais de liberdade e criatividade ainda estavam longe.

O destino do artista do século XV dependia inteiramente de patrocinadores influentes. Então, ao longo de sua vida, Leonardo teve que procurar um lugar de serviço entre os poderosos, e o cumprimento de ordens seculares e eclesiásticas individuais baseava-se no princípio de um acordo comercial simples.

Os primeiros dez anos de vida do artista passaram em buscas criativas e trabalho em algumas ordens. Até aqui, uma vez que Leonardo ouviu um boato de que o duque de Sforza, o governante de Milão, precisava de um escultor da corte. O jovem decidiu imediatamente tentar sua mão.

O fato é que Milão naquela época era um dos maiores centros de produção de armas, e Leonardo estava imerso em seu último hobby - o desenvolvimento de desenhos de máquinas e mecanismos originais e engenhosos. Portanto, a possibilidade de se mudar para a capital da engenharia, ele estava muito inspirado. O artista escreveu uma carta de recomendação ao Duque de Sforza, em que ele ousou se oferecer não apenas como escultor, artista e arquiteto, mas também como engenheiro, alegando que ele poderia construir navios, veículos blindados, catapultas, armas e outros equipamentos militares. O duque ficou impressionado com a carta autoconfiante de Leonardo, mas apenas parcialmente o satisfez:ele estava com disposição para o artista ser um escultor. A primeira tarefa do novo escultor da corte foi a fabricação de uma estátua de bronze de um cavalo, projetado para decorar a cripta da família de Sforza. O engraçado é que devido a várias circunstâncias, pelos dezessete anos que Leonardo passou na corte de Milão, o cavalo nunca foi lançado. Mas o interesse de jovens talentos em assuntos militares, a mecânica e a tecnologia nas oficinas de armas só cresceram. Quase todas as invenções de Leonardo datam desse período.

Ao longo de sua vida, o engenhoso da Vinci criou vários desenhos de tecelagem, máquinas de impressão e laminação, fornos metalúrgicos e uma máquina para trabalhar madeira. Ele foi o primeiro a pensar na ideia de um parafuso de helicóptero, rolamentos de esferas, um guindaste giratório, um mecanismo para cravar pilhas, uma turbina hidráulica, um dispositivo para medir a velocidade do vento, uma escada telescópica de incêndio, uma chave ajustável, e uma caixa de velocidades. Leonardo desenvolveu modelos de vários veículos militares - tanques, catapultas, submarinos. Em seus esboços, há protótipos de um holofote de sino de mergulho, uma escavadeira, uma bicicleta, e barbatanas. Além de seus designs mais famosos, baseado em um estudo meticuloso da técnica de voo do pássaro e da estrutura da asa do pássaro - uma aeronave muito semelhante a uma asa-delta, e um pára-quedas.

Infelizmente, Leonardo não foi capaz de ver a personificação da grande maioria de suas idéias em vida. A hora ainda não chegou para eles, não havia matérias-primas e materiais necessários, cuja criação também foi prevista pelo gênio do século XV. Toda a vida dele, Leonardo da Vinci teve que tolerar o fato de que seus projetos grandiosos estavam muito à frente da época. Somente no final do século XIX, muitos deles receberão sua implementação. E, claro, o mestre não suspeitou que nos séculos 20 e 21, milhões de turistas irão admirar essas invenções em museus especiais dedicados ao seu trabalho.

Em 1499, Leonardo deixou o Milan. O motivo foi a tomada da cidade pelas tropas francesas lideradas por Luís XII, o duque de Sforza, que tinha perdido o poder, fugiu para o exterior. Para o artista começou um período difícil em sua vida. Por quatro anos, ele constantemente se movia de um lugar para outro, em lugar nenhum por muito tempo sem parar. Até aqui, em 1503, ele, cinquenta, novamente teve que voltar para Florença - a cidade onde ele trabalhou como simples aprendiz, e agora, no auge da habilidade e fama, ele trabalhou na criação de sua brilhante Mona Lisa.

Verdade, ele voltou para Milão da Vinci, após vários anos de trabalho em Florença. Agora, ele estava lá o pintor da corte de Luís XII, que naquela época controlava todo o norte italiano. Periodicamente, o artista voltou para Florença, cumprindo um pedido específico. As provações de Leonardo terminaram em 1513, quando ele se mudou para Roma para ver o novo patrono, Giuliano Medici, o irmão do Papa Leão X. Pelos próximos três anos, da Vinci lidava principalmente com ciência, pedidos de desenvolvimentos de engenharia e experimentos técnicos.

Já em uma idade muito avançada, Leonardo da Vinci mudou-se novamente, desta vez para a França, a convite de Francisco I, que sucedeu a Luís XII no trono. O resto da vida do brilhante mestre passou na residência real, o castelo de Lmboise, rodeado pela maior honra do lado do monarca. O próprio artista, apesar da dormência de sua mão direita e do estado de saúde em constante piora, continuou a fazer esboços e envolver alunos que o substituíram por uma família que nunca foi criada pelo mestre em sua vida.

Presente de observador e cientista

Desde a infância, Leonardo tinha um raro talento de observador. Desde a infância até o fim de sua vida, um artista, fascinado por fenômenos naturais, poderia olhar por horas para a chama de uma vela, monitorar o comportamento dos seres vivos, estudar o movimento da água, os ciclos de crescimento das plantas e o voo dos pássaros. Um vivo interesse pelo mundo ao seu redor deu ao mestre muitos conhecimentos inestimáveis ​​e as chaves para muitos segredos da natureza. “A natureza organizou tudo tão perfeitamente que em todos os lugares você encontra algo que pode lhe dar novos conhecimentos, ”Disse o mestre.

Durante sua vida, Leonardo fez transições pelos passos alpinos mais altos para explorar a natureza dos fenômenos atmosféricos, viajou por lagos e rios de montanha para estudar as propriedades da água. Ao longo de sua vida, Leonardo carregava consigo um caderno no qual anotava tudo que chamava sua atenção. Ele deu especial importância à óptica, acreditar que o olho do pintor é uma ferramenta direta do conhecimento científico.

Recusando-se a seguir o caminho trilhado pelos contemporâneos, Leonardo procurou suas próprias respostas para as questões de harmonia e proporcionalidade de todas as coisas (o mundo ao seu redor e o próprio homem) que o preocupavam. O artista percebeu que se deseja capturar a própria pessoa e o mundo ao seu redor em suas obras, sem distorcer sua essência, ele deve estudar a natureza de ambos o mais profundamente possível. Começando com a observação de fenômenos e formas visíveis, ele gradualmente se aprofundou nos processos e mecanismos que os governam.

O conhecimento matemático ajudou o pintor a entender que qualquer objeto ou objeto é um todo, que inevitavelmente consiste em muitas partes, cuja proporcionalidade e localização adequada dá origem ao que se denomina harmonia. Uma descoberta incrível do pintor foi que os conceitos de “natureza”, “Beleza” e “harmonia” estão inextricavelmente ligadas a uma lei específica, seguindo o qual absolutamente todas as formas na natureza são formadas, começando das estrelas mais distantes do céu, e terminando com pétalas de flores. Leonardo percebeu que essa lei pode ser expressa na linguagem dos números, e usá-lo para criar belos e harmoniosos trabalhos de pintura, escultura, arquitetura e qualquer outro campo.

Na verdade, Leonardo foi capaz de descobrir o princípio pelo qual o próprio Criador do Gênesis criou este mundo. O artista chamou sua descoberta de "Dourada, ou Proporção Divina. "Esta lei já era conhecida pelos filósofos e criadores do mundo antigo, na Grécia e no Egito, onde foi amplamente utilizado em uma ampla variedade de formas de arte. O pintor percorreu o caminho da prática, e preferiu obter todo o seu conhecimento a partir de sua própria experiência de interação com a natureza e o mundo.

Leonardo não economizou em compartilhar suas descobertas e realizações com o mundo. Durante sua vida, ele trabalhou com o matemático Luke Pocholi para criar o livro "Proporção Divina", e após a morte do mestre ele viu a luz do tratado da Seção Áurea, baseado inteiramente em suas descobertas. Ambos os livros são escritos sobre arte na linguagem da matemática, geometria e física. Além dessas ciências, o artista em diferentes momentos estava seriamente interessado no estudo da química, astronomia, botânica, geologia, geodésia, ótica e anatomia. E tudo em ordem, no fim, para resolver as tarefas que se colocou na arte. Foi através da pintura, que Leonardo considerou a forma mais intelectual de criatividade, ele procurou expressar a harmonia e a beleza do espaço circundante.

Vida na tela

Olhando para a herança criativa do grande pintor, você pode ver claramente como a profundidade da penetração de Leonardo nas fundações dos fundamentos do conhecimento científico sobre o mundo encheu suas pinturas de vida, tornando-os cada vez mais verdadeiros. Parece que com as pessoas retratadas pelo mestre, você pode facilmente ter uma conversa, objetos pintados por ele, vire em suas mãos, e entrar na paisagem e se perder. Nas imagens de Leonardo, misterioso e surpreendentemente realista ao mesmo tempo, profundidade e espiritualidade são evidentes.

Para entender o que Leonardo considerava um real, criação viva, você pode fazer uma analogia com a fotografia. Fotografia, na verdade, é apenas uma cópia espelhada, evidência documental de vida, um reflexo do mundo criado, não é capaz de atingir sua perfeição. A partir deste ponto de vista, o fotógrafo é uma personificação moderna daquilo de quem Leonardo disse:“Um pintor, desenhando sem sentido, guiado apenas pela prática e pelo julgamento do olho, é como um espelho comum que imita todos os objetos que se opõem a ele, não saber nada sobre eles. ” Um verdadeiro artista, de acordo com o mestre, enquanto estuda a natureza e a recria em uma tela, deve superá-lo, "ele mesmo inventando inúmeras formas de grama e animais, árvores e paisagens. "

O próximo passo para a maestria e o dom único do homem, de acordo com Leonardo, é fantasia. “Onde a natureza já terminou de produzir suas espécies, o próprio homem começa a criar incontáveis ​​tipos de coisas novas com a ajuda da natureza. ” O desenvolvimento da imaginação é a primeira e mais básica coisa que um artista deve fazer, de acordo com da Vinci, é sobre isso que ele escreve nas páginas de seus manuscritos. Nos lábios de Leonardo, soa como Verdade com uma letra maiúscula, porque ele mesmo o provou repetidamente com toda a sua vida e herança criativa, incluindo tantas suposições e invenções engenhosas.

O desejo irreprimível de conhecimento de Leonardo atingiu quase todas as áreas da atividade humana. Durante sua vida, o mestre foi capaz de provar seu valor como músico, poeta e escritor, engenheiro e mecânico, escultor, arquiteto e urbanista, biólogo, físico e químico, conhecedor de anatomia e medicina, geólogo e cartógrafo. O gênio da Vinci encontrou sua aplicação até mesmo na criação de receitas culinárias, o desenvolvimento de roupas, a compilação de jogos para entretenimento palaciano e o desenho de jardins.

Leonardo podia se orgulhar não apenas de um conhecimento excepcionalmente versátil e de uma ampla gama de habilidades, mas também uma aparência quase perfeita. De acordo com contemporâneos, ele era alto, homem bonito, bem construído e dotado de grande força física. Leonardo cantou perfeitamente, foi um contador de histórias brilhante e espirituoso, dançou e tocou a lira, tinha modos requintados, era cortês e simplesmente fascinava as pessoas apenas com sua presença.

Talvez tenha sido precisamente essa natureza extraordinária disso em quase todas as esferas da vida que causou uma atitude tão cautelosa da maioria conservadora em relação a ele, aceitar apreensivamente ideias inovadoras. Por sua genialidade e pensamento inovador, ele foi repetidamente tachado de herege e até mesmo acusado de servir ao diabo. Aparentemente este é o destino de todos os gênios que vêm ao nosso mundo para quebrar os alicerces e levar a humanidade para a frente.

Em palavras e ações, negando a experiência das gerações passadas, o grande pintor disse que "o quadro do pintor será pouco perfeito se ele tomar como inspiração as pinturas de outros". Isso se aplica a todas as outras áreas do conhecimento. Leonardo deu grande atenção à experiência como a principal fonte de idéias sobre o homem e o mundo. “A sabedoria é filha da experiência, ”Disse o artista, não pode ser adquirido apenas estudando livros, porque aqueles que os escrevem são apenas intermediários entre as pessoas e a natureza.

Cada pessoa é um filho da natureza e a coroa da criação. Ele tem inúmeras possibilidades de conhecer o mundo, inextricavelmente ligado a cada célula de seu corpo. Ao explorar o mundo, Leonardo se conhecia. A questão que atormenta muitos historiadores da arte é o que mais interessou a Da Vinci - pintura ou cognição? Quem no final era ele - um artista, cientista ou filósofo? A resposta é essencialmente simples, como um verdadeiro criador, Leonardo da Vinci combinou harmoniosamente todos esses conceitos em um. Afinal, você pode aprender a desenhar, ser capaz de possuir um pincel e tintas, mas isso não vai fazer de você um artista, porque a verdadeira criatividade é um estado especial de sentimentos e atitudes em relação ao mundo. Nosso mundo retribuirá, se tornar uma musa, descobrir seus segredos e permitir que apenas amá-lo verdadeiramente penetre na própria essência das coisas e dos fenômenos. Da maneira como Leonardo viveu, de tudo que ele fez, era óbvio que ele era uma pessoa apaixonada por amor.

Imagens da Madonna

A obra "A Anunciação" (1472-1475, Louvre, Paris) foi escrita por um jovem pintor no início de sua carreira. A pintura que descreve a Anunciação foi destinada a um dos mosteiros não muito longe de Florença. Ela gerou muita polêmica entre os pesquisadores do grande Leonardo. As dúvidas referem-se, em particular, ao fato de a obra ser uma obra totalmente independente do artista. Devo dizer, tais disputas em torno da autoria não são incomuns para muitas obras de Leonardo.

Executado em um painel de madeira de dimensões impressionantes - 98 x 217 cm, a obra mostra o momento em que o arcanjo Gabriel, que desceu do céu, diz a Maria que ela vai dar à luz um filho, a quem Jesus vai chamar. É tradicionalmente acreditado que Maria, naquela época, estava lendo a própria passagem das profecias de Isaías, que menciona um cumprimento futuro. A cena não é retratada acidentalmente contra o pano de fundo de um jardim primaveril - as flores nas mãos do arcanjo e sob seus pés simbolizam a pureza da Virgem Maria. E o próprio jardim, cercado por um muro baixo, tradicionalmente nos remete à imagem sem pecado da Mãe de Deus, isolada do mundo exterior por sua integridade.

Um fato interessante está associado às asas de Gabriel. É claramente distinguível na pintura que eles foram finalizados mais tarde - um artista desconhecido os alongou em um estilo de pintura muito rudimentar. As asas originais que Leonardo retratou permaneceram discerníveis - são muito mais curtas e, provavelmente, foram esboçados pelo artista a partir das asas de um pássaro real.

Nesse trabalho, se você olhar de perto, você pode encontrar vários erros cometidos por Leonardo, que ainda era inexperiente, na construção de uma perspectiva. A mais óbvia delas é a mão direita de Maria, visualmente localizada mais perto do observador do que toda a sua figura. Ainda não há maciez nas cortinas das roupas; eles parecem muito pesados ​​e congelados, como se fosse feito de pedra. Aqui devemos levar em conta que foi isso que Leonardo ensinou a seu mentor Verocchio. Essa angularidade e nitidez são características de quase todas as obras de artistas da época. Mas no futuro, no caminho para encontrar seu próprio realismo pitoresco, Leonardo vai se desenvolver e liderar todos os outros artistas.

Na pintura "Madonna Litta" (por volta de 1480, o eremitério, São Petersburgo), Leonardo conseguiu criar uma imagem feminina incrivelmente expressiva usando quase o único gesto. Na tela vemos uma reflexão plena, uma mãe terna e pacificada, admirando seu filho, concentrando neste olhar toda a plenitude dos sentimentos. Sem essa inclinação especial da cabeça, tão característico de muitas obras do mestre, que ele estudou por horas criando dezenas de desenhos preparatórios, muito da impressão de amor materno ilimitado teria desaparecido. Apenas as sombras nos cantos dos lábios de Maria sugerem a possibilidade de um sorriso, mas quanta ternura isso confere a todo o rosto. No tamanho, o trabalho é muito pequeno, apenas 42 x 33 cm, o mais provável é que fosse destinado ao culto doméstico. De fato, na Itália do século 15, as imagens pitorescas da Madona e do Menino eram bastante populares, muitas vezes eram encomendados por cidadãos ricos. Presumivelmente, “Madonna Litta” foi escrita originalmente por um mestre para os governantes do Milan. Então, mudando vários proprietários, ela se mudou para uma coleção particular da família. O nome moderno da obra vem do nome do Conde Litta, que possuía uma galeria de arte familiar em Milão. Em 1865, foi ele quem o vendeu a l'Hermitage junto com várias outras pinturas.

Na mão direita do menino Jesus, um filhote quase invisível à primeira vista está escondido, servindo na tradição cristã como um símbolo do Filho de Deus e de sua infância. Existem disputas em torno da tela, causado por contornos muito claros da imagem e alguma postura não natural da criança, o que leva muitos pesquisadores a supor que um dos alunos de Leonardo teve um papel ativo na criação da imagem.

A primeira pintura, em que o talento do mestre foi revelado, foi a pintura "Madonna na Gruta" (por volta de 1483, Museu do Louvre, Paris). A composição foi encomendada para o altar da capela da igreja milanesa de São Francisco e deveria ser a parte central do tríptico. A ordem foi dividida entre três mestres. Um deles criou painéis laterais com a imagem de anjos para a imagem do altar, o outro - moldura esculpida do trabalho acabado de madeira.

O clero assinou um contrato muito detalhado com Leonardo. Estipulou os menores detalhes da imagem, até o estilo e técnica de execução de todos os elementos e até mesmo a cor das roupas, do qual o artista não deve se desviar um passo. Então, nasceu uma obra contando sobre o encontro do menino Jesus com João Batista. A ação se passa nos fundos da gruta, em que a mãe e o filho se refugiam dos perseguidores enviados pelo rei Herodes, que viu no Filho de Deus uma ameaça direta ao seu poder. O batista corre para Jesus, juntou as mãos em oração, quem, por sua vez, o abençoa com um gesto de sua mão. Uma testemunha silenciosa do sacramento é o anjo Uriel, olhando para o visualizador. De agora em diante, ele será chamado para proteger John. Todas as quatro figuras estão tão habilmente organizadas na imagem que parecem formar um único todo. Quero chamar toda a composição de “musical” com tanta ternura, harmonia e suavidade em seus personagens, unidos por gestos e olhares.

Este trabalho que foi dado ao artista é muito difícil. O prazo foi estritamente estipulado no contrato, mas, como costumava acontecer com o pintor, ele não conseguia se manter dentro dele, que implicava procedimentos legais. Depois de um longo processo, Leonardo teve que escrever outra versão desta composição, que agora está armazenado na National Gallery of London, nós o conhecemos como “Madonna in the Rocks”.

O famoso afresco do mosteiro de Milão

Dentro das paredes do mosteiro milanês de Santa Maria della Grazie, mais precisamente em seu refeitório, uma das maiores obras-primas da pintura e o principal tesouro nacional da Itália são mantidos. O lendário afresco "A Última Ceia" (1495-1498) ocupa um espaço de 4,6 x 8,8 m, e descreve um momento dramático quando, rodeado por discípulos, Cristo profere a triste profecia "Um de vocês me trairá."

O pintor, que sempre foi atraído pelo estudo das paixões humanas, queria capturar pessoas comuns, não personagens históricos, nas imagens dos apóstolos. Cada um deles responde à sua maneira ao evento. Leonardo definiu sua tarefa com o máximo realismo para transmitir a atmosfera psicológica da noite, para nos transmitir os vários personagens de seus participantes, expondo seu mundo psíquico e experiências conflitantes com a precisão de um psicólogo. Na variedade de rostos dos heróis da imagem e seus gestos, há um lugar para quase todas as emoções, de surpresa a raiva furiosa, da confusão à tristeza, da simples descrença ao choque profundo. O futuro traidor Judas, que tradicionalmente todos os artistas haviam sido previamente separados do grupo geral, senta neste trabalho junto com os outros, claramente se distinguindo com uma expressão sombria e uma sombra, como se envolvendo toda a sua figura. Dado o princípio da proporção áurea que ele descobriu, Leonardo verificou a localização de cada aluno com precisão matemática. Todos os doze apóstolos são divididos em quatro grupos quase simétricos, destacando a figura de Cristo no centro. Outros detalhes da imagem são projetados para não desviar a atenção dos personagens. Então, a mesa é intencionalmente feita excessivamente pequena, e a própria sala, em que a refeição acontece, é simples e simples.

Trabalhando na Última Ceia, Leonardo conduziu um experimento com tintas. Mas, Infelizmente, ele inventou a composição do solo e da tinta, para o qual ele combinou óleo e têmpera, estava completamente instável. A consequência disso foi que apenas vinte anos depois de escrever, o trabalho começou a se deteriorar rápida e irreversivelmente. O estabulo, que foi organizado pelo exército de Napoleão na sala onde o afresco estava localizado, exacerbou o problema já existente. Como resultado, trabalhos de restauração foram realizados nesta tela monumental quase desde o início de sua história até os dias atuais, só graças ao qual ainda é possível preservá-lo.

Tendo começado sua longa vida, Ciu Leonardo da Vinci não criou mais de vinte pinturas, alguns dos quais permaneceram inacabados. Tanta fertilidade, surpreendente naquela época, não aliviou os clientes, mas a calma com que o mestre costumava trabalhar em suas pinturas tornou-se completamente uma palavra de ordem. Reminiscências do monge do mosteiro de Santa Maria delle Grazie, que observou o trabalho do pintor no famoso afresco "A Última Ceia". Aqui está como ele descreveu o dia de trabalho de Leonardo:no início da manhã, o artista escalou as florestas erguidas em torno da pintura, e não podia separar seu pincel até tarde da noite, esquecendo completamente a comida e o descanso. Mas outra vez, ele passou horas, dias, olhando de perto sua criação, sem aplicar um único esfregaço. Infelizmente, apesar de todos os esforços do mestre, devido a um experimento e materiais malsucedidos, o afresco do mosteiro de Milão se tornou uma das decepções mais poderosas do artista.

A misteriosa Mona Lisa

Por isso, a pintura "Mona Lisa" ocupou um lugar importante em sua vida. Desde o momento de escrever a famosa tela até o fim de sua vida, Leonardo será inseparável dele, como com seu tesouro mais precioso. Qual é o segredo dessa grande impressão que esta foto de tamanho pequeno (apenas 77x53 cm) causa, milhões de espectadores se perguntam há séculos quem já o viu pelo menos uma vez.

É extremamente surpreendente que nas gravações de Leonardo da Vinci não haja uma única menção a esse retrato. Não há informações, nem quem o contratou para trabalhar na tela, nem quem serviu de modelo para ele, nem como foi o processo de sua criação. O artista, que tem gravado toda a sua vida, toda a sua vida, nunca mencionou uma coruja a maior criação.

Não há absolutamente nenhuma evidência documental, mas as mentes questionadoras dos especialistas avançaram extraordinariamente em seus palpites. Em momentos diferentes, a Duquesa Matui Isabella d'Este, cujos retratos Leonardo trabalhava na época, em seguida, uma certa amante florentina chamada Pacifica Brandano, que era a amante do nobre patrono Giuliano Medici, tornaram-se candidatas à heroína da tela. Vários pesquisadores afirmam que não havia nenhum modelo, e Leonardo criou a imagem coletiva perfeita de uma mulher. Outros têm certeza de que ele recriou de memória os traços de sua mãe. Ainda outros argumentam que este é um jovem em trajes femininos, um ex-aluno, e possivelmente um amante do próprio pintor - Jnan Giacomo Kaproti, que está com Leonardo há 26 anos (aliás, foi o artista que lhe legou a pintura). Nós vamos, o último, das versões mais populares, diz-nos que Mona Lisa é um autorretrato do próprio Leonardo da Vinci.

Absolutamente todas as suposições não têm nenhuma evidência real. Também existe uma versão oficial. Afirma que a pintura retrata a esposa do rico comerciante florentino Francesco del Giocondo - Lisa Gerardini. A data exata da criação da imagem também não é conhecida, acredita-se que o trabalho na Mona Lisa ocorreu entre 1503 e 1513. Presumivelmente, a futura “Mona Lisa”, e então apenas Lisa Gerardini, colocada quando ela tinha cerca de vinte e quatro anos. O prefixo "mona", novamente, presumivelmente, nada mais é do que a abreviatura da palavra "madonna", que em italiano significa "senhora, amante."

A imagem revivida

Por todo o Renascimento, o homem foi proclamado a coroa da natureza, sua criação mais perfeita. Como resultado, e na pintura, que procurou imitar a natureza em tudo, a capacidade de representar uma pessoa se torna um verdadeiro indicador da habilidade do artista. Além disso, era importante transmitir não apenas os traços característicos da aparência externa do modelo. O mais importante era a capacidade de revelar a personalidade do retrato. Aqui começam as perguntas e pesquisas, como mostrar o invisível, como transmitir na imagem o temperamento e as qualidades espirituais ocultas inerentes aos personagens?

Leonardo, claro, tinha sua própria resposta a essas perguntas. O artista aconselhou a escrever heróis com gestos que refletissem seu estado de espírito. “Se as figuras não fazem certos gestos, e aqueles que expressariam suas almas pelos membros do corpo, então essas figuras estão duas vezes mortas:elas estão principalmente mortas porque a pintura em si não vive, mas é apenas uma expressão de objetos vivos sem vida, se a vitalidade do movimento (gesto) não se junta a eles, então eles acabam por estar mortos mais uma vez, ”O mestre considerou.

Ao mesmo tempo, não é necessário recorrer a ângulos complexos e movimentos intrincados, o próprio pintor nunca o fez. Leonardo foi capaz de atingir o máximo de maestria na criação da saturação e profundidade da imagem com quase completa ausência de movimento externo. O rosto de Mona Lisa é iluminado por um sorriso sutil que lhe confere uma expressão especial. Em uma mulher olhando de um retrato, tudo é simples, natural e ao mesmo tempo muito misterioso. Ela ou pensa em algo, ou lembra de algo. Leonardo criou, sem exagero, um rosto completamente vivo de uma pessoa viva. Ele conseguiu não desenhar, mas para recriar seu modelo na tela, revelando uma imagem tão animada e inspirada que é quase assustador. Parece que nem o espectador está olhando para a Mona Lisa, but she herself looks at him with a deep, meaningful look. Many argue that, being in the same room with the picture, it seems that the look of "Mona Lisa" is always directed at the viewer, wherever he moves. Some also claim that Gioconda’s face changes, depending on how you look at her. It turns out that this is not a picture, but the real presence of a heroine created by the greatest genius of Leonardo da Vinci.

Unrivaled craftsmanship

How did the painter manage to create such an amazing effect? How to make your own life a layer of paints on a flat surface of a wooden panel? What kind of magic did Leonardo use, using only a brush and a palette, so that millions of viewers believed in the “Mona Lisa”, as in real?!

Art historians have carefully studied the picture. If we talk about the technique of its execution, then it should be noted that the work is made of almost transparent, unusually thin layers of applied color that cover the original drawing. When the previous coating dried, the master imposed the following, e entao, many, many times, showing enviable patience and virtuosity.

The result of such painstaking work, this unusually multi-layered painting, was such a smooth transition of some colors to others that the original contour lines of the picture seemed to be dissolved. And it is precisely this lack of boundaries between light and shadow that gently merge with each other and create a sense of living volume. Another incredible achievement of Leonardo was an unprecedented picture of the thickness of air unprecedented for painting at that time. The artist fills the space of the picture with a barely noticeable haze, thanks to which depth appears in the work.

This effect of haze, diffused soft light, Leonardo called the Italian term "sphumato". The brush strokes of the artist were so small that neither an x-ray nor a microscope made it possible to detect any traces of his work or to determine the number of layers of paint applied. For hundreds of years, many artists have tried to repeat Leonardo’s technique, but none of them succeeded. Até agora, "Mona Lisa" is considered unsurpassed in terms of painting techniques.

And all this despite the fact that we have the opportunity to see a rather altered picture. The masterpiece of the great Leonardo has been for many years, during this time some changes have occurred, in particular in the color palette of the canvas. The first biographer of the painter Giorgio Vasari, who lived in the 16th century, in his descriptions of the work admires raspberry shades in the colors of the palette used to write the face of Lisa Gerardini. Hoje, nothing like this can be seen in the picture.

The color ratio in the picture was also affected by the varnish coatings, which after Leonardo were applied to the surface of the masterpiece to ensure its better preservation, and they also created a cloudy effect. Now we are looking at the image of a lady who seems to shine through the thickness of sea water. The composition of the painting also underwent changes – two columns were completely lost, which were previously located on the sides of the main figure. But these architectural elements completely changed the perception of the composition, because thanks to them it was immediately clear that the heroine of the picture was sitting on the balcony of the track, and was not at all suspended in space, as it sometimes seems.

Laws of harmony

When creating a masterpiece, Leonardo naturally used the law of the "golden ratio" he discovered. All elements of the picture are located in a strictly defined way. They follow the law of divine, harmonious proportion. The figure of the Mona Lisa is correlated with the rule of the "golden triangle" with mathematical precision, perfectly matching all parts of the regular star pentagon. From the point of view of the viewer, which distinguishes surrounding objects in form, this is very important, although not recognized by the person himself.

Very often, intuitively, we find attractive and are attracted to those forms that obey the law of proportion. Ancient sages and masters knew this, and modern scientists have proved experimentally. This law is valid not only for painting, but also for psychology, industrial design. The creation of forms and images for modern advertising is based on the law of harmony, we just don’t know about it and don’t think about it.

The magic of true art

You can write a lot about the magic and incredibility of Leonardo’s masterpiece, but words are just words, to understand what “Mona Lisa” is, you need to see it. Just by looking into her eyes, you can feel everything that art critics, critics and ordinary people write about her.

Infelizmente, photographs and reproductions erase life from the face of the Mona Lisa, and the magic of her image disappears without a trace. Photography gives only a general idea of ​​the work, it is only a hindrance for those who want to enjoy communicating with living creations. Photography is only a mediator, like any reasoning about a masterpiece of numerous art historians. Not a single book will tell you about what the stationary Gioconda will personally tell you. As the great creator of the picture himself said:"Who can go to the source, should not go to the jug." No knowledge will help to feel, in communication with true, living works of art you need only your own mental sensitivity. In a meeting with "Mona Lisa" everyone will have to look for a clue to her secret. It’s proven that in different people it evokes a variety of feelings and associations, someone revives personal memories, someone suggests. Some Sure that it is sad, others that pensive, the third it seems crafty, and even sinister to someone. Nós vamos, someone will decide that she does not smile at all, and all her mystical mystery is fiction.

Reflection of the great Leonardo

A popular fact is that when Leonardo’s self-portrait is applied to the image of Mona Lisa, the upper part of the face will almost completely coincide with a scientific point of view. Art historians say that as the Creator put his soul into man, the painter puts a part of himself in his creation. Feeling how incredibly strongly he is literally connected with each of his own works, Leonardo da Vinci repeatedly argued that “the created figures very often resemble their masters. This happens because our judgment is what moves our hand in creating all the outlines of this figure. ”

Looking at a work of art, the observer not only sees what is depicted on it. The most important thing that happens is that he comes into contact with the inner world of the painter and recognizes himself. Perhaps, Portanto, the restrained, almost ephemeral smile of Gioconda has been exciting the hearts and minds of people with its incomprehensibility for so much time? It senses all the wisdom of knowledge of the true nature of surrounding objects, accumulated by Leonardo da Vinci. Perhaps, through his beloved brainchild, the artist himself looks at us with a slight grin. It seems that all the experience of the world, embodied in the form of a woman, is collected in this small portrait. To penetrate into the secret of the Mona Lisa is the same as to comprehend the genius of its creator.

And in Rome, and in Milan, and in his last refuge, the French Amboise, Leonardo never parted with this canvas. And after his death, he bequeathed "Mona Lisa" to his assistant and student, who soon sold the painting to the ardent admirer and last patron of the master, the French king Francis I.

Entire generations of monarchs admired the painting at Versailles, until Louis XV ordered to move it to the vault of the palace. After the French Revolution, Napoleon moved the masterpiece to his private bedroom in the Tuileries Palace. Later, "Mona Lisa" came to the museums of Napoleon in the Louvre. Where she was abducted from on August 21, 1911. The kidnapper was an Italian who immeasurably revered the works of a great master, named Vincenzo. He dreamed of returning the canvas to the artist’s homeland and for almost three years hid a masterpiece in his own house. All this time, until his return to the Louvre, the Mona Lisa did not leave the covers of magazines and newspapers around the world. Então, already at the beginning of the 20th century, “Mona Lisa” became the most recognizable work in the history of world art, and debates and discussions about it continue to this day.

Look at yourself

Renaissance artists used to place the image of themselves somewhere in the depths of the paintings on which they worked. Perhaps Leonardo was no exception and portrayed himself in the role of a young shepherd in the preparatory drawing for the painting “Adoration of the Magi”. Among other things, it is believed that he often captured his features in order to study the proportions of the human face. No entanto, all this is only speculation, which has no indisputable evidence. The only portrait of the artist whose authenticity is beyond doubt is “Self-portrait” (Royal Library, Turin), painted around 1515, measuring 33 x 21 cm, which is now printed in every illustrated publication dedicated to the life and work of Leonardo da Vinci.

One of the artists of the 16th century, Giovannp Lomazzo described him this way:"His head was covered with such long hair, and his brows were so thick and his beard so impressive that he seemed to be a true personification of the noblest scholarship that the ancient Prometheus and Druid Hermes used to be."

The master created his “Self-portrait” when he was already about sixty years old. Leonardo spent his whole life studying the world around him, nature and people, and now that his creative and life path was drawing to an end, the moment came to look at himself. The artist did this not just as they look in the mirror, but looked at himself from the perspective of an artist who can penetrate the deep essence of things and with confident movements of his hand capture what he sees and knows on a flat surface of a sheet.

This self-portrait, better than anything else, exposes the master not only to others, mas, em primeiro lugar, to himself. Leonardo sketched a few lines with a piece of red sanguine, but it seems he could not be more honest. Only youth is the time for narcissism, maturity is no longer needed. Before us appears a man with the gaze of a sage, his features are harsh and at the same time calm. His image does not look like a weary old man, but rather a genius with incredible inner strength, whose soul is still full of passion. Leonardo is serious, focused, and as if full of determination. This quick drawing was able to convey the finished image, to which there is nothing more to add. The fate of the picture for a long time was not known. It was discovered only at the end of the 19th century, when the Italian monarch Karl Albert of Savoy bought it from an unknown collector and transferred it to the Royal Library of Turin for storage.

The great Leonardo da Vinci died on May 2, 1519. Centuries later, the master remains a symbol of the unlimited aspirations of the human mind, a creator, a genius and a seer, endowed with almost superhuman abilities. All attempts to penetrate the secrets that the artist left as a legacy to people are akin to the desire to understand the essence of art itself, as the highest manifestation of man.

Zhuravleva Tatyana