Pierre Auguste Renoir (1841-1919)

p 25 de fevereiro, 1841 na cidade de Limoges, no sul da França, o quarto filho nasceu na família do alfaiate - um menino chamado Pierre Auguste. Alguns anos depois, toda a família Renoir mudou-se para Paris. Desde a infância, Auguste foi distinguido por excelentes habilidades de desenho, bem como uma voz magnífica.

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Pinturas de Pierre Auguste Renoir

p O chefe do coro da igreja, onde o jovem Renoir cantou, até aconselhou seus pais a pensarem sobre a carreira musical de seu filho (a propósito, foi Charles Gounod, que mais tarde escreveu a famosa ópera Fausto). Mas a família do futuro artista não era rica, e seu pai viu um futuro diferente para seu filho - o trabalho prestigioso e bem pago do artista na China.

p Então, em 1854, aos treze anos, Auguste entrou na fábrica de porcelana. O jovem gostou desta profissão, ele aprendeu rapidamente e começou a pintar xícaras e pires, e então serviços inteiros. Ao mesmo tempo, o jovem costumava ir ao Louvre, onde ele pintou, inspirado por esculturas e pinturas antigas do artista rococó François Boucher, que escreveu cenas de gênero light. Hora extra, Renoir começou a copiá-los em pinturas de porcelana.

p O jovem ganhava um bom dinheiro para sua idade. Para avançar em sua carreira, ele entrou em uma fábrica de porcelana, onde ele começou a pintar sob a orientação de um escultor e um colega em uma fábrica de porcelana, que previu um futuro brilhante para ele no campo da arte.

Juventude do artista

p Infelizmente para o jovem Renoir, mas felizmente para todos os outros, o progresso tecnológico do século 19 foi marcado por uma rejeição quase total da produção manual. A pintura em porcelana foi suplantada por desenhos impressos. Compradores e proprietários de oficinas foram atraídos pelo fato de o equipamento de impressão garantir a produção exatamente dos mesmos produtos. Hora extra, a pintura à mão deixou de ser valorizada.

p O jovem, desesperado no início, tentei pintar produtos com grande velocidade, o que não lhe trouxe sucesso. Como resultado, ele teve que procurar outros ganhos. Chegou a hora do trabalho temporário com o constante desenvolvimento de várias técnicas. Renoir pintou pela primeira vez leques e paredes de cafés parisienses, então, acidentalmente, conseguiu um emprego como mestre de cortina. A propósito, ele dominou essa técnica com perfeição e novamente começou a ganhar um bom dinheiro, mas o artista não queria descansar sobre os louros, já que essa ocupação definitivamente não era o limite de seus sonhos. Renoir reservou todo o dinheiro que ganhou em um novo sonho - pintar em uma escola especial na Academia de Artes.

p No final de 1862, Auguste Renoir realizou seu desejo acalentado e ingressou na Escola de Belas Artes de Paris. Lá ele acabou no estúdio do artista Charles Gleyre, aderindo ao estilo acadêmico. O jovem já tinha uma experiência considerável, mas, conscienciosamente, assistia a todas as aulas e estudava desenho acadêmico. Contudo, Glair imediatamente não gostou da maneira como Renoir trabalhava com as cores:mesmo assim, o artista usava cores brilhantes e suculentas, o que não foi bem recebido no meio acadêmico. Uma vez, o professor até expressou temor de que seu aluno amoroso não se tornasse o segundo Delacroix - o principal representante do romantismo francês, que trabalhou lindamente em cores e é um verdadeiro ídolo de Renoir, mas quem, aos olhos dos artistas acadêmicos, é um antigo "apóstata". Auguste não era o único jovem artista na oficina de Gleur, que tentou se rebelar contra a maneira acadêmica e encontrar seu próprio novo caminho. Ele logo se tornou amigo de Claude Pug, Alfred Sisley e Frederick Bazil, que teve uma visão muito próxima da pintura e discutiu acaloradamente as possibilidades de seu renascimento, pelo qual eles entenderam a libertação das algemas do academismo. Um pouco mais tarde, Camille Pissarro juntou-se a eles.

p O treinamento não durou muito, apenas um ano depois, Renoir foi forçado a deixar a escola de pintura, porque ele não podia mais pagar por isso. Ele substituiu as aulas da oficina por trabalhos ao ar livre, junto com seus novos amigos, que logo também concluíram inesperadamente sua educação artística devido ao fato de que a oficina foi fechada. Todos os camaradas de Renoir eram semelhantes não apenas em seu desejo de mudar o mundo da arte, mas também porque dificilmente poderiam encontrar meios de alimentação e materiais para o trabalho.

p Em 1866, Renoir escreveu uma de suas primeiras naturezas mortas, “Natureza morta com um grande vaso de flores” (Museu de Arte de Vogt, Cambridge), escrito no estilo das naturezas mortas holandesas e dando uma impressão alegre com suas cores brilhantes, mas delicadas e ao mesmo tempo ricas. No mesmo ano, ele cria a pintura "Pousada da Pousada de Anthony" (1866, Museu Nacional, Estocolmo). Ao contrário de naturezas mortas em flor, o esquema de cores deste trabalho é bastante escuro, com uma cor preta dominante. A expressividade visual é baseada no contraste:os trajes pretos dos visitantes da taverna enfatizam as toalhas de mesa brancas como a neve, e também forte contraste com os pontos brilhantes dos trabalhadores de colarinho branco, o avental da atendente, o chapéu leve de aba larga de um dos heróis e o cachorro branco deitado sob seus pés.

p O trabalho demonstra vividamente a habilidade e os princípios de Renoir na construção de uma composição com a ajuda da cor:uma toalha de mesa branca como a neve está envolvida em um anel que consiste em figuras pretas, que são impedidos de se fundir na massa geral intercalando acessórios brancos. A aplicação de manchas brancas literalmente “em um padrão quadriculado” confere uma harmonia particular à distribuição das cores. O quadro caracteriza o artista como um maravilhoso pintor de retratos e um magnífico mestre da natureza morta:toda a mesa foi feita com grande habilidade, os restos de comida e utensílios são extraordinariamente realistas.

p Um ano depois, o artista pinta um retrato de sua amada namorada Lisa Treo, quem Renoir conheceu por mais de sete anos, mas nunca se casou. No fim, Lisa terminou seu relacionamento e, apenas alguns meses depois, casou-se com um jovem arquiteto.

p No entanto, a pintura "Lisa" (1867, o Museu do Folkwang, Essen) foi aceito para participação no Salão de 1868, onde foi positivamente apreciado pelo público, que foi um grande sucesso para o artista ainda desconhecido. Na foto, a menina é retratada em pleno crescimento, ela está usando um vestido branco, protegido por uma larga faixa preta e um guarda-chuva preto do sol. O vestido leve da menina parece estar inundado de sol forte, e o brilho da luz joga nos ombros e rosto da heroína, coberto com um guarda-chuva. Este delicado jogo em preto e branco continua no tronco de uma bétula, que está atrás das costas de Lisa e na grama a seus pés, onde sombras escuras marcam nitidamente as áreas iluminadas pelo sol.

p Em 1867, Renoir criou outra pintura, para o qual Lisa Treo posou para "Diana, a Caçadora" (Galeria Nacional de Arte, Washington). Devido aos princípios morais da época, o artista não poderia retratar uma mulher moderna nua, então ele colocou um arco de caça em suas mãos e deu à imagem um nome mitológico, que deu ao seu trabalho o direito à existência oficial, evitando o escândalo causado pela pintura de 1863 “Café da Manhã na Relva” ”Eduard Manet.

p O artista, que estava profundamente interessado no gênero do retrato, muitas vezes escreveu seus amigos impressionistas, retratando-os em uma atmosfera familiar durante as atividades diárias, combinando assim o retrato com a pintura de gênero e criando fontes documentais que nos contam sobre a vida dessas pessoas.

p A pintura “Retrato de Frederic Bazil” (1867, Museum d'Orsay, Paris) nos mostra um jovem Bazil ocupado, claro, quadro. O artista, virou-se para o visualizador de perfil, está focado em seu trabalho. Estilisticamente, o trabalho de sorrir de forma surpreendentemente perfeita, em parte devido ao esquema de cores quase monocromático. Assemelha-se a uma elaborada fotografia em preto e branco em que os volumes são modelados em claro-escuro. Um ano depois, Renoir cria um par de "Retrato de Alfred Sisley com sua esposa" (1868, Museu Wallraf-Richartz, Colônia). Na tela, vemos o quão enfatizado Sisley é para sua jovem esposa. Toda a sua postura expressa sua prontidão para servir, apoiar e ajudar uma mulher, bem como seu amor e ternura por ela. O jovem casal retratado na tela, como se exalasse a luz da felicidade e do amor.

p A obra de Renoir, "Mulher Argelina" (1870, Galeria Nacional de Arte, Washington) foi uma homenagem ao deleite de Eugene Delacroix. Iniciar, o artista retratou sua Lisa na imagem de uma odalisca, um brilho, mulher oriental luxuosa, reclinando-se languidamente em travesseiros, vestida com vestidos magníficos e acenando para si mesma. Nesta tela, Renoir parece se deleitar com as cores. A figura de uma heroína reclinada ocupa quase todo o espaço da tela, parece que falta ar à imagem.

Compromisso com o impressionismo

p Auguste Renoir muitas vezes trabalhou junto com outro representante proeminente dos jovens impressionistas, Claude Monet. Artistas pintados da mesma natureza, observaram luz e sombra na natureza, e estudou as possibilidades da paleta em transmitir esses efeitos. Um exemplo de sua união são as famosas pinturas “Frogs” - pinturas pintadas não apenas de uma natureza, mas também com o mesmo nome. O enredo das pinturas é simples - um café flutuante com uma plateia divertida no fundo de barcos de madeira esperando por seus passageiros.

p Renoir, um otimista por natureza, através de todo o seu trabalho carregou o amor de exibir as férias da vida, dançando ou descansando senhoras e senhores. A artista tentou não prestar atenção ao lado negro da vida, ele acreditava sinceramente que a arte deveria proporcionar às pessoas momentos maravilhosos de prazer, e não cumprir o papel de edificação ou ensino enfadonho.

p O Renoir “The Frog” (1869, o Museu Nacional, Estocolmo) à primeira vista parece um esboço, mas não é uma obra acabada, o recorte da cena é como se fosse aleatório. Até certo ponto, foi assim, a cena é representada exatamente como o artista a viu, sem uma composição sofisticada e cuidadosa, balanceamento de planos e construção de perspectivas.

p O artista buscou um objetivo completamente diferente - capturar e transmitir a atmosfera divertida e despreocupada em um dia quente de verão, para capturar o brilho da luz na água, reflexos solares em vestidos de senhora (embora essas senhoras possam ser chamadas de alongamento:a maioria das heroínas da foto são donzelas de comando fácil, habitante de um café de reputação duvidosa). Trabalhar com a natureza viva exigia pintar em um tempo muito curto, Portanto, Renoir e Monet trabalharam em uma técnica de escrita especial - com ampla, golpes rápidos, apenas indicando as figuras de pessoas e delineando os arredores, mas sem perder tempo escrevendo detalhes. Este novo estilo, por assim dizer, pintura não dita não era apreciada pelo público, e a maneira artística aparentemente descuidada dos jovens impressionistas foi criticada.

p Mas era precisamente na transmissão de sensações fugazes do estado de natureza que estava a essência do novo movimento da pintura. O impressionismo se originou ao ar livre. As constantes mudanças na iluminação foram muito importantes para quem, no futuro, no início serão irônica e abusivamente chamados de impressionistas. Este desejo incomum de transmitir impressões de um indescritível, a mudança da realidade traçou uma distinção clara entre seu trabalho e a pintura acadêmica "morta".

p A pintura acadêmica clássica existia apenas no contexto de um estreito espectro da mitologia, assuntos religiosos e históricos, sem reconhecer as imagens da era moderna. Era a arte da idealização, introduzindo uma ordem interna artificial e uma estrutura clara em tudo. Objetos e coisas em naturezas mortas, paisagens e retratos foram retratados como idealizados, e não como eles são realmente vistos pelo olho humano. O sonho dos impressionistas era retornar a pintura à vida real. Jovem Renoir, depois que Monet começou a escrever ao ar livre, uma vez que apenas tal método permitia a transmissão da luz solar natural, dando à imagem aquela espontaneidade que se perde irreversivelmente ao trabalhar na oficina de memória. Foi a luz que se tornou a principal “protagonista” de suas pinturas. Contudo, ao contrário de Monet, Auguste Renoir estava mais interessado na figura humana colocada neste ambiente mágico de luz e ar do que na própria natureza.

p Em outro trabalho, A Nova Ponte (1872, Galeria Nacional de Arte, Washington), Renoir nos aparece como um mestre virtuoso do Vedut (paisagem urbana), pronto para escrever cuidadosamente os detalhes arquitetônicos e construir uma perspectiva meticulosamente. Já existe um estilo de escrita mais suave, e a construção de volumes é feita usando linhas, um desenho auxiliar. No entanto, a paisagem urbana com sua ponte larga e um público passeando é visível como se estivesse em uma névoa, todos os contornos dos elementos arquitetônicos e figuras dos personagens são desprovidos de contornos claros, todas as linhas são muito suaves. O artista capturou uma cidade banhada pelo sol e ar permeado de luz.

p O retrato de seu amigo e colega Monet Reads (1872, Museu Marmotin, Paris) foi feito por Renoir em cores escuras, tornando-o quase monocromático. No entanto, a imagem do amigo do artista ficou muito viva, ele mostrou a Monet exatamente como ele o via todos os dias:de chapéu, com um jornal novo e um cachimbo na boca.

p Renoir estuda os efeitos da iluminação, mostra as áreas destacadas e sombreadas do rosto de Monet e os jornais em suas mãos. Diluindo com maestria a cor escura geral da tela com tons quentes nas mãos, o liceu nas costas da cadeira, bem como a cor branca do jornal. Assim, o artista consegue uma composição harmoniosa, construído em cores. O tecido do traje é quase misturado com um fundo escuro, como se absorvido pelo crepúsculo circundante. Foi esse efeito que o pintor procurou transmitir a atmosfera da leitura tardia, com pouca luz.

p A foto de 1872 "Retrato da esposa de Claude Monet no sofá" (coleção particular, Lisboa) tornou-se invulgarmente vívida e impressionante. A jovem Camilla Monet (nee Donsier) está sentada no sofá com um lindo vestido azul, ela posa nua para o artista, como se se permitindo desenhar favoravelmente. Aqui, Renoir não tenta descrever cuidadosamente os arredores, ele apenas transmite uma sensação de calma e liberdade da jovem dona de casa, que arranjou tempo para descansar à tarde.

p Como um verdadeiro conhecedor da beleza feminina, o artista admira abertamente a juventude e o frescor da heroína da tela. Como se estivesse em um esboço, Renoir apenas descreve os apoios de braço do sofá, um dos quais está descansando em Camille, e uma mesa de chá com uma xícara na borda. É devido à falta de um padrão geométrico no sofá e de linhas claras que delimitem seu desenho, o sofá parece excepcionalmente macio. Os contornos dos objetos são desfocados, que confere à atmosfera da sala um efeito de extraordinária leveza e leveza, como se Renoir mostrasse uma espécie de ambiente intangível de luz solar que une todos os objetos da sala. E apenas o cabelo preto de Camilla, sobrancelhas e olhos se destacam contra o fundo claro geral, atraindo a atenção do espectador.

p No início dos anos 70, Renoir passou muito tempo perto de Paris, em Argenteuil, onde Monet viveu durante este período, amigos muitas vezes trabalharam juntos, um de seus assuntos favoritos era velejar no Sena. Esta obra é dedicada à obra “Regata perto de Argenteuil” (1874, Galeria Nacional de Arte, Washington). Na pintura, o artista novamente usou o estilo de contorno de escrita com a ajuda de traços largos. Só esse estilo nos permitiu capturar a paisagem, para capturar o estado momentâneo de natureza variável.

p O céu na imagem é pintado de forma excepcionalmente dinâmica, com nuvens rosa rasgadas, como se absorvendo toda a luz do sol. Parece que está virando no Sena, refletindo o padrão das nuvens e as velas brancas dos barcos, que por sua vez absorvem os reflexos da iluminação celestial e ficam rosados. Renoir pinta um quadro não com linhas, mas com manchas coloridas.

p A composição da pintura “Path in the Tall Grass” (1874, Museus d'Orsay, Paris) é muito semelhante à paisagem “Poppy Field at Argenteuil” (1873, Museum d'Orsay, Paris) por Claude Monet. Auguste Renoir retrata pessoas caminhando ao longo de um caminho se afogando na grama alta. Como Monet, para criar uma sensação de movimento, a artista repete as figuras de pessoas no alto e na base do morro.

Teatro e nudez

p Como muitos artistas, Renoir foi atraído pelo teatro. Aqui você pode encontrar uma variedade de cenas para pinturas, observe milhares de pessoas com seus personagens e destinos, observe coisas curiosas e cenas incomuns. O pintor está interessado tanto no público, localizado no auditório, e os atores, cuja vida vibrante passa do outro lado da rampa.

p Uma das obras de Renoir na cena do teatro - The Lodge (1874, Galeria do Instituto Curto, Londres) foi apresentada pelo artista na primeira exposição impressionista, sensacional e fracassado, que foi organizado no mesmo 84º ano no estúdio do fotógrafo Nadar. A foto era um retrato duplo de uma senhora e um cavalheiro que estavam sentados em uma caixa, esperando o início da performance. Uma mulher olha direta e calmamente para o espectador, seu companheiro, pelo contrário, senta-se recostado e procura alguém pelo binóculo no meio da multidão. A senhora está um pouco triste, e o cavalheiro, parece, esqueceu-se completamente de sua presença. A figura da heroína é mostrada mais perto do primeiro plano da imagem, seu rosto está bem iluminado e como se procurasse um diálogo com o espectador, o herói é removido tanto do observador quanto de seu companheiro no crepúsculo da caixa. O artista foi capaz de simplesmente colocar acentos semânticos na composição usando o jogo de luz e sombra.

p A exposição da mesma mostra impressionista contou com a presença de mais duas obras da artista:“Dançarina” (1874, Galeria Nacional de Arte, Washington) e “parisiense” (1874, Museu Nacional de Poços, Cardiff).

p O quadro "Dançarino" mostra-nos uma jovem bailarina com um vestido azul claro. Ela fica na 4ª posição livre, nos lembrando um pouco da obra de Edgar Degas, que criou muitas pinturas sobre o tema favorito do teatro. Contudo, todas as heroínas de Degas são capturadas em uma dança ou arco, eles nunca posaram para ele. Degas os pintou - como os paparazzi estão filmando agora - capturados em um momento inesperado em uma perspectiva aparentemente aleatória, sem se concentrar na psicologia.

p Auguste Renoir trabalhou de forma diferente. Em sua tela, o dançarino não é retratado na dança e não em uma imagem de palco, mas como se estivesse no papel de si mesma. Um papel importante no retrato é desempenhado por uns olhinhos tristes e pela atratividade de uma jovem, sua apreensão e ternura. A imagem se distingue por tons pastel e contornos suaves - em contraste com as obras nitidamente definidas de Degas, que sempre utilizou a linha como principal ferramenta expressiva.

p Quando se trata da próxima pintura do mestre - “Parisiense”, muitos historiadores da arte citam as linhas de Alexander Blok, que ele escreveu mais de trinta anos após a criação da tela:

p “E todas as noites, na hora marcada,
(Ou sou apenas eu sonhando?)
O acampamento de uma menina, capturado por sedas,
Em uma janela embaçada se move.
E lentamente, passando entre os bêbados,
Sempre sem satélites, sozinho,
Respirando perfumes e névoas
Ela se senta perto da janela ... "

p A parte superior do corpo da jovem está claramente delineada, enquanto a saia leve de seu vestido parece ser costurada de tecido arejado. Assim, o artista atinge o efeito favorito da existência da figura em um ambiente especial de luz, graças a que a heroína parece sair da névoa. O apelo encantador da imagem é alcançado pelo fato de que esta enevoada Mademoiselle indescritível está completamente aberta para o diálogo com o espectador.

p O ano seguinte, Renoir cria sua famosa pintura “Naked in the Sunlight” (1875, Musee d'Orsay, Paris). A ideia inovadora do artista era escrever nudez na natureza, mostrando como o brilho do sol e os reflexos das folhas de uma árvore brincam em sua pele delicada. A ideia não era ruim e, além disso, verdadeiramente impressionista. Contudo, o resultado causou forte rejeição por parte da crítica e do público. De acordo com os cânones da pintura tradicional, um corpo feminino nu tinha que ser escrito idealmente, tendo criado uma pose "encenada" espetacular do modelo, e sua pele deve ser perfeitamente lisa e exclusivamente em tons quentes. Renoir, em vez de pele lisa, mostrou brilho e reflexos, que os revisores chamaram de manchas cadavéricas no corpo em decomposição.

p Em 1876, o pintor cria outra tela sobre o assunto. Na pintura "Nu" (Museu Estadual de Belas Artes Pushkin, Moscou), Renoir se mostrou um verdadeiro conhecedor da beleza feminina. Ele literalmente admira seu modelo, como se acariciasse seu corpo com uma escova. Desta vez, ele pinta sua jovem pele perfeitamente suave e exclusivamente com tons de rosa. Em termos de composição, a obra lembra o quadro “O Banhista” de Jean Auguste Dominique Ingres (1807). O artista voltará mais tarde para Ingres (que, aliás, foi um exemplo para Edgar Degas) ao repensar seu próprio caminho criativo.

p O mestre participou regularmente de exposições subsequentes dos impressionistas. No terceiro deles, em 1877, entre outras obras, ele apresentou o baile no Moulin de la Galette e Swing.

p O motivo do swing era incomum para a pintura francesa do século XVIII; na verdade, estava ausente. Não se sabe o que exatamente levou Renoir a esta trama, mas há evidências de que ele estava familiarizado com a pintura de mesmo nome de Fragonard, que o escreveu como uma "cena galante", que tem um significado oculto, cercado por perspectivas atraentes que se abrem para o cavaleiro sentado no chão sob as saias balançando ao vento, balançando ao vento, jovens senhoras. “Swings” (Museu d'Orsay, Paris) de Renoir, escrito em 1876, são essencialmente a mesma "cena galante", emprestado da era do Rococó, mas escrito em um enredo moderno e sem uma conotação frívola.

p Na tela, vemos um jovem de costas para o espectador (o que é inaceitável na arte tradicional em si), ele sacode levemente uma menina pensativa que está em um balanço de madeira. Perto estão um homem e uma menina, olhando carinhosamente e com confiança para uma senhora. A propósito, as imagens das crianças ocupam uma página separada em toda a obra do artista, mas mais sobre isso mais tarde.

p A pintura geral "Baile no Moulin le la Galette" (1876, Museu l’Orsay, Paris) foi pintada na colina de Montmartre, em Paris, no qual naquela época ainda havia três moinhos de madeira preservados. Em um deles estava localizado o restaurante "Moulin de la Galette", famosa por deliciosas costeletas (moulin - moinho, galette - costeleta). O restaurante oferecia bailes regularmente, que reuniu o mais diversificado público parisiense, entre os quais estavam jovens artistas.

p Esses lugares eram ideais para Renoir, que adora escrever suculento, brilho intenso de luz, dançando em vestidos de senhora e ternos de seus senhores. A artista adorava transferir para as telas cenas de festivais da vida e da juventude despreocupada, caracterizado por uma atmosfera excepcionalmente alegre e brilhante. Suas telas representando o público local são uma espécie de documento da época:eles capturaram para sempre este canto de Paris, onde a classe média da época se divertia. O artista dedicou uma grande tela a uma trama tão cotidiana que era extremamente incomum para a época.

p Por muito tempo, as pinturas do artista não estavam à venda, como o público se recusou a reconhecer o impressionismo como arte. No entanto, as exposições permitiram fazer contatos úteis. Por eles, Renoir recebeu várias encomendas de retratos que ajudaram o pintor de alguma forma a sobreviver. Agradável e lucrativo para o artista foi um encontro com os cônjuges Charpentier. O fato é que Madame Charpentier tinha seu próprio salão em Paris, em que um público interessante se reuniu:escritores, artistas, poetas e artistas. Foi aqui que Renoir conheceu a atriz Jeanne Samari, a quem dedicou três retratos.

Talento de retratista

p Incrivelmente escrito, animado e lírico “Retrato de Jeanne Samari” (1877, o Museu Pushkin de Belas Artes, Moscou) demonstra a abordagem não convencional do artista para construir a composição. A jovem atriz se apóia no queixo com a mão, como se estivesse em uma conversa confidencial, seu olhar direto aberto se transformou diretamente nos olhos do observador, bem como a aproximação máxima da figura à borda, cria o efeito de contato próximo da heroína e do espectador. Graças a esta pose, o retrato tem um encanto inexprimível e causa muitas emoções positivas.

p Um ano depois, o artista cria outra tela com o mesmo nome (1878, o Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo). Iniciar, Renoir escreve novamente para Joana de Samaria, mas agora em pleno crescimento. A mulher está vestida com um vestido branco como a neve deslumbrante com uma cauda, extremamente adequado à sua figura esguia. Mas mesmo aqui, em um retrato cerimonial, a heroína entra em um diálogo com o espectador - sua pose é novamente direcionada para a frente, ela fica curvada ligeiramente, sacrificando uma postura orgulhosa e ombros retos, por causa deste contato. Seu olhar direto e aberto não deixa o observador, mas seus lábios entreabertos o atraem.

p No mesmo ano, Renoir escreveu "Retrato de Madame Charpentier com as crianças" (Museu Metropolitano de Arte, Nova york). A foto foi feita na maneira padrão de "salão", claramente para agradar a própria anfitriã. Duas lindas figuras infantis, retratado em poses diretas, transmitir perfeitamente o plástico infantil único, complementado por atributos angelicais - inchaço dos braços e pernas, delicados cachos de cabelo, dê à tela um charme especial. A composição geral da obra é novamente construída em cores:a decoração é representada em tons de castanho-avermelhado, e a figura de Madame Charpentier se destaca em seu contexto. A anfitriã está vestida com um vestido preto com um relevo branco contrastante no peito, uma anágua branca aparece por baixo da bainha, e a seus pés está um enorme São Bernardo em preto e branco. E nesta moldura em preto e branco retrata crianças em vestidos curtos azul claro.

p Renoir durante sua vida foi considerado um notável mestre do retrato. Ele conseguiu captar e transmitir o clima fugaz dos heróis da tela. Um exemplo notável de seu trabalho neste gênero é "The Girl with a Fan" (1881, Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo). O terno rosto pensativo de uma jovem com mechas escuras de cabelo caindo na testa está escrito com cuidado e suavidade, e os detalhes do banheiro, fãs, as mãos e o fundo são mais suaves, com contornos borrados. O plano de fundo da imagem, deixou sem elaboração, serve apenas para emoldurar a bela aparência da garota, sem distrair a atenção do espectador dos olhos escuros brilhantes, pele delicada e lábios entreabertos. A tela tem um efeito favorito de contrastes, manchas pretas e brancas alternadas, que o mestre costumava usar:seções brancas do leque - tecido escuro do vestido, colarinho branco - cabelo escuro da modelo. Esta ordem do xadrez concentra perfeitamente a atenção do espectador na tez delicada da modelo.

p Ao contrário da opinião de seus amigos impressionistas, Renoir decidiu participar do Salão anual. Era a única maneira de ele ganhar fama e contatos úteis. Graças aos esforços de Madame Charpentier, o Salão de 1879 aceitou duas pinturas do artista - “Retrato de Samari” e “Retrato de Madame Charpentier com Crianças”. Então Renoir finalmente se declarou. O público conheceu o pintor favoravelmente, e ele começou a receber regularmente novos pedidos. A partir de então até 1882, o artista não participou das exposições dos impressionistas. A situação financeira de Renoir melhorou tanto que em 1881 ele conseguiu fazer uma longa viagem à Argélia, Veneza, Roma e Pompéia.

p No mesmo período fértil, Renoir conhece Alina Sherigo, que era uma encarnação viva do ideal de beleza feminina do pintor. Alina começou a aparecer em muitas pinturas do pintor, começando com “Café da manhã dos remadores” (1881, Coleção Phillips, Galeria Nacional, Washington). Algum tempo depois, ela até se tornou sua esposa.

p A leve composição da tela “Remo Café da Manhã” foi pintada por Renoir com luz natural. O enredo do quadro é mais uma festa da vida tão querida pelo artista, com namoro de cavalheiros, juventude despreocupada, sorrisos de mulheres e as complexidades dos relacionamentos. A obra participou da sétima exposição dos impressionistas em 1882, junto com várias paisagens venezianas criadas pelo artista durante sua viagem à Itália. E apenas um ano depois, em 1883, realizou-se a primeira exposição pessoal de Renoir.

Reconhecimento e frustração de estilo próprio

p A fama do artista na década de 1880 já ultrapassou a França. O respeitado e respeitável Auguste Renoir começou a viajar com frequência. Em 1885, seu primeiro filho, o filho de Pierre, nasceu para o mestre e Alina. Logo a família mudou-se para a terra natal de Alina em Champagne. Em 1886, Renoir faz um retrato de sua esposa e de seu filho.

p A tela "Maternidade" (Museu de Belas Artes, São Petersburgo, Flórida) já está comemorando outras alegrias. As diversões despreocupadas do público parisiense ficaram em segundo plano, e toda a atenção da artista se voltou para as delícias da vida familiar e a felicidade da maternidade. A imagem é sentimental:uma jovem e gorda Alina amamentando um bebê gordinho em meio a um idílio rural. As proporções da mulher sentada na cadeira parecem um pouco encurtadas devido ao fato de que o artista a pintou de pé, e seu ponto de vista era superior ao do modelo.

p Hora extra, Auguste Renoir, um mestre do impressionismo anteriormente reconhecido, ficou desiludido com a maneira de escrever que desenvolveu. A sua insatisfação com a obra levou o mestre até à destruição de algumas telas criadas. Se desde o início de sua carreira criativa o pintor buscou inspiração e respostas às perguntas que o atormentavam nas pinturas de Eugene Delacroix, Jean Honoré Fragonard e François Boucher, que contribuiu para a formação de sua personalidade criativa, agora ele se voltou para o trabalho de Jean Auguste Dominique Ingres - um brilhante acadêmico e neoclássico, linha mestra, escrevendo belezas nuas sedutoras e retratos femininos invulgarmente suaves. Também, Renoir começou a usar a experiência de mestres da Renascença, cujas obras o conquistaram na Itália.

p Apesar da mudança de estilo, o artista permaneceu fiel ao mundo da alegria, beleza e felicidade brilhante. Ele nunca criou triste, filosófico, ou obras edificantes. Obras emparelhadas “Dance in the Village (1882, Museum d'Orsay, Paris), “Dança em Bougival” (1883, Museu de Arte, Boston), bem como “Dance in the City” (1883, Museum d'Orsay, Paris) tornou-se uma continuação lógica dos tópicos levantados pelo pintor nas obras dos anos anteriores. Todas as três pinturas nos mostram casais dançando deleitando-se com o movimento, música e como que continuando o tema da felicidade sem nuvens e da juventude da tela “Baile no Moulin de la Galette”.

p A pintura “Dance in the Village” traz de volta as memórias da primeira pintura “Retrato de Alfred Sisley com sua esposa”. In the new work we can see the same tenderness, care and emphasized courtesy of the gentleman hugging his lady. The pose of the dancing couple captivates with direct plasticity and clearly demonstrates the nature of their relationship:the man is tenderly in love with his partner, he is ready to do her best in every possible way, she bathes in his love and care, like in music, absorbed in dance and subordinating his movements to the leading force of the partner.

p "Dance in Bougival" demonstrates the departure from the impressionistic style of writing. She is still visible in the foliage of the trees and the background of the picture, but the girl’s dress and her gentleman’s costume are painted rather tightly and smoothly. The atmosphere of the work is close to the previous one, the same immediacy reigns in it, but with a touch of hidden feelings – the girl slightly bashfully looks away from her partner, who is trying to win her attention by all means.

p The partners of the film “Dance in the City” are much more restrained in their movements and expression of feelings. Exquisite costumes speak of their high social status. The girl keeps herself very straight, not leaning on the shoulder of her partner with a popular gullibility. Her posture is strict and meets all standards of etiquette. The heroine’s face is calm, it does not express the happiness and joy with which the heroine of “Dance in the Village” shines. The face of a young man is completely hidden from us.

p The painting "Umbrellas" (1881 -, National Gallery, London) became one of Renoir’s most famous works. It was started during the heyday of his passion for impressionism, and ended five years later, after the artist became acquainted with the work of Renaissance masters and rethought his own path in art. Female figures on the left side of the canvas are written more gently, while on the right side – a clear contour line appears. The picture densely filled with characters seems to lack compositional construction, but this is only at first glance. Among the randomly flooded figures of passers-by, the diagonal construction of the canvas can be distinguished:the first diagonal starts from the girl’s head in the right corner of the canvas, then is emphasized by the cane of the tilted umbrella and finally ends with the heads of the girl and the man standing behind her on the left.The line of the cane of the umbrella in the hands of the woman accompanying the girls indicates the second diagonal.

p "Umbrellas" became the last big picture of the artist, dedicated to the life of his modern city. The Renaissance art influenced the further selection of themes, which left its mark on the pictorial manner of Renoir. The master until the end of his life remained a singer and connoisseur of female beauty, mouth-watering forms, delicate skin and sparkling eyes. The canvas "The Big Bathers" (1887, Art Museum, Philadelphia) is a clear evidence of the influence of the great masters of the past. The presence of a contour drawing, classic draperies, delicately painted naked bodies of girls with delicate skin and the layout of their figures in space represent a clear pyramidal composition in the shape of a triangle.

p True, in the painting “After Bathing” (1888, a private collection), the smoothly painted naked body of a seated girl still has a hint of the artist’s former style. The shadows in the canvas remain impressionistic, colored, and its background is made with wide strokes. And the very picture of the body of the heroine is more soft than in the previous work.

Last years

p The artist still traveled a lot. In 1894, a second child appeared in the Renoir family – the son of Jean. And in 1897 a small incident happened. It did not portend in itself any problems. The artist unsuccessfully fell off his bicycle and broke his right arm. During recovery, the master learned to write with his left hand. But even after a complete healing of the fracture, Renoir did not leave constant severe pain. So began severe arthritis, which did not leave the artist for the next twenty years of his life, gradually fettering movements and facial expressions, twisting his fingers, and then completely causing paralysis. Alina did everything possible to save her beloved spouse, however, after each short-term improvement in his condition, relapses invariably occurred. Friends often came to visit the painter, Renoir himself did not stop working until the last day of his life. In 1901, his third son Claude was born, who became the most beloved model of an aging artist.

p Renoir paintings were exhibited at many exhibitions in Paris, New York and London. They brought him well-deserved fame. And in 1900, the artist became a holder of the Legion of Honor, and ten years later – an officer of the order.

p In 1909, the painter creates two more paired works:“Dancer with Castanets” and “Dancer with Tambourine” (both – National Gallery, London), in which a clear influence of Renaissance art is revealed. Plastic bodies, calmly contemplative expression, drapery and abstract background bring them closer in style to the frescoes of the great masters of the past. The works are very decorative, the figures of the dancers as if descended from an old frieze.

p The work "Gabriel with the Rose" (1911, Musee d’Orsay, Paris) is very different from the "classical" portraits of the master. The canvas palette darkened, the model does not dazzle with a sparkle of eyes and a radiant smile. But clearly more plastic study of volumes is evident. But it’s all early, it is obvious that the aging artist admires the smoothness and tenderness of the skin of his heroine (Gabrielle was a relative of his wife and helped her with raising children).

p With the outbreak of World War I, the elder sons of the Renoirs went to the front, both of them returned, but wounded. Alina tried her best to help her children, mas, not having endured the emotions, she died. Renoir continued to write in a wheelchair, overcoming severe pain in his entire body, until his death on December 2, 1919.

Zhuravleva Tatyana