Claude Monet (1840-1926)

p Em 14 de novembro, 1840 em Paris, um filho chamado Oscar Claude Monet nasceu na família do dono do armazém. Apenas cinco anos depois, toda a família do futuro artista mudou-se para a Normandia, para Le Havre. A partir dos 14 anos, Monet começou a ganhar dinheiro e fama desenhando desenhos animados.

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Pinturas de Claude Monet

p Aqui, em Le Havre, um jovem conheceu um pintor de paisagens e o original Eugene Boudin, que trabalhava de uma maneira muito estranha para aquela época - ele criava suas pinturas não no estúdio, mas diretamente ao ar livre.

p Monet rapidamente percebeu as vantagens do método Boudin - a imediação e a vivacidade da transferência da natureza para a tela. Desde então, isso é, desde cerca de 1856, a artista também começou a escrever ao ar livre. Mesmo assim, Claude Monet decidiu por si mesmo que dedicaria sua vida à pintura, apesar do fato de seu pai ter sua própria opinião sobre o assunto.

p Tendo decidido sua missão, Monet mudou-se para Paris, onde em 1859 ele ingressou na Academia Suisse. Lá ele conhece o realista Gustave Courbet, o grande romântico Eugene Delacroix e a impressionista Camille Pissarro. Verdade, depois de apenas um ano de treinamento, o artista foi enviado para a Argélia para o serviço militar, mas ele voltou para Le Havre antes do previsto por razões de saúde, e de lá ele imediatamente voltou para Paris.

Experimentos criativos e paixão por efeitos de iluminação

p Fatal para Monet foi a entrada no estúdio do então famoso pintor Charles Gdeir, em 1862. Foi lá que conheceu seus futuros amigos - Auguste Renoir, Alfred Sisley e Frederic Bazil, com quem ele iniciaria o movimento impressionista. A busca por novos caminhos na arte tornou-se o objetivo e a principal diversão de toda a empresa.

p Três anos depois, Monet escreveu a pintura “Café da Manhã na Grama”, cuja inspiração foi a escandalosa obra de Edouard Manet com o mesmo nome. Contudo, Monet não iria chocar o público com a imagem de personagens reais nus, como Manet fez. O jovem artista estava apenas procurando seu estilo. Já neste momento, ele começou a negligenciar a linha e modelou todas as formas usando manchas coloridas. O pintor, ainda na Normandia viciado em escrever na natureza, estava mais interessado nos efeitos da luz natural. O trabalho na orla da floresta deu ao jovem artista a oportunidade de observar como os raios do sol passam pela folhagem e caem em várias superfícies, cuja cor muda imediatamente, graças a esses reflexos e brilho da folhagem.

p Monet usou sua amante Camille Donsier como modelo para personagens femininas no trabalho, e os personagens masculinos da imagem foram escritos por Frederic Bazil. Essa empresa, que é definido para o café da manhã no colo da natureza, está apenas ocupado com sua conversa e não tem contato com o visualizador. O artista aparece aqui, como um observador despercebido, cavalheiros e damas não posam para ele. Só podemos admirar as dobras dos vestidos de senhora, suas costas se voltaram para nós. O rosto de um jovem sentado localizado no canto inferior direito da imagem também está voltado para o lado oposto ao do observador. Monet segue suas próprias leis, ele não estrutura claramente a composição, como uma encenação teatral. Quebrando a tradição de que a imagem em primeiro plano de um personagem de costas para o espectador era simplesmente impossível, o artista cria sua própria estética descontraída, livre de preconceito. Infelizmente, a imagem não foi preservada em sua totalidade, mas seus esboços despertaram grande interesse de muitos jovens artistas. No Museu de Moscou do Nome A.S. Pushkin é uma das opções de trabalho, criado em 1886.

p Outro exemplo do afastamento da pintura clássica é a pintura “Senhoras no Jardim” (1866, Musee d'Orsay, Paris), o layout do qual, com o corte de vestidos femininos, não me permitiria ser pintado de forma acadêmica. E Monet não teve medo de cortar a imagem livremente, dando a impressão de fragmentação, semelhante ao efeito de uma fotografia.

p Na tela, vemos uma cena típica de gênero, o centro semântico do qual é deslocado para a borda esquerda. O afastamento da tradição aqui se expressa no fato de que as senhoras que descansam à sombra das árvores se tornam parte integrante da paisagem florida, servindo como sua decoração, como lindas flores. As figuras femininas parecem fundir-se com a paisagem, seus vestidos se adaptam ao fundo das sombras dos troncos das árvores.

p O pintor está interessado não tanto em transmitir a individualidade das mulheres jovens, suas roupas ou atividades, mas ao transmitir o jogo de luz e harmonia na relação entre a natureza e o homem. Você pode julgar o quão insignificantes para a artista as próprias senhoras eram pelo fato óbvio de que todas as quatro jovens foram escritas a partir do mesmo modelo - a própria Camilla. O artista tentou disfarçar mostrando-nos o rosto de apenas uma senhora sentada na grama. A figura à esquerda é mostrada de perfil, a senhora ao lado dela cobre o rosto com um buquê, e a quarta heroína, que alcança os arbustos floridos, está completamente afastado do visualizador.

p No mesmo ano, uma das pinturas mais famosas de Claude Monet da década de 1860 foi pintada - "Uma Mulher em um Vestido Verde" (1866, Kunsthayle, Bremen, Alemanha). Na tela, vemos novamente Camilla Donsier. O pintor trabalha de maneira realista, ele usa um fundo escuro, em que o rosto de uma jovem, banhado pelo sol, se destaca brilhantemente.

p O nítido contraste das áreas iluminadas e sombreadas lembra o claro-escuro de Caravaggio. A imagem lírica e ao mesmo tempo muito íntima, não se destina à visualização geral:o mestre desdobra Camilla quase de costas para o observador, a própria modelo não procura poses espetaculares, deixando-nos apenas a oportunidade de examinar a bainha de seu vestido e o casaco de pele jogado sobre ele. O trabalho foi recebido positivamente pela crítica e pelo espectador, que trouxe fama ao jovem Monet.

p Um ano depois, Monet pintou um quadro com um tema muito semelhante. Tem-se a impressão de que uma mulher com um manto branco claro na pintura “Lady in the Garden” (1867, o Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo) é necessária à artista apenas como pretexto para materializar a animação da natureza a fim de lhe dar um estado habitável. A senhora novamente quase deu as costas para o observador, e o artista está interessado apenas na beleza da paisagem do meio-dia com suas cores brilhantes e longas sombras.

p O centro da composição é um canteiro de flores redondo com flores vermelhas, em que uma árvore está. A mulher retratada, quem, em teoria, é o centro semântico do trabalho, é colocado próximo à borda da imagem. A senhora serve como ponto mais à esquerda a partir do qual começa a diagonal composicional da obra, mais apoiado por uma árvore no canteiro de flores e outra árvore representada à direita. O ritmo da composição é determinado pelas verticais da figura feminina e de ambas as árvores, bem como as sombras estreitas lançadas por eles no verde da grama.

p Em 1867, Camille Donsier, deu à luz o filho do artista Jean, e um pouco mais tarde tornou-se sua esposa. No mesmo ano, a pintura “Jean Monet no Berço” (coleção particular) foi pintada. Aqui, ao contrário de muitas pinturas do autor, o centro da composição está claramente marcado; é um berço decorado com um dossel pendurado sobre a cabeceira da cama. Vemos uma mãe perto do berço - isso faz com que a imagem pareça cenas de gênero populares na pintura holandesa. Contudo, O ombro direito e as costas de Camilla são cortados pela borda da imagem, indicando o significado de outro personagem da obra - um filho coberto por um cobertor.

p O gênero de natureza morta não era o favorito de Monet, mas, no entanto, ele se dirigia a ele de vez em quando. A pintura "Natureza morta com frutas e uvas" (1867, coleção particular) se distingue por um estilo de escrita mais suave do que as obras paisagísticas do mestre. Um fundo escuro opaco é muito raro nas telas de Monet, mas nele, maduro, até frutas ligeiramente maduras parecem especialmente vivas e críveis. Nesse trabalho, o artista, como sempre, está mais interessado na natureza e nos efeitos da luz.

p Mas as flores, o artista que os amou apaixonadamente, preferiu pintar na natureza. Flores de corte de imagem foram uma exceção rara, um exemplo disso é a pintura "Flores e frutos" (1869, Museu Paul Getty, Los Angeles, Califórnia). Aqui, o mestre inicialmente usou um fundo escuro, mas posteriormente o abandonou. Tendo construído uma natureza morta, Monet corta facilmente uma boa metade de uma cesta de vime, frutas na mesa e pétalas de girassol, que também viola todos os cânones da pintura acadêmica, cuja vocação sempre foi considerada a imagem do objeto em seu melhor lado.

p No início de sua carreira, Claude Monet sofreu gravemente com dificuldades financeiras, o que quase o levou ao suicídio. Na década de 1860, a precária situação financeira do artista obrigou-o a deslocar-se constantemente de um local para outro. A partir de 1869, Monet estabeleceu-se no subúrbio de Bougival, em Paris. Auguste Renoir costumava vir a ele aqui, juntos eles trabalharam muito na natureza, capturando as mesmas vistas e desenvolvendo sua própria técnica de pintura.

p Amigos olharam para a face da natureza, notaram até mesmo pequenas mudanças na iluminação e no movimento do ar que os interessaram mais. O desejo de capturar os estados instantâneos de uma natureza em constante mudança, vivendo de acordo com suas próprias leis, uniu jovens artistas. Eles observaram cuidadosamente como as mesmas paisagens foram transformadas dependendo da hora do dia, condições atmosféricas e a natureza da iluminação:as sombras aumentam e engrossam, o brilho do sol joga nas folhas e na água, e ondulações se formam na superfície parada do rio.

p Em 1869, os artistas pintaram suas famosas pinturas de mesmo nome com vista para o café no Sena perto de Bougival e a piscina próxima. As pinturas foram chamadas de “The Frog” (Museu Metropolitano de Arte, Nova york). Em sua versão da obra, Monet desenvolveu uma técnica de escrita individual, uma nova maneira de aplicar traços, o que permite transferir rapidamente para a tela as sensações do que viu, que os críticos consideraram extremamente negligente. De fato, do ponto de vista do pintor de salão, a tela dá a impressão de um inacabado, esboço executado com fluência, em que os objetos são apenas marcados, e muito rudemente. Não há idealização característica da arte acadêmica. Mas Monet evitou isso de forma totalmente consciente. O artista sempre escreveu o que viu no momento, tentando “pegar” a realidade congelada que foi congelada por apenas um instante, e para tal precisava de equipamento rápido.

p Como a maioria dos impressionistas, Monet escreveu em cores puras, sem recorrer à mistura de cores em uma paleta. Ele evitou os tons e meios-tons adotados na pintura tradicional. Em vez de, o artista aplicou densamente traços de certas cores na tela, e em combinação, eles deram diferentes tons à percepção do olho humano. A ideia dessa pintura foi baseada nas descobertas do físico francês Eugene Chevreul no campo da óptica. Em particular, verificou-se que a cor dos objetos não é um fato objetivo certo, mas sim depende da luz cujos raios são refletidos deles. Isso serviu de justificativa para a rejeição total pelos impressionistas do preto e de sua criação de realces e sombras “coloridas” nas superfícies claras de suas telas.

p A pintura “Terraço em St. Andress” (1867, Museu Metropolitano de Arte, Nova Iorque) distingue-se pela ausência de uma construção promissora de um espaço comum para a arte europeia. Por causa disso, parece que o mar paira sobre um terraço ensolarado. A ideia de tentar abrir mão da perspectiva de Monet foi apresentada pela pintura tradicional japonesa que se popularizou na Europa. No primeiro plano da imagem está um terraço florido, em que senhoras e senhores se escondendo do sol quente de verão sob um dossel ou guarda-chuvas passeando ou apenas relaxando, sentado em cadeiras de vime.

p Flores brilhantes aparecerão repetidamente nas telas de Monet, tornando-se, no fim, um motivo independente em seu trabalho posterior. No fundo está o mar, numerosos veleiros em que destacam o horizonte. O barco à vela retratado perto do terraço serve como um guia importante para os olhos. Sem isso, o primeiro e o segundo planos da imagem pareceriam muito fragmentados, o que levaria à desintegração da composição em duas partes independentes e não relacionadas. Pilares verticais claros, discutindo com a construção horizontal da composição, parece um pouco estranho. Mas esta é apenas uma impressão superficial, na verdade, são eles que “recolhem” todo o trabalho, focando a atenção do espectador em sua parte central.

p Com o início da guerra franco-prussiana em 1870, Monet foi para Londres, onde ele se casou com Camille no mesmo ano. Em Londres, a artista continua a se encontrar com amigos e pessoas afins e escreve vistas urbanas com Camille Pissarro.

Personalidade de estilo

p Dois anos depois, o artista cria sua famosa obra “Impressão. Sunrise ”(1872, Museu Marmottan-Monet, Paris). Iniciar, o pintor não tentou reproduzir a realidade, não tentei imitar a natureza, mas apenas transmitiu sua impressão pessoal de sua beleza.

p As figuras das pessoas na foto novamente mal delineadas, o que era incomum para o espectador, acostumada com o estilo acadêmico de escrita. Mas a relação colorística da água radiante pura e do nascer do sol, que se manifesta em reflexos brilhantes na superfície do mar, é transmitido lindamente.

p O artista apresentou este trabalho na primeira exposição impressionista, realizada em 1874. Então, Monet e seus camaradas ainda se autodenominam "Sociedade Anônima de Artistas, Pintores e gravadores. "A pintura recebeu críticas agudamente negativas de críticos e espectadores, e seu nome (“Impressão”) deu origem a uma definição irônica na época do novo rumo da pintura - o impressionismo. A exposição ganhou fama apenas por seu fracasso ensurdecedor.

p Voltaremos em 1872, quando Monet e sua família se mudaram para a cidade de Argenteuil, perto de Paris. Amigos vieram até ele aqui novamente - Sisley, Eduard Manet e Renoir. As pinturas do artista ainda não estavam à venda, mas a herança herdada de seu pai foi capaz de aumentar ligeiramente o bem-estar material de sua família. Aqui, em Argenteuil, Monet montou uma “oficina flutuante” para si mesmo. Ele viajou em um barco no Sena, capturando livremente as vistas de que gostava e continuando a estudar os efeitos da iluminação através dos reflexos da luz do sol na água.

p Em 1873, Monet cria a pintura "Campo de Papoulas em Argenteuil" (Museu d'Orsay, Paris), retratando Camille e o pequeno Jean Monet se afogando na grama do campo. A construção diagonal da composição cria uma sensação de movimento. Em primeiro e segundo plano estão dois pares constituídos por uma mãe e um filho, que estão localizados na diagonal, apoiado por um caminho quase imperceptível, sublinhado apenas por uma tira de papoulas. Ambos os pares são escritos a partir dos mesmos modelos. O trabalho demonstra perfeitamente a composição habilidosa da composição usando cores.

p No mesmo ano, a pintura “Kaputsin Boulevard” (1873, Museu Estadual de Belas Artes Pushkin, Moscou) também foi pintado, em que a influência da arte da fotografia é claramente sentida. A imagem, transmitindo um instante da vida repleta de transeuntes e tripulantes do bulevar da cidade, se assemelha a um instantâneo. As pessoas desempenham apenas um papel secundário, e o principal é atribuído ao ambiente do artista contemporâneo da cidade.

p A óbvia influência da fotografia é perceptível na construção composicional da pintura “Rua Saint-Denis no Dia Nacional” (1878, Museu de Arte, Rouen). O ritmo da composição é definido por traços azul-branco-vermelho de muitas bandeiras nacionais, exibido, como baionetas, de varandas e aberturas de janelas de casas. O trabalho, como uma reportagem, capturou a vida da cidade durante o feriado.

p Além disso, o pintor não está nem um pouco interessado em celebrar as pessoas. Ao contrário de Delacroix e seu trabalho Freedom on the Barricades, Monet não retratou o grupo em um cenário espetacular. O artista precisava da própria cidade, seu rosto e sua atmosfera reinando em um feriado. As ruas são habitadas apenas por figuras de funcionários - silhuetas escuras esboçadas suprimidas por paredes de pedra.

p Mas os modelos mais amados pelo artista continuaram sendo sua adorada esposa e filho. Brushes Monet possui uma obra maravilhosa "Camille Monet com seu filho Jean" (nome alternativo "Lady with an Umbrella", 1875, Galeria Nacional de Arte, Washington). Apesar das poses estáticas dos heróis, a imagem está cheia de movimento:nuvens estão varrendo o céu, e um vestido leve e um véu no chapéu de uma jovem estão se desenvolvendo com o vento.

p Um exemplo notável da influência da arte oriental no trabalho do artista é sua pintura mundialmente famosa "Garota Japonesa" (1876, Museu bela-Artes, Boston). Nele, Camilla, vestido com um quimono vermelho brilhante, fica contra uma parede cinza decorada com leques de papel japonês. O trabalho é extremamente decorativo, o traje tradicional japonês esconde completamente a forma do corpo de uma mulher, e a composição é completamente desprovida de profundidade e se aproxima de um desenho plano. Como sempre, Monet evita os contornos claros dos objetos:a figura de sua esposa, um japonês, retratado no tecido de um quimono e um leque na parede atrás das costas da mulher, são escritos mais em cores do que em uma linha, o que cria uma impressão adicional de nivelamento do trabalho. Um ponto interessante na solução composicional é que as figuras do japonês no quimono e da heroína da imagem são posicionadas em direções exatamente opostas, equilibrando-se.

p O lugar mais importante para o artista contemporâneo de Paris era a estação Saint-Lazare. O mestre dedicou várias pinturas a ele, escrito em 1877. A estação criou o destino das pessoas, conectando a capital da França com outras cidades e até países. A vida estava sempre em plena atividade aqui:os passageiros chegaram e partiram, as locomotivas zumbiam, os trens estavam ganhando velocidade e se afastando.

p Foi essa atmosfera emocionante da nova vida industrial que o artista procurou mostrar em suas telas. “Estação Saint-Lazare. Chegada do trem ”(1877, Fogg Museum of Art, Harvard) reflete perfeitamente o dia a dia da estação. A obra usa pintura quase monocromática, o ângulo incomum selecionado, transmite perfeitamente as características da solução da abóbada arquitetônica da estação.

p Breve, dois dos eventos mais importantes para o artista aconteceram em sua família:em 1878, sua amada esposa deu à luz seu segundo filho, Michel, depois disso, a própria Camilla adoeceu gravemente. Monet está novamente passando por sérias dificuldades financeiras. Nem o público nem a crítica ainda “amadureceram” para a correta percepção de seu estilo na arte. O pintor foi forçado a deixar Argenteuil e se estabelecer em Vetej, onde seu vizinho era o empresário Ernest Goshede e sua esposa Alice, que mais tarde foi destinada a se tornar a segunda esposa do pintor.

p O artista transmitiu suas impressões sobre o movimento na pintura "The Road to Vethey in Winter" (1879, o Museu de Arte, Gotemburgo), onde ele retratou uma paisagem típica de inverno na França:uma estrada de terra coberta de neve, colinas com solo marrom-acastanhado aparecendo através de neve solta e grama verde congelada, uma igreja, Casas de dois andares construídas nas encostas suaves das colinas em ambos os lados da estrada. Apenas as figuras dos dois viajantes animam um pouco a paisagem.

p A pintura "Nas margens do Sena perto de Vetheya" (1880, Galeria Nacional, Washington), pintado no verão do próximo ano, é simples e lírico. Todo o primeiro plano da imagem é ocupado por gramíneas floridas, atrás da qual você pode ver a superfície espelhada do rio. O artista transmitiu com maestria o céu refletido no rio com nuvens flutuando sobre ele e as árvores na margem oposta. Os arbustos costeiros e as árvores que crescem separadamente no fundo da imagem são como se estivessem envoltos em uma névoa cinza-azulada de nuvens cinzentas que os sombreavam.

p A paisagem excepcionalmente brilhante e ensolarada na tela "Blossoming Apple Trees" (1879, Museu bela-Artes, Budapeste) impressiona com a transmissão de luz da oficina - a paisagem retratada parece banhar-se no sol que inunda todo o espaço circundante.

p A composição da imagem é novamente muito simples, em primeiro plano estão as árvores floridas do pomar de macieiras e a grama embaixo delas, no segundo, vemos casas com telhados vermelhos meio escondidos atrás dos galhos das árvores, e o fundo é ocupado por uma colina crescente. Algumas macieiras, empurrado perto da borda inferior da obra, servem como cenas do lado direito e a única vertical na composição horizontal, como se “coletando” todo o trabalho.

p No mesmo 1879, com a idade de apenas trinta e dois anos, A amada esposa de Monet morreu de uma doença grave. Um artista enlutado, ela pinta seu retrato de Camille em seu leito de morte, em que ele retratou sua esposa à sua própria maneira, enfatizando com cores como seu rosto perde suas cores vitais.

Sucesso há muito esperado

p Paradoxalmente, é neste ano de luto na vida pessoal que o sucesso profissional chega ao artista. Comentários positivos e comentários apareceram na imprensa de Paris sobre a exposição de suas obras, que imediatamente começou a ser vendido. Isso melhorou a situação financeira do pintor.

p Em 1883, ele vai alugar uma casa pequena, mas muito aconchegante em Giverny, perto de Paris, ao lado do qual um magnífico jardim está instalado, verificado como uma pintura, tendo em conta a cor individual e a época de floração de cada planta. Mais tarde, Monet compra território adicional perto da casa para criar outro jardim deslumbrante, no qual havia um lago com nenúfares e uma ponte japonesa com caminhos sinuosos que conduziam a ele. Este lugar será o tema de suas pinturas até sua morte, junto com a ideia de criar muitas séries separadas de obras nas quais o artista incorporou seus muitos anos de estudo das possibilidades visuais da cor na transmissão de várias luzes. Nestes ciclos de trabalho, o pintor descreveu claramente como o mesmo motivo muda dependendo de como é iluminado. Precisa dizer, todas as séries tiveram um tremendo sucesso com o público.

p Uma visão rural despretensiosa na pintura "Palheiro em Giverny" (1886, o Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo) se tornou um dos motivos favoritos do artista. A paisagem, o centro de composição era um palheiro em primeiro plano, é complementado por casas e árvores visíveis nos campos distantes.

p Em 1888, Monet criará uma série de 25 obras dedicadas a esta espécie. Além disso, a paisagem circundante nas telas se tornará cada vez mais arbitrária, a divisão em planos composicionais praticamente desaparecerá, e o palheiro irá adquirir uma função independente, como se concentrasse em si mesmo esse centro conceitual de ser. O papel principal em todas as pinturas é dado à cor, que visa transmitir todo o espectro de luz variável. Durante o dia, o artista trabalhou em várias telas que transmitem diferentes condições de iluminação:manhã, tarde e noite - esta era a originalidade do método do pintor, que lançou as bases para outra série - “Poplars”. Simetria de espelho, com base no qual a composição da obra “Poplars at Ept” (1891, a Galeria Nacional da Escócia, Edimburgo) é construída apresenta duas realidades para o observador:um verdadeiro bosque de choupos nas margens do rio e seu reflexo na superfície espelhada da água, apenas ligeiramente ondulado por ondulações. O rio incorpora completamente todas as cores com as quais as árvores estão cheias, o céu com nuvens rosadas flutuando nele. A trepidação da superfície da água é enfatizada pela natureza das pinceladas do pintor.

p O maior ciclo dedicado à Catedral de Rouen foi iniciado por Claude Monet em 1892. Por dois anos, o artista completou 50 pinturas, que representava de forma consistente a fachada gótica da catedral em diferentes momentos do dia:desde o início da manhã até tarde da noite. A luz do sol cria metamorfoses impressionantes não apenas com a cor da catedral, mas também com sua essência de pedra. A parede que durou vários séculos, graças à luz que o inunda e à arquitetura gótica das aberturas, parece quase sem peso e milagroso. Os raios do sol parecem dissolver o poder de pedra da catedral, penetrando nele com intensidades diferentes.

p Graças ao domínio do pincel de Monet, a catedral parece deixar de ser uma substância material e torna-se aérea e efêmera. É como se deixasse de ser uma criação terrena e se fundisse com o céu. Foi este o efeito dos arquitetos da longínqua Idade Média, elevando o laço de pedra das paredes da igreja ao céu? Talvez Monet tenha penetrado no âmago da ideia conceitual da arte gótica. O ciclo "Catedral de Rouen" foi exibido pelo artista em 1895 e teve muito sucesso.

p Simultaneamente com o início do trabalho no ciclo, Claude Monet vai se casar com Alice Goshed. O pintor começa a viajar muito, ele trabalha na italia, as catedrais góticas que ele acha incrivelmente impressionistas, Normandia, Suíça e Holanda.

p Na Normandia, o mestre deu à luz magníficas paisagens marinhas, como a pintura Mannport (1883, Museu Metropolitano de Arte, Nova york), como se glorificando a grandeza do elemento água. Também, o artista muitas vezes trabalhou na imagem de rochas pitorescas perto da cidade de Egret, que eram a principal atração desta área, por causa de sua forma única criada pelo capricho das ondas.

p Mannport é talvez o arco de pedra mais famoso. Para transmitir a escala da formação rochosa, o pintor rapidamente delineia com alguns traços um par de figuras sob os arcos de um arco de pedra, a maior parte, projetando-se poderosamente da borda esquerda da imagem, está literalmente pronto para esmagá-los. A composição da obra contribui para a criação de tal impressão:o efeito do infinito da superfície da pedra é enfatizado pelo artista na medida em que a rocha inteira não cabe na moldura do quadro.

Uma profusão de cor e falta de sentido

p A capacidade expressiva da cor, ao longo da carreira do artista, foi o principal meio de sua linguagem artística. Claude Monet permaneceu fiel a si mesmo até o fim, nunca desviando do caminho escolhido e apenas aprimorando e aprimorando a expressividade das técnicas de seu estilo individual. A única diferença no período tardio de seu trabalho era o desejo de inutilidade, borrando o conceito de um enredo e forma específicos. O artista não considerou uma de suas melhores criações uma pintura, mas o jardim que ele criou na casa em Giverny, onde ele colheu e plantou vários tipos e variedades de flores para que o jardim florescessem constantemente, encantando os olhos do pintor com uma variedade de tons. O magnífico jardim, na verdade, também uma obra de arte, tornou-se um objeto favorito da pintura do mestre, encontrando seus incontáveis ​​reflexos na tela.

p A tela "Jardim das Íris em Giverny" (1899, Yale University Art Gallery) novamente nos mostra uma composição muito simples. Uma tela quadrada mostra um caminho que vai até as profundezas do jardim, meio escondido por arbustos crescidos de íris, e acima dele você pode ver troncos de árvores de jardim que criam uma perspectiva de longo prazo.

p O artista coloca na tela como se estivesse exultante, puro, cores brilhantes, transmitindo ao espectador sua sensação de felicidade e plenitude de vida, nascido do contato com a natureza. As belas e delicadas flores das íris em primeiro plano parecem olhar em nossos olhos. A mão hábil do mestre parece soprar alma neles, e a beleza da natureza circundante torna-se o maior milagre, a personificação da coroa das criações divinas. É essa atitude para com a natureza, que é um objeto suficiente de pintura nas obras de Claude Monet, distingue o artista dos adeptos do estilo acadêmico, em que somente o homem sempre foi a “coroa da criação”.

p Uma das séries mais famosas de Monet, "Nenúfares", foi lançada em 1899. No decorrer do ciclo, o pintor retrata lírios de água (nenufaras) flutuando no lago de seu jardim em Giverny. O próprio artista cultivou essas delicadas flores em seu lago e as admirou por muito tempo, apreciando o brilho do sol nas pétalas frágeis e o reflexo das nuvens na água. Parece inacreditável, mas os nenúfares possuíam o coração de um artista talentoso até sua morte, cerca de vinte anos. A serialidade da obra é baseada na variação desse motivo sob várias condições de iluminação.

p Criado em 1903, a obra “Nenúfares. Nuvens ”(coleção particular) dá origem a uma impressão surpreendentemente alegre. A tela está saturada de luz solar, apesar do fato de que o céu está presente apenas em seu reflexo na água. Parece que nenúfares e nuvens flutuam lentamente na mesma superfície, como se impulsionado por uma leve lufada de ar.

p A forma quadrada da tela na obra “Uma lagoa com nenúfares” (1908, coleção privada, St. Gallen, Suíça) amplia visualmente a imagem no espaço, dando a impressão de infinito. Monet usou o efeito da fotografia, como se estivesse esculpindo um fragmento separado da superfície da água de um lago e escrevendo-o em close-up. Apenas a extensão de água com folhas, flores de nenúfares e nuvens refletidas, espalhados pitorescamente em sua superfície, caiu no quadro.

p Aqui, o mestre novamente partiu da perspectiva de construção da pintura, por isso, os nenúfares localizados no canto superior direito da composição estão mais próximos do observador do que as plantas do primeiro plano da pintura. Graças a esta técnica, a pintura perde sua profundidade e, por assim dizer, desdobra-se em um avião, tornando-se mais decorativo.

p Desde a década de 1870, Claude Monet visitou repetidamente a Inglaterra, ele amava Londres por sua atmosfera nebulosa única. E por volta de 1900, o pintor começou a vir aqui com mais frequência. Ele cria aqui uma série de obras dedicadas ao edifício do parlamento.

p A pintura "The Parliament Building in London" (1904, Museu d'Orsay, Paris) descreve um objeto arquitetônico como se estivesse envolto em uma névoa densa. Apenas em alguns lugares o sol vermelho-amarelado rompe o pequeno pensamento, destacando fragmentos dos contornos majestosos da arquitetura neogótica e manchando o amplo Tâmisa com reflexos púrpura-avermelhados. O estilo de pintura é muito arbitrário, o artista não retrata elementos específicos, mas uma imagem momentânea da própria cidade, como ele acabou de ver.

p O impressionismo de Monet não se destina a transmitir a realidade objetiva; ele não reconhece a constância das qualidades dos objetos. Toda a sua aparência, a cor e a forma dependem apenas da luz, que mal está rompendo, em seguida, inunda todo o bairro, ou mesmo sai, transformando-se em crepúsculo. Na primavera de 1908, Claude Monet e sua família foram para Veneza. A atmosfera encantadora desta cidade, suas extensões de água, surpreendentemente derrotado por arquitetos venezianos, os reflexos da luz na água e os monumentos refletidos nela, cativou o pintor. Assim nasceu uma série de paisagens venezianas, escrito diretamente durante a viagem.

p A obra “Palazzo da Mula em Veneza” (1908, Galeria Nacional, Washington), escrito lá, can hardly be called a guided or architectural landscape. Rather, it is, figuratively speaking, a "portrait" of a medieval Venetian building, "looking" in the mirror of the canal in front of it. Além disso, this “portrait” was painted in close-up, the sides of the palace are cut off by the frame of the picture, only the middle part of the building without a roof fell on the canvas.

p Such an unusual composition is explained very simply, Monet was not going to copy an architectural monument at all, he was as unimportant for him as the figures of people on most of his canvases. The artist was captivated by the surprisingly harmonious unity of architecture and landscape, designed by a brilliant architect who conceived the palace, as if emerging from the water. A horizontal composition with a clear division into the front (space of water) and rear (walls of the palazzo, dotted with numerous arches of door and window openings) plans are balanced by a pair of thin silhouettes of gondolas.

p Venice impressed the artist with the unity of life of the buildings and canals on the banks of which they were erected. Impressionistic harmony, formed by stone walls reflected in the water, which the same water that absorbs sunlight, paints with numerous reflections of heavenly shades, won the heart of the painter. It was this state that he tried to convey on his Venetian canvases.

Loneliness and loss

p The second decade of the new century was marked for the artist by a series of losses. In 1911, Alice’s second wife died, three years later, in 1914, his eldest son, Jean, dies. Monet was faithfully looked after only by Alice’s daughter from her first marriage, who was Jean’s wife.

p Together with a series of deaths of relatives, the painter suffered another misfortune – double cataract. Evil rock took away from the artist the main thing that he devoted his whole life to being able to see and study the lighting effects, glare and reflexes of the sun’s rays, seen in nature. Contudo, Monet did not stop, he continued to create his work. Four years later, after his diagnosis, the artist conceived a new series of impressive panels measuring 2x4 meters with images of his garden.

p The panel “Water Lilies” (“Nenufaras”, 1920-1926, the Museum of the Greenhouse, Paris) gives the impression of the flatness of an endless space, as if extending far beyond the frames of the picture. Juicy, large strokes of the master only outline the shape of the leaves and flowers, the whole picture is executed using the technique of color spots.

p A little earlier, in 1917, Claude Monet wrote his "Self-Portrait" (Museum of the Greenhouse, Paris). The picture is a person’s self-esteem reproduced through reflection in the mirror of one’s own consciousness. Tired eyes of the master do not look at the viewer, although he turned to face him. The artist is not looking for "dialogue." À primeira vista, the work seems unfinished:only the artist’s head is depicted, and the shoulder line is outlined schematically. Contudo, the thick shadow that borders the portrait saturates the image with drama and leaves no doubt about its completeness.

p At the end of his career, Monet began to mix subject and non-objective art. In his 1918 work, The Japanese Bridge (Institute of Arts, Minneapolis), one can only read the outline of the artist’s favorite bridge, twisted with wisteria and thrown over a pond with water lilies, a low bush in the foreground and a tree at the right edge of the canvas. Everything else is just an extravagant riot of colors, beauty and fullness of life.

p The painting “Garden with a Pond in Giverny” (circa 1920, the Museum of Fine Arts, Grenoble) presents us with a mysterious corner of the artist’s garden, hidden in dense thickets. O trabalho, claro, is substantive:a clearly constructed composition is visible here, the outlines of the branches are clearly distinguishable. It seems that in the work the color plays an independent, it is emphasized decorative in the refraction of the dying view of the painter. Thanks to unrealistic conditional color rendering, the picture makes a dramatic impression. Color is unusually expressive. This is no longer impressionism in its purest form, the writing technique and artistic conception are more likely a reflection of the inner world of an aging person.

p The great artist, one of the founders of Impressionism, who conquered the world, Claude Monet died in December 1926 in his house in Giverny. Cezanne at one time exclaimed:"Monet is just an eye, mas, my God, what a thing!" The painting of the French artist is an endless enthusiastic admiration for nature, the beauty and perfection of which he was able to convey in a special, exclusivo, subtle and sensual style.

Zhuravleva Tatyana