Rei dos pintores Ticiano Vecellio (1477-1576)

Ticiano Vecellio da Cadore é um dos maiores artistas de todos os tempos, junto com lendas da Renascença italiana como Leonardo, Michelangelo e Raphael. Ticiano, um gênio reconhecido de seu tempo, foi chamado de "o rei dos pintores e o pintor dos reis." As descobertas deste titã da pintura no campo das belas-artes, De uma forma ou de outra, influenciou o trabalho de todos os artistas subsequentes. Ticiano desempenhou um grande papel no desenvolvimento do gênero mitológico, paisagem e retrato. A propósito, ser capturado com um pincel de mestre era o maior prêmio para seus contemporâneos.

Ticiano - Galeria de pinturas em Gallerix.ru

O artista viveu uma longa vida, preservando até o último dia clareza de pensamento, sensibilidade de percepção, acuidade visual e incrível capacidade de trabalho. Isso permitiu a Ticiano não deixar o pincel fora de suas mãos até o fim de seus dias e deixar aos descendentes uma extensa herança artística. Em suas criações, fragilidade e solenidade, espiritualidade e a cotidianidade da realidade, a tragédia e a beleza do homem e do mundo foram combinadas de uma forma incrível. Não sem razão, as obras do pintor foram copiadas inúmeras vezes.

A vida e obra do artista caiu no período de maior prosperidade de Veneza, o próprio esplendor de seu poder e glória, o tempo de mudanças globais e eventos históricos. De acordo com várias fontes, Ticiano nasceu no ano de 1477 ou 1480. Seus pais pertenciam a uma antiga família que vivia na pequena cidade de Pieve di Calore, localizado nos Alpes. O menino mostrou desde cedo sua habilidade para desenhar e aos dez anos seus pais o enviaram a Veneza para estudar. Os fundamentos das belas-artes que o jovem Ticiano compreendeu na oficina de Giovanni Bellini, que desempenhou um papel significativo no destino do jovem artista, apresentando-o ao já famoso pintor Giorgione. Esta reunião desempenhou um grande papel na vida de Ticiano, graças a ela, ele logo encontrou seu próprio estilo e ganhou reconhecimento. E embora dois artistas talentosos não tenham se tornado amigos - hábitos, personagens e perspectivas de vida eram muito diferentes - não se pode subestimar o papel que Giorgione desempenhou na vida de Ticiano. O respeito deste último para com seu camarada mais velho pode ser julgado pelas evidências sobreviventes de quão duro Ticiano sofreu a morte inesperada de Giorgione (o grande artista morreu inesperadamente quando ele tinha apenas 35 anos).

Um tributo peculiar ao talento de Giorgione e ao importante papel que ele desempenhou no destino de Ticiano foi a restauração, pelo artista, da Vênus Adormecida de Giorgione, que tinha queimado no fogo. Ticiano reescreveu completamente a tela irreparavelmente danificada pelo fogo, preservando apenas a pose da heroína e seu rosto terno. O modesto pintor não começou a assinar o quadro com o seu próprio nome e nunca mencionou a autoria quase completa da obra-prima atribuída ao pincel de Giorgione. Talvez este trabalho tenha sido o primeiro marco na confusão que se seguiu, Devido ao qual, ao longo de muitas décadas, Pinturas de Ticiano, distinguidos por sua rara perfeição de execução, foram frequentemente atribuídos aos pincéis de Giorgione.

Mas vamos voltar um pouco, ou seja, em 1508, durante a "era de ouro" do Renascimento italiano, quando um artista reconhecido convidou o jovem Ticiano para ajudá-lo a decorar o Complexo Alemão em Veneza. Giorgione começou a projetar sua parte do Complexo Alemão muito antes de seu camarada mais jovem, escolhendo para si a fachada principal do edifício que lhe parece mais vantajosa. Ticiano ficou com a parte de trás do pátio com vista para uma rua estreita, que estava sempre cheio de gente. Giorgione, que não era apenas um pintor talentoso, mas também um homem encantador, estava sempre rodeado de muitos amigos que de vez em quando vinham ao local de trabalho elogiar o artista e aumentar o seu espírito criativo. Ticiano, distinguido por seu silêncio e isolamento, trabalhou principalmente na solidão. Não surpreendentemente, o talentoso e mais autoconfiante Giorgione terminou o trabalho muito mais cedo do que seu jovem colega.

Quando a restauração do Complexo Alemão foi finalmente concluída, toda Veneza correu para ver esse milagre. O deleite do público não conheceu limites e, de acordo com vários testemunhos, A pintura de Ticiano foi a mais sensacional. Para avaliar as pinturas murais, uma comissão especial foi criada, encabeçado por Bellini. As lembranças de uma das testemunhas que estavam presentes naquele dia - Dolce sobreviveu:“Ticiano retratou a magnífica Judith, ela está acima de todos os elogios. A cor e o design eram tão perfeitos que, assim que ela apareceu diante do público, todos os amigos de Giorgione, que decidiu por unanimidade que este era o seu trabalho, imediatamente começou a parabenizar o artista, assegurando-lhe que esta era a melhor de todas as suas criações. " Infelizmente, no momento não podemos julgar o trabalho dos dois mestres, porque depois de apenas trinta ou quarenta anos, os afrescos foram quase completamente perdidos devido à umidade, saturado com sal marinho, Ar veneziano, pintura enferrujada. Mas mesmo a partir dos fragmentos individuais que sobreviveram, é claro que Ticiano passou brilhantemente neste difícil teste, declarando-se como um artista talentoso com um estilo profundamente individual.

E o peso, graças à participação neste projeto, comecei a falar sobre as obras de Ticiano muito cedo, já que as primeiras obras do mestre eram notáveis ​​por seu raro realismo e cuidadosa transferência de detalhes, o que raramente era possível para jovens pintores. Não menos importante no reconhecimento precoce do artista foi desempenhado pela situação extremamente favorável para pessoas criativas no país. Durante este período, Veneza viveu em paz e prosperidade, graças a uma frota poderosa, comércio desenvolvido e uma posição econômica forte.

Crie um estilo único

Foi uma época em que os poetas, escritoras, músicos e artistas retrataram pessoas felizes em um cenário de natureza serena, e os temas principais das obras de arte eram o amor, beleza e poesia dos relacionamentos. Em tal ambiente, o caminho criativo do jovem Ticiano começou.

Inicialmente, o artista foi levado pela imagem da natureza, e o tempo mágico antes do pôr do sol, quando o céu adquiriu um brilho, cor saturada, tornou-se sua hora favorita do dia. Você pode adivinhar que a estação favorita de Ticiano era o outono, com sua confusão e cores multicoloridas. Verdade, o amor pelas paisagens não durou muito, hora extra, o mestre passou a dar preferência a outro gênero, ou seja, retrato.

As pessoas começaram a atrair o artista, com seu rico e complexo mundo interior. Entre as primeiras obras do artista, “Retrato de um homem em um vestido com mangas azuis”, que retrata um dos melhores amigos do artista, o poeta Ludovico Ariosto, encostado no parapeito com as iniciais “TV”, destaca-se como uma habilidade especial. Verdade, há uma versão que o próprio Ticiano é retratado na foto, que agora está armazenado na National Gallery de Londres. A questão permanece controversa, mas não fundamental, uma vez que o principal neste trabalho não é o seu objeto, mas a maneira de escrever da jovem artista e a habilidade com que ela foi executada. A cor graciosa da imagem, a leveza das pinceladas, a composição simples e harmoniosa, o tecido lindamente pintado das roupas de um homem, olhando para o visualizador um pouco de cima, tudo isso caracteriza o talento já notável de Ticiano.

Hora extra, A obra de Ticiano começou a ser preenchida com narrativas cada vez maiores, dinâmica, tensão e drama. A natureza neles não era mais silenciosa e estática, estava cheio de vida, e as pessoas em seu contexto estavam cheias de sentimentos e movimentos. Por exemplo, na pintura Três Idades dos Homens (1512, Galeria Nacional da Escócia, Edimburgo), a passagem do tempo e a brevidade da idade humana são mostradas. O enredo da imagem, desdobrando-se contra o pano de fundo de uma paisagem ensolarada, deve ser lido da direita para a esquerda. Dois bebés, dormindo em um sono doce em primeiro plano à direita, retrate o início sereno da vida quando uma pessoa ainda não sabe que alegrias e tristezas o esperam no futuro. O anjinho guarda a paz e a segurança das crianças, em torno da qual a grama jovem mal consegue passar. Na parte esquerda da composição, em primeiro plano, sob uma copa grossa de uma árvore, é um jovem casal apaixonado. Esta parte da imagem representa o meio da vida quando somos jovens, cheio de força, desejos, saúde e energia. E ao fundo está sentado um velho com duas caveiras nas mãos. Os crânios simbolizam a inevitabilidade da morte que espera cada pessoa quando sua vida chega ao fim. A cabeça do velho está abaixada até o peito, expressando a tristeza e desespero da velhice. O significado da imagem é simples - todos nascemos para morrer mais tarde. Este tópico entusiasmou Ticiano ao longo de seu trabalho, sendo refletido em outras telas, por exemplo, “Alegoria do Tempo e da Mente, ”Que consideraremos mais tarde.

A pintura “Country Concert” (cerca de 1510, Museu do Louvre, Paris) também pertence ao período inicial da criatividade do artista, em que Ticiano conseguiu transmitir uma fusão surpreendentemente harmoniosa do homem com a natureza em um belo e tranquilo entardecer. Aqui na nossa frente estão dois jovens com lindas roupas de um verde pálido e brilhante, cores vermelho-laranja. Um deles é músico, ele está prestes a tocar as cordas de seu alaúde, o outro é um aldeão, ele está pronto para ouvir com atenção. Em primeiro plano está uma mulher nua, em suas mãos uma flauta, provavelmente este é o Muse. Ela está de costas para o espectador e está olhando cuidadosamente para o músico. No lado esquerdo da composição está outra virgem nua, em suas mãos está um vaso com água, simbolizando a ideia de purificar todas as coisas vivas por meio da comunicação com a arte. A nudez de donzelas contra o pano de fundo da natureza parece muito harmoniosa e é uma alegoria importante da expressão de sentimentos castos.

A composição é completada pelo fundo, nos devolvendo desta atmosfera incrível e poética para a prosa da vida, do qual é impossível se esconder de qualquer lugar. O pastor, vagando com seu rebanho sob as densas copas das árvores, tornou-se a personificação da terra na foto. No fundo da imagem você pode ver os telhados de casas simples de camponeses, as pessoas que vivem neles nem mesmo suspeitam da existência desse recanto celestial da natureza. Quando você olha para a foto, você tem a sensação de que embora o herói não tenha tido tempo de começar a tocar alaúde, os sons encantadores da música já conseguiram preencher todo o espaço. Inicialmente, esta pintura foi atribuída ao pincel de Giorgione, uma vez que influencia fortemente seus métodos - a imagem de um mundo ideal cheio de sonhos e ilusões, existindo fora do tempo e do espaço real.

O tópico de contrastar o sublime e o terreno foi refletido em outra obra de Ticiano, pertencentes ao mesmo período. Na pintura "Concerto Interrompido" (cerca de 1510, Palazzo Pitti, Florença), vemos um jovem monge jogando entusiasticamente em uma cravelha. Atrás dele está um homem idoso que está tentando impedir o jogo do jovem tocando em seu ombro. O monge relutantemente foge de sua ocupação:seus dedos finos continuam a se agitar acima das teclas, embora sua cabeça já esteja virada para o lado. O rosto do camarada sênior é severo, a razão é o jovem parado à esquerda, com roupas de um patrício com um olhar arrogante e vazio, passou pelos músicos, com um sorriso irônico fixo nos lábios.

A ideia principal da imagem é que o mundo sublime da arte, harmonia, a beleza e o amor sempre podem ser destruídos pela realidade bruta que se abre da maneira mais inesperada. Então, na foto, a indiferença do patrício, longe do mundo da musica, e, na verdade, indiferente a isso, faz um homem com um alaúde nas mãos parar seu camarada fascinado, para não desperdiçar força e inspiração em uma pessoa que não sabe valorizá-la.

Talvez o enredo da pintura tenha sido influenciado pelas obras do filósofo Platão, publicado na época em Veneza, que em suas “Leis” expressou a ideia de que:“a mais bela arte é aquela que só é percebida pelos eleitos”.

Uma das primeiras pinturas bíblicas de Ticiano é uma pintura intitulada "Do Not Touch Me" (cerca de 1512, Galeria Nacional, Londres). No centro da tela está um episódio do Evangelho em que Jesus Cristo aparece a Maria Madalena, e ela, para ter certeza de que Ele está realmente vivo e não um sonho, estende a mão para ele. Mas Jesus timidamente cobrindo sua nudez com uma mortalha, ele diz:"Não me toque, pois ainda não subi para meu Pai. "O pano de fundo para o enredo é a paisagem - uma árvore alta retratada no centro da tela, casas sobem à direita na colina, e o mar é visível à distância. As figuras de Maria e Cristo em primeiro plano literalmente brilham, cores magistralmente selecionadas em dourado, Os tons de marrom e ocre por muito tempo levaram os historiadores da arte a pensar que a pintura pertence ao pincel de Giorgione.

Amor e inveja daqueles que estão no poder

Ticiano, desde cedo tratado com bondade por aqueles que estão no poder, foi oferecido muitas vezes para deixar sua amada Veneza e se estabelecer sob a asa de um ou outro patrono. Mas o artista gostava muito desta cidade e esperava construir sua vida e carreira aqui. Portanto, tendo alcançado algum reconhecimento, o pintor escreveu uma carta de apelo aos governantes da cidade, no qual ele se propôs a empreender o trabalho mais difícil de programar o salão do Grande Conselho. Junto com isso, ele pediu para considerar sua candidatura para o cargo vago de intermediário de abastecimento de sal no Complexo Alemão naquela época. À primeira vista, isto é estranho, mas esta posição administrativa em Veneza foi ocupada, como uma regra, por artistas. Isso foi devido às especificidades de seu trabalho, exigindo conhecimento de minerais, seja sal ou tinta. A posição intermediária era um petisco para qualquer artista da época. Ela deu o direito de receber um salário anual e o título honorário de pintora oficial da República de São Marcos. E isto, por sua vez, forneceu trabalho ao artista - ele recebeu automaticamente a maior parte do pedido do estado, incluindo os retratos de todos os novos doges para o salão do Grande Conselho. Além disso, o tesouro pagou muitas das despesas do artista:aluguel de uma oficina, compra de telas e tintas, bem como algumas outras necessidades.

E entao, em 1513, Ticiano teve uma sorte incrível - o Conselho de Governo aceitou sua proposta. A feliz artista começou a se estabelecer em um novo lugar. Muitos alunos vieram para sua oficina, jovens artistas sonhavam em trabalhar com um mestre tão reconhecido e famoso, pintores mais maduros invejavam sua posição vantajosa e honrada. Mas, Infelizmente, A alegria de Ticiano não durou muito. Outro artista venerável, Giovanni Bellini, em cuja oficina trabalhou o jovem Ticiano, ficou indignado com esta nomeação, e ele se dirigiu ao seu patrono - um dos influentes Doges venezianos - com um pedido para contestar a decisão do Conselho. Como resultado, um escândalo estourou, e a decisão de nomear Ticiano foi rapidamente revertida. Isso também foi facilitado por uma mudança na composição do Grande Conselho, o que aconteceu na hora errada para o jovem artista. Ticiano ficou furioso, mas não abandonou seus planos ambiciosos. O resultado de sua luta foi sua nova nomeação para o posto de intermediário de sal, que aconteceu apenas quatro anos depois, em 1517.

Ticiano expressou parcialmente sua raiva contra aqueles que estão no poder em sua obra O Dinário de César, criado em 1516 (agora a pintura está na Galeria de Arte de Dresden). A tela é pintada com uma paleta excepcionalmente rica e rica, graças a que a imagem parece muito gofrada. A composição da imagem é simples e expressiva. Duas figuras, mostrado na altura da cintura, parecem colidir na tela. Esses são dois opostos - virtudes na imagem de Cristo no centro e ganância na imagem do fariseu, como se invadisse a imagem da direita. O hipócrita estende o denário a Cristo, toda a sua aparência provocativa e desagradável. Cristo, pelo contrário, é uma personificação de pureza e sinceridade, sua figura em um fundo escuro, por assim dizer, ilumina toda a tela. Ele olha calmamente para o fariseu, em seus olhos, confiança e uma pergunta idiota:"Por que você está me tentando?" O significado da imagem é simples e compreensível - o Senhor conhece todos os nossos pensamentos, porque Ele é o Que Tudo Vê, e sua resposta é simples, mas profundo:"Dê a César o que é de César, mas Deus, o Deus. "Tomando o enredo bíblico tradicional, o artista refletia nele seus pensamentos mais íntimos sobre o bem e o mal. A cor geral da imagem é alarmante. Brilhante, como se estivesse cheio de luz, as vestes de Cristo, juntamente com seu rosto iluminado impecável, contraste nitidamente com os tons castanho-dourados que retratam o fariseu, incorporando todo o mal e injustiça do mundo. Sua aparência é colorida - um nariz áspero com uma corcunda, uma testa alta, um brinco na orelha, pele bronzeada, uma mão forte segura uma moeda. Não é por acaso que duas figuras, um dos quais representa bondade e nobreza, e o outro - toda a baixeza e mesquinhez de que uma pessoa é capaz, ocupar um espaço tão diferente na tela. Não é por acaso que Ticiano corta a figura do fariseu, o pressiona para a borda da imagem, mostrando assim sua atitude em relação à questão da luta entre o bem e o mal, sua crença infinita de que o princípio divino armazenado em cada pessoa pode derrotar todos os vícios do mundo.

Busca pela felicidade pessoal

A vida pessoal do artista não deu certo imediatamente. Por um longo tempo, ele não conseguiu encontrar sua amada do seu agrado. Pela primeira vez, a ideia do casamento foi visitada por Ticiano quando conheceu a filha de seu amigo - uma menina muito jovem chamada Violana. Infelizmente, não havia nenhuma evidência de que seu amor era mútuo, mas a julgar pelo fato de que Violana costumava visitar o estúdio do artista e posar para ele para uma série de obras, Ticiano não era indiferente a ela. Verdade, Apesar disso, o casamento não aconteceu. Os biógrafos de Ticiano podem apenas especular sobre as razões para este resultado, mas provavelmente, os pais da menina se opuseram ao sindicato.

O artista imortalizou seu amor e paixão por Violanta no quadro Flora, escrito por volta de 1515 (agora o trabalho pertence à Galeria Uffizi em Florença). Este trabalho tornou-se uma verdadeira obra-prima do jovem Ticiano. A imagem está saturada de sensualidade e admiração pela beleza feminina. Uma linda garota de cabelos dourados segura em sua mão direita um ramo das primeiras flores da primavera, com a outra mão ela segura uma capa escorregando de seu ombro, quase expondo seu peito cheio. A imagem de Violana apareceu posteriormente em muitas obras do mestre (“Amor Celestial e Amor Terrestre”, “Solomei”, “Jovem Mulher com Espelho”, “Violana” e outros), como uma personificação da verdadeira beleza e feminilidade. Mas Flora se tornou a mais famosa delas, a tela foi copiada e copiada por outros artistas muitas vezes.

A segunda obra significativa do artista, escrito no mesmo período de tempo, foi “Amor Celestial e Amor Terrestre” (por volta de 1515, Galeria Borghese, Roma). A inspiração ideológica da imagem foram as "Ninfas de Azolan" de Bembo e o romance "Batalhas de amor em sonhos polifilosos", que foram ativamente discutidos nos salões venezianos. As raízes de ambos estão na mitologia romana, em que duas Vênus personificavam a unidade dos opostos - sentimentos platônicos sublimes e desejos e paixões carnais.

A tela é pintada em cores surpreendentemente brilhantes e claras que transmitem uma percepção alegre da vida e do mundo ao seu redor, está cheio de alegorias e símbolos, pois foi criado por ordem de um especialista em arte. No primeiro plano da imagem estão as figuras de duas belas mulheres que estão sentadas perto da fonte. À esquerda está a bela Violana na imagem do Amor Terrestre. Seu vestido foi interceptado por um cinto com fivela de metal, que representa o símbolo do matrimônio, seu emblema é uma coroa de ramos de murta em sua cabeça. O amor celestial na parte direita da imagem segura solenemente uma lâmpada acesa em sua mão levantada, como se abençoasse o amor terreno pela reciprocidade. É difícil não perceber isso, apesar do fato de que as duas mulheres na tela são, por assim dizer, opostos um do outro - na verdade, eles estão na mesma face. A diferença está apenas nas roupas das heroínas. O amor celestial está nu, apenas um pedaço de tecido branco cobre seus quadris - este é um símbolo de sua pureza e inocência, sua capa vermelha contrasta agudamente com as cores modestas e contidas das roupas do Amor Terrestre.

Como em qualquer tela da época, o fundo não desempenhou papel menos importante no significado simbólico da imagem do que seus personagens principais. A paisagem sensual e ao mesmo tempo excepcionalmente clara é dividida em duas partes por uma árvore poderosa. Na metade "terrestre" da imagem é retratada uma casa rica e um cavaleiro se aproximando dela, que obviamente uma esposa amorosa e fiel está esperando do lado de fora do portão. Lebres, deixada para trás a figura do amor terreno significa fertilidade. A paisagem do lado direito da imagem inclui a torre do sino de uma igreja em meio a cadeias de montanhas, um lago e um rebanho de ovelhas com um pastor guardando-os. O Cupido no centro da tela está ocupado pegando as pétalas de rosa caídas da água.

Nesta composição incomumente harmoniosa, o mestre, de uma maneira muito elegante, tenta resolver o dilema real e ético para si mesmo sobre a relação entre o sentimento exaltado e a paixão carnal. A obra lírica está repleta de muitos detalhes muito realistas que caracterizam o estilo de Ticiano do autor atual, bem como sua rica paleta. O cliente da tela, um oficial apaixonado pelo Grande Conselho, ficou muito satisfeito com a pintura, nem mesmo suspeitando que se tornaria uma grande obra-prima da pintura mundial.

Ao mesmo tempo, a pintura "Madonna com cerejas" foi pintada (1515, Museu Kunsthistorisches, Viena). A tela se distingue pelo brilho da solução colorística e pelo detalhamento exato de todas as figuras e objetos, que, sem dúvida, fala do grande talento e habilidade de seu autor.

Quanto à história do amor não realizado de Ticiano e da jovem Violana, ela, tendo encontrado a oposição de outros e parentes, por si só deu em nada. O mestre voltou para casa, nem mesmo suspeitando que era ali que o destino o esperava. O irmão mais velho do artista trouxe uma nova governanta para sua casa - uma garota simples, Chechilia. Com ela, a casa do artista estava cheia de limpeza e conforto, sua lareira ganhou vida, a cozinha estava cheia de aromas de dar água na boca. Ticiano ficou impressionado com a simplicidade, espontaneidade, modéstia e nobreza da Chechilia. Mas ele ainda não sabia que seria ela quem se tornaria sua companheira por toda a vida, amiga fiel e mãe de três filhos.

O pintor oficial da República de São Marcos

Em 1517, Ticiano, finalmente aprovado como o artista oficial da República de São Marcos, trabalhou para criar a imagem do altar da Ascensão de Maria (1516-1518, Igreja de Santa Maria Gloriosa dei Frari em Veneza). No dia da inauguração, a igreja estava lotada de convidados eminentes e pessoas comuns. Quando a tampa foi solenemente removida do altar, os presentes literalmente engasgaram com a luz ofuscante que exalava. A intensidade emocional atingiu seu pico expresso em gritos de alegria e indignação, tal efeito impressionante produziu uma nova criação do artista. Tornou-se um novo marco na história da pintura veneziana e mundial, no qual será difícil encontrar uma obra que se destaque pelo mesmo poderoso impacto emocional. A arte do então famoso Bellini e Carpaccio nunca atingiu tais alturas, e a pintura do mundo naquela época não tinha outros exemplos de uma imagem tão grande e monumental.

A composição da obra está dividida em três partes. Na parte inferior estão figuras de três metros dos onze apóstolos, acompanhando a Virgem, ascendendo ao céu. O mestre transmitiu perfeitamente suas emoções através do tempo, expressões agitadas de seus rostos. Os apóstolos são executados de forma tão realista que parece ao espectador que agora ouvirá seus gemidos e exclamações desesperados. No centro do afresco representa a majestosa figura da Mãe de Deus, dizendo adeus a este mundo e escoltado por anjos até Deus. A expressão do rosto dela é calma, em seu olhar há paz e uma alegria silenciosa do futuro encontro com o Pai Celestial. E finalmente, na parte superior da composição o Senhor é representado, esperando a virgem Maria com dois anjos. Infelizmente, a imagem não foi preservada. O tempo a influenciou muito, as cores desbotaram e choveram, além do que, além do mais, por muitas razões, uma enorme tela era constantemente transportada de um lugar para outro, o que também não poderia deixar de afetar sua segurança. Contudo, não há dúvida de que com esta obra-prima Ticiano provou aos seus compatriotas o quão merecidamente recebeu a sua posição como o principal artista da República de São Marcos.

Obras-primas do artista nasceram uma após a outra. Em 1520, o magnífico “Retrato de um Homem com Luvas” foi pintado (o Louvre, Paris), que retrata um típico representante da intelectualidade da época, que era próximo em espírito ao próprio Ticiano. O homem retratado está imerso em seus próprios pensamentos, ele é sonhador e pensativo, em suas mãos estão luvas, mas ele parece ter esquecido deles. Apesar do aparente distanciamento, seu rosto é claramente expressa posição ativa perante a vida. Ele dá a impressão de ser uma pessoa muito autossuficiente, autoconfiante e conhecedor da vida. Nesta imagem, Ticiano apresentou um certo herói de sua época, aquele que ele gostaria de encontrar na sociedade veneziana:um educado, afinar, homem inteligente e profundo que manteve a dignidade e a nobreza espiritual, apesar de um momento muito difícil, quando as mentiras reinam em todos os lugares, hipocrisia e raiva.

Além de retratos e pinturas religiosas, de 1520 a 1523, Ticiano cria várias pinturas com um enredo mitológico. Mitologia e alegoria eram o skate indiscutível do mestre, Contudo, após a criação das pinturas “Bacchus and Ariadne” e “Bacchanalia na ilha de Andros”, o artista por muito tempo se desviou dos enredos mitológicos. Os biógrafos de Ticiano atribuem isso ao fato de que o pintor participou ativamente da vida da sociedade, cujos problemas o preocupavam constantemente. A alegria cega e a diversão desenfreada dos heróis mitológicos estavam muito distantes da realidade que cercava o artista com seus vícios e problemas.

O enredo da pintura “Baco e Ariadne” (1520-1523, Galeria Nacional, Londres) nos mostra o retorno vitorioso de Baco (na antiga mitologia grega de Dioniso) da Índia para a ilha de Naxos, onde Ariadne anseia sozinha. A carruagem de Baco, aproveitado por dois leopardos, já está calmamente parado na praia, e o próprio deus prontamente salta dela para sua amada Ariadne. A escolta de Bacchus apropriada é uma companhia divertida de sátiros e bacanais. Eles correm atrás do líder, quem, tendo levantado uma perna da panturrilha acima da cabeça, e que estão tentando escapar da garra de uma jibóia. Abaixo, um pequeno sátiro, ainda uma criança, arrasta a cabeça de um bezerro, em que o cachorro late, no chão. O menino olha para o espectador com um olhar malicioso com um sorriso malicioso, como se esperasse uma resposta do público ao seu empreendimento.

A capa roxa do Baco nu balança ao vento, toda a sua figura é extraordinariamente dinâmica, reflete sua impaciência. A figura de Ariadne, pelo contrário, é afastado do visualizador, como se estivesse fechada para ele. Parece que Baco, com sua rapidez, a assusta. Ariadne, chocado com tudo o que acontece, se esconde atrás de sua mão, sem saber o que fazer a seguir. O pano de fundo da ação é uma paisagem com árvores imponentes, uma aldeia distante, montanhas no horizonte e no mar.

A segunda imagem mitológica deste período foi "Bacchanalia na ilha de Andros" (1523, Museu do Prado, Madrid). A tela retrata uma orgia dos habitantes da ilha, seus numerosos corpos preenchem quase todo o espaço da imagem. Aqui, homens e mulheres que bebem, divirta-se e atrocidades. No fundo, à direita na colina, estava um Selen bêbado e nu, na parte frontal direita da tela, uma garota nua é retratada, ela já bebeu bastante vinho e adormeceu aqui mesmo, em um cobertor branco, aparentemente esquecendo sua nudez. No centro, ao lado do adormecido, uma criança pequena está se aliviando.

No final deste ano, o artista soube da triste notícia - um talentoso pintor italiano, um representante da escola veneziana clássica Vittore Carpaccio, faleceu. Foi a ele que Ticiano dedicou sua nova pintura, “A posição no sepulcro” (1523, Museu do Louvre, Paris).

A composição da imagem é rica, feito em tons de vermelho-laranja e preto, transmitindo drama e ansiedade de uma trama dinâmica. Quase não há fundo, apenas um céu cinza e escuro, floresta quase negra no canto direito. À esquerda estão as figuras tristes da Mãe de Deus e Maria Madalena confortando-a, quem a apóia pelos ombros. Ambos assistem com horror enquanto os três discípulos carregam o corpo sem vida de Cristo para ser colocado em uma tumba. O primeiro plano da imagem está cheio de brilho que emana do corpo de Cristo, como se brilhasse por dentro. Parece brilhar por dentro, preenchendo o primeiro plano da tela com brilho. A imagem é construída em uma combinação de cores vermelhas e pretas, transmitindo um episódio dramático de alarmante e dinâmico.

Retratos de doges para o salão do Grande Conselho ocuparam uma grande parte do trabalho de Ticiano como artista da corte, mas, Infelizmente, quase todos eles foram queimados durante vários incêndios. Um lugar de honra na galeria de retratos preservados da corte pertencentes ao pincel de Ticiano é ocupado pelo "Retrato de Federico II Gonzaga" (cerca de 1525-1529, Museu do Prado, Madrid), no qual o Doge é capturado com seu amado cachorrinho. Gonzaga é retratado quase em sua altura máxima. Suas roupas azuis escuras, decorado com ornamentos incríveis, dar à imagem um luxo e uma certa solenidade. O rosto de um Doge com traços aristocráticos delicados e uma barba bem cuidada está cheio de auto-estima. Ele olha para o visualizador com um olhar distante. Os dedos graciosos e bem tratados de Gonzag acariciam o cão, que é pressionado contra o dono com todo o seu corpo.

Série de perdas

No apogeu de seu reconhecimento público e relevância, o artista sofreu uma tragédia pessoal. Durante o nascimento de seu segundo filho com Ticiano, Cecilia de repente começou a sangrar muito. Esta notícia chocou muito o pintor e, temendo o pior, ele decidiu se casar imediatamente. Ticiano convidou os melhores médicos para Cecília, com cujos esforços ela finalmente melhorou, mas o artista não mudou de idéia sobre o casamento. Esta notícia se espalhou rapidamente por toda Veneza, porque Ticiano era um artista e figura pública muito famoso. Contudo, ele e Cecilia organizaram uma cerimônia de casamento muito modesta em casa, no círculo apenas das pessoas mais próximas e queridas.

Foi em 1525, Ticiano ficou com sua família por um tempo, e quando Cecilia se tornou forte o suficiente, ele voltou para Veneza, onde era aguardado por inúmeras ordens inacabadas.

Em 1530, Ticiano embarcou em uma nova tela com tema religioso, Jantar em Emaús (Louvre, Paris). The traditional gospel storyline depicts the risen Christ sitting at a table covered with a snow-white tablecloth. On both sides of him are his students, next to the owner of the institution and the waiter, watching this wonderful phenomenon. Christ blesses the served dishes with a gesture of his hands. The whole composition is very light, lyrical, sustained in bright and gentle colors, it is written with light free strokes.

Time flies quickly, and the constantly busy Titian is again informed about the grave condition of his wife. The artist throws everything and rushes home. He barely manages to catch Chechilia, which has changed beyond recognition. After the birth of their third child, a daughter named Lavinia, the poor woman again experienced severe bleeding. Despite all the efforts of the doctors, after a sleepless night that Titian spent at his wife’s bedside, she died on August 5, 1530.

The artist unusually hard suffered this loss. According to the descriptions of his contemporaries, he lived like in a dream, continued to do something, met with people, but as if he had not seen and heard no one. All of Titian’s thoughts were occupied by his beloved Cecilia, who for many years was his faithful friend, devoted wife and loving mother of their children. Only after he lost her did the artist realize how much light this woman, who was so noble and modest, brought to his life. Cecilia filled his house with warmth and comfort, she surrounded Titian with endless care, so that nothing would stop him from creating his masterpieces. Uma vez, the artist wandered around his house, thinking about his irreparable loss, when he stumbled upon an unfinished canvas, which the customer had long been waiting for. It was the Madonna and the Rabbit (circa 1530, Louvre Museum, Paris). Titian’s eyes filled with tears – Cecilia looked at him from the picture, embodied in the image of a woman standing to the left of the Virgin Mary.

Time passed, the children grew up. The two sons of Titian were complete opposites of each other:the eldest Pomponio was selfish and lazy, and the younger Orazio, pelo contrário, was calm and complaisant. Little Lavinia was very similar to her mother. Titian every day more and more clearly understood that he had more oppression to be in the house, where every corner reminds him of his dead wife. But the artist was also tired of Venice, he did not want to return there. The painter for a long time was looking for a new home in a quiet secluded corner. And so, on September 1, 1531 he succeeded – he rented a two-story house with a wide terrace and a mezzanine on the outskirts of Biri Grande.

In 1532, Titian embarks on his first full-length portrait. This is a “Portrait of Emperor Charles V with a Dog” (Prado Museum, Madrid).

Hours of posing helped to establish a very friendly relationship between the artist and the emperor. The emperor sincerely told Titian about his life and about himself. Charles V was a man infinitely tired of power, whose life was filled with soulless formality and formalities. That is why the painter portrayed the emperor in simple clothes, and not in a luxurious full dress, thereby emphasizing that his hero, em primeiro lugar, is a man. The only faithful creature in his life was the dog pictured next to him. According to eyewitnesses, Charles V was very pleased with the painting and admired the skill of the artist. Filled with emotion, the emperor parted tightly hugged the painter. The retinue of Charles V, who was present at all this subsequently overwhelmed the artist with orders, providing him with work for a long time.

Following this, Titian overtook another loss – his mother died. This event plunged him into an even deeper depression. Only the joyful laughter of the children in his new home helped the master stay and live on. And yet, for several years the artist lived like a recluse, without leaving his workshop for days. He worked extremely hard, and devoted his free hours to talking with children.

Pinnacles of excellence

After the loss of Cecilia in the house of Titian, his sister Orsa began to farm, she also was engaged in raising children. Time passed, and once Orsa noticed that every evening a gondola floated to the painter’s house, in which a young woman sat, always trying to go unnoticed. She quickly climbed the outer staircase directly to the artist’s workshop, located on the second floor. Claro, it never occurred to anyone to reproach the painter, pelo contrário, the relatives hoped that the appearance of a new lover would somehow brighten up the solitude of Titian and help him regain the joy of life. The result of this hobby was such work, depicting a beautiful stranger, such as “Portrait of a young woman in a hat with a feather”, “Girl in a fur cape”, as well as the magnificent “Venus Urbinskaya”.

“Girl in a Fur Cape”, written in 1535 (Kunsthistorisches Museum, Vienna) was a commissioned work and is an allegory of marriage. A young girl is depicted on the canvas playfully covering one breast with a fur cape, while her second breast remains naked. The girl’s timid look and delicate blush on her cheeks only emphasizes the erotic meaning of the picture, which consists in contrasting female flesh and fluffy fur. A similar composition is in the painting “Portrait of a Young Woman in a Hat with a Feather” (1536, State Hermitage Museum, St. Petersburg), where the model also has her right shoulder, chest and arm. Under the trimmed fur cloak you can see a translucent white shirt. A hat with feathers decorated with stones is on the girl’s head. In both paintings, the artist does not hide his admiration, on the verge of frank lust, the beauty of a young female body. The heroine’s snow-white skin, written in light, weightless strokes, contrasts sharply with the rich dark background, thanks to which her image seems even more delicate and fragile.

And in 1538, by order of the governor of Venice, Guidobaldo della Rovere, who will later be Titian’s regular customer, the painting “Venus Urbinskaya” (Uffizi Art Gallery, Florence) was painted. This picture was the wedding gift of the duke to the future wife. The golden-haired Venus, lying in a graceful pose on snow-white sheets, is full of bliss, in her right hand is a rosehip branch. Her gaze is calm and sure, she is not shy of her nakedness. A beautiful body is written so thinly and lightly that it seems as if a glow emanates from it. At the feet of Venus, instead of the traditional cupids, a small dog sits and sleeps. In the background of the painting is a room bathed in the bright light of a sunny morning. On the window of Venus is a pot of myrtle, representing marriage and fidelity. Two handmaids scurry around her chest, picking outfit for the morning toilet of the hostess. Oddly enough, Venus Titian is not at all a celestial, but a very real earthly woman, who appears before us in frankly naked beauty.

If we follow the approximate chronology, então, from the works known to us, there is the canvas “Crowning with a Crown of Thorns”. This painting exists in two versions:one of them is stored in the Louvre (1542), and the other in the Old Pinakothek of Munich (1572-1576). The composition of the two paintings is very similar. In the center of the canvas is the figure of the tortured Christ, surrounded by five tormentors and three steps leading to the place of public scourging. The difference is only in the background. At an early work, a brutal scene of mockery of Jesus takes place against a backdrop of a brightly lit stone arch above which stands a bust of the emperor Tiberius. In a later picture, only a lighted chandelier is visible at the top of the canvas. Em ambos os casos, Christ humbly endures bullying and pain from people who vehemently attacked him with spears. Afinal, He has already forgiven them, and this gives His image true majesty.

In 1545, Titian creates another outstanding portrait of the Doge of Venice, “Portrait of the Doge Andrea Gritti” (National Art Gallery, Washington). It depicts a ruler with a stern gaze of cruel eyes, betraying his merciless and oppressive character. Deep red clothing once again emphasizes his charisma and desire for leadership. On the doge there is a cloak from an expensive, as if luminous fabric of brown-golden tones and the same headdress.

The closed and uncommunicative Titian had very few close friends. One of them was the poet and writer Pietro Lretino. These were two very different people:Lretino was very cheerful, loving, loved luxury, feasts and festivities, talkative and self-confident, he had great connections. Titian liked optimism, cordiality, charisma and the fact that the poet was very well versed in art and literature. Titian even became the godfather of one of the daughters of Loretino. In 1545 he painted his portrait. In the painting “Portrait of Pietro Lretino” (Palazzo Pitti, Florence), almost the entire space of the canvas is occupied by the figure of the poet. The canvas is written using numerous variations of red and golden colors, they will fill it with energy and power of spirit, revealing the character of the hero. There is evidence that Lretino was dissatisfied with the work, em particular, he did not like that the golden chain (received as a gift from King Francis I) was almost invisible on his chest and glistened too dimly. Verdade, this could be a joke of the poet, misinterpreted by an eyewitness.

In the same year, in 1545, Titian writes "Portrait of a Young Man" (Palazzo Pitti, Florence). A handsome man with a hypnotic and bewitching look of greenish eyes looks at the viewer from the canvas. For a long time it was believed that the picture depicts the English Duke of Howard, so the painting was called "Portrait of a Young Englishman." But in 1928, the art critic Venturi put forward his own version, supported by convincing evidence. He believed that the man on canvas was Ippolito Riminaldi, a lawyer, another friend of Titian, whom he loved to meet during his trips to Ferrara. As for the composition of the canvas, it is extremely simple:before us is a young man in a strict black camisole, white lace cuffs peeking out from under his collar and sleeves. His left hand lies on his hip, and in his right he holds gloves.The overall color of the canvas is very restrained, it is built on a combination of two primary colors:black and gray. Only white spots of cuffs and brown gloves dilute them. It is amazing how accurately and subtly his face is written out with thoughtful, clever eyes. In all its appearance, nobility shines through.

In 1548, Titian painted another portrait of Charles V. The emperor confessed to the artist, with whom he became close even earlier that he was tired of the sight of blood being shed and that he lived only waiting for the upcoming meeting with his unforgettable wife. Full of sincere compassion, Titian conveyed his feelings in “Portrait of Charles V in an Armchair” (Old Pinakothek, Munich). Here the emperor is depicted sitting in an armchair against the backdrop of a deserted dull landscape, from which he still blows with cold and longing. Charles V sits in an armchair, dressed in all black, as if forgetting to take off one glove. The red floor contrasts sharply with the colors of his clothes and headgear. The emperor is very sad, thoughtful and lonely.

Perfection of style

The last fifteen years of the artist’s life, when he had already exchanged the eighth dozen, is usually called the late period of his work. This is the time when Titian again turns to his favorite mythological theme, which he always interpreted in his individual spirit.

The painting “Venus and Adonis” (Prado Museum, Madrid) dates back to 1533, the plot of which shows us a scene of parting. Venus tries to keep her beloved, absorbed in the thirst for hunting and not listening to her warnings about impending danger. Trying to keep Adonis, with the force breaking out of her arms, Venus accidentally knocks over a vase with her foot. In the background of the picture, under the thick crown of a tree, Cupid sleeps quietly, designed to protect their love. The dynamic and exciting character of the plot contrasts sharply with the landscape around, filled with calm and pacification, nothing that portends trouble in it. In this hunt, where Adonis died, Titian sees a metaphor for human life:people are always looking for something, they want more, they are ready to risk their health and life, go against fate, even forgetting about God, who will inevitably punish them for this. The picture was an unprecedented success with the public. The artist had to make about twenty copies of the canvas with various variations of similar plots.

The second incredibly popular painting by Titian, which he had to copy many times, was Venus with a Mirror, painted around 1555 (National Gallery, Washington). She has a fair-haired Venus covering her breasts with her left hand, she hides her knees under her bright blanket with her right hand. Two chubby cupids hold mirrors in front of her. The goddess’s cheeks burn with a charming blush that symbolizes blooming youth and beauty. The masterpiece was in Russia, but in 1931, by order of the government of the USSR and regardless of the opinion of the directorate of the State Hermitage, it was sold to a private person. Later, the picture was in the National Gallery of Washington.

Another masterpiece of the late period of Titian’s work is the painting “The Abduction of Europe” (1559-1562, the Isabella Stewart-Gardner Museum, Boston), the plot of which reproduces one of the episodes of Ovid’s Metamorphosis. Technically, the picture was done freely and boldly, this distinguished the last works of the master, written in wide, careless strokes. If you look at the picture from close up, it is difficult to understand what is painted on it and only from a distance a great masterpiece of Titian is revealed to us. Na verdade, these paintings were the forerunners of impressionism, when you look at them, it seems that the whole work is written at one time, easily, naturally, on a grand scale.

In the spring of 1559, Titian fell into an unpleasant position. His youngest son, Orazio, went to Milan, where he was supposed to receive from the treasury a very large amount of money belonging to his father. On the way home, they attacked the young man, beating him and robbing him. As it turned out later, the robbery was arranged by the sculptor Leone Leoni, who also worked for the royal court. Titian immediately suspected Leone and wrote a letter to Philip II, the text of which reached us:“Leone, who knew about the payment of state benefits and was prompted by devilish instigation, decided to take Orazio’s life in order to appropriate his money… He invited Orazio to his house and offered him to live in his house. My son rejected this offer and this villain, expelled from Spain for Lutheranism and spurred on by an enemy of the Lord God, decided to commit the murder with the help of accomplices.The scoundrels attacked Orazio with swords and daggers in their hands, having previously thrown a net over his head. Not expecting such a betrayal, my poor Orazio fell, having received six serious wounds. If Oratio died, on whom I have all my hopes in impending old age, então, under the weight of this grief, I swear I would lose my mind. " At the end of the letter, he demanded to punish Leoni with all the severity of the law. The sculptor was arrested, but after he paid the fine, he was released.At the end of the letter, he demanded to punish Leoni with all the severity of the law. The sculptor was arrested, but after he paid the fine, he was released.At the end of the letter, he demanded to punish Leoni with all the severity of the law. The sculptor was arrested, but after he paid the fine, he was released.

Before Titian recovered from this shock, his brother Francesco passed away. The artist’s biographers suggest that in the same period, the beloved daughter of the artist Lavinia died in childbirth. A series of these events hit the master very hard.

In 1550, at the age of seventy-three years, the artist began to write “Self-Portrait” (State Museum of Art, Berlin), completed only eleven years later. On it, Titian appears before the viewer as not a decrepit and feeble old man, who only has to humbly wait for his death. On the contrary, we see a strong and confident person in front of us. A fur cape is thrown over the broad shoulders of the master, a shirt underneath it, on which a golden chain is clearly visible. The fingers of his hands drum on the table, which characterizes his restless disposition and concentration. It seems that in a moment the artist will cheerfully stand up and with great strides will go to create his next masterpiece. In the narrowed gaze of Titian we see wisdom and a genuine interest in life. Most likely, this self-portrait was created for children, since until the death of the painter was in his house.

Around 1565, Titian received an order for the painting “Penitent Mary Magdalene” (State Hermitage Museum, St. Petersburg). The model for the canvas was a certain Julia Festina, who delighted the master with a shock of long golden hair. The duke of Gonzago really liked the painting, he immediately ordered a copy of the canvas to give it to a certain poetess. The work was such a resounding success that Titian decided to immediately make several copies, changing in each only the position of the heroine’s hands, the tilt of his head and the surrounding landscape background. The biographer of Titian Ridolfi points out six paintings by Titian with the penitent Mary Magdalene. One of the surviving canvas options is kept in Moscow in a private collection. Mas, according to experts, the best of them is the one that is represented in the State Hermitage Museum of St. Petersburg. On her the image of the penitent Mary is the most chaste.Her beautiful body is covered with light translucent clothes and a striped cape, as well as flowing hair scattered over her shoulders and chest. The penitent Magdalen looks at the sky with a look full of remorse, her eyes are full of tears and despair. In the foreground of the picture are Christian symbols – the skull and the revealed Scripture.

In 1565, Titian creates another of his best masterpieces – “Portrait of the Antiquarian Jacopo Strada” (Kunsthistorisches Museum, Vienna). The painting perfectly conveys the character of the collector depicted in "his element" – around him are old books, coins, on the wall is either a painting, or part of an ancient manuscript. Jacopo shows the invisible interlocutor a figurine made of white marble, his face and the whole pose are filled with energy, inspiration and even excitement. The canvas has an unusually harmonious color. The clothes of the antique dealer and his whole environment are made in warm colors creating an atmosphere of a certain solemnity. This picture was a vivid example of a “different” painting discovered by Titian on his declining years. Later, this direction, with its richness of colors and shades, and unusually skillful transmission of chiaroscuro, will be developed by such artists, like Rembrandt and Caravaggio. But this will be more than 100 years later, and now, Titian, already at a very advanced age, having undergone many adversities and personal afflictions, continues to create.

The last years of the master’s life

Nos últimos anos, the artist often wrote for the soul. The house of Titian was constantly full – many students, artistas, collectors and famous guests came to him in all of Italy and from other countries. No entanto, prone to melancholy and meditation, Titian, na verdade, remained lonely. He often recalled his youth and beloved Chechilia, indulged in thoughts of the frailty of being and yearned for all those who had taken his time. The result of these sad arguments and spiritual loneliness was the painting “Allegory of Time and Reason”, written around 1565 (National Gallery, London), which is considered a kind of testament of the master to his descendants. According to tradition, the picture should be read from left to right, isso é, sentido anti-horário, and from top to bottom. The old in a red cap symbolizes the past, the black-bearded man is the present, and the young man is the future. Animalsthe pictures drawn at the bottom of the picture are also symbolic:the wolf represents the forces of man that selects the past, the lion represents the present, and the dog awakens the future with his bark.

In 1570, Titian creates the painting “The Shepherd and the Nymph” (Kunsthistorisches Museum, Vienna). This light, freely written canvas was no one’s order; the artist created it for himself. The naked nymph lies on the skin of a dead animal, facing its back to the viewer and turning its head slightly. The young virgin is not at all embarrassed by her nudity. Next to her is a shepherd who is about to start playing a musical instrument, although perhaps he just broke off, carried away by the beauty or the words of the heroine. The overall color of the picture is intentionally thickened by the author, this creates a certain secret and understatement in the relations of the main characters, enhanced by the inclusion of brown and ashy dark tones. The background landscape is blurry, there you can see only a piece of a broken tree, as if remaining after a storm. He does not affect lovers, living in their own world of beauty and bliss and noticing anything around. Despite the romantic composition of the picture, the chaos prevailing in the landscape surrounding the characters and the choice of colors, nevertheless tell us that in the artist’s soul there was no joy in harmony. It is as if his own question is visible in the bewildered look of the nymph – what will happen to them next, how to find joy again in the destroyed Universe.

Soon another misfortune happened, the father of Titian died. But the artist could not give up, he continued to create. Thanks to his regular customer, Philip II, Titian was always provided with work. Então, around 1570, the master began to create the work “Carrying the Cross” (Prado Museum, Madrid), which took five years to complete. At the heart of the picture is a classic gospel story. According to Scripture, Simon the Cyrene was sent to Christ to help him carry the heavy cross to Calvary. Jesus’ face is full of torment and pain, his right shoulder seems almost transparent. The image of Simon, as if opposed to the image of Christ. On his finger is an expensive ring, emphasizing its difficult origin. Simon’s clean face with a neat, well-groomed beard contrasts sharply with the face of Jesus covered in drops of blood.The whole picture is divided diagonally by the bottom of the cross, which further enhances the overall dissonance.

Religious themes go through all of Titian’s work, but according to the plots of the paintings themselves and the manner in which they are executed, one can trace how the artist’s worldview has changed, his attitude to virtue, vices and the theme of martyrdom. This is perfectly reflected in the canvases dedicated to the great martyr Sebastian.

In the first works, Saint Sebastian appears before us humble and humble, but in the last work of the artist, he is determined and ready to fight to the end. This painting, entitled “St. Sebastian” (State Hermitage Museum, St. Petersburg), was painted around 1570. The background in the picture is blurry, it is impossible to make out anything on it, and only the figure of the hero himself, nailed to a tree, stands out for its purity. His body is punctured by arrows, but his face is not distorted by pain. Pride and calm were in his gaze, his face was slightly raised, and his brows were frowning. It is believed that Titian here depicted himself, not in the literal sense, but allegorically. Assim, he expressed his attitude to his own fate, to all the betrayals and losses that he, by the end of his life, had learned to endure steadfastly and with dignity.In this work, the artist’s faith is concluded that an individual hero is able to endure any blows of fate, he will survive, even if the whole world around him is turned upside down, he will be able to withstand and not break. The color of the picture seems blurry and monochrome, but hundreds of colors and nuances burn in every centimeter of it. The fate of the picture was such that in 1853, by decree of Emperor Nicholas I, she was placed in the storerooms of the Hermitage, where she lay until 1892. Only after many years did this work take its rightful place in the museum hall.that in 1853, by decree of Emperor Nicholas I, she was placed in the storerooms of the Hermitage, where she lay until 1892. Only after many years did this work take its rightful place in the museum hall.that in 1853, by decree of Emperor Nicholas I, she was placed in the storerooms of the Hermitage, where she lay until 1892. Only after many years did this work take its rightful place in the museum hall.

In the same year, Titian wrote another work, with a similar idea. At the heart of the painting “The Punishment of Marcia” (Picture Gallery, Kromeriz). lies the myth of the satire of Marcia, who dared to challenge Apollo to a musical contest. Marsyas played the double flute, and Apollo played the lyre. When the muses could not choose a winner, Apollo offered to compete in vocal skills. Aqui, Martius lost. In punishment for the defeat, Apollo decides to strip his skin, this moment is depicted in the picture.

In the center of the canvas is the figure of Marcia, suspended by her legs from a tree. Around him are heroes who are carried away by the process of the monstrous torture of the satyr. The picture is divided into two parts:to the left of Marcia’s body are people who are fascinated by his killing, she rip off his skin, not hiding her pleasure. On the right side of the canvas are those who are saddened by this brutal murder. These include the elder, quem, presumably, depicts Titian himself. He sadly observes the death of Marcia and the cruelty of his executioners. The face of the satyr himself retains the dignity of imminent death. Art historians believe that the plots of the latest paintings by Titian characterize his farewell to the ideas of humanism, in which he was disappointed. The world is cruel and nothing in it can save a person, not even art.

Loneliness and despair

The painting “Mourning of Christ” (Gallery del Academy, Venice), painted around 1576, was the last creation of the master. In it, Titian reflected the question tormenting him:what is there, beyond the limits of life? Two huge sculptures are depicted on both sides of the canvas:the prophet Moses and the prophetess Sibyl, they personify the prophecy of the crucifixion and the subsequent Resurrection of Christ. At the top of the arch on the left side are the branches and leaves of the plant, at the top on the right are small vessels with a blazing fire. In the center of the composition, the Mother of God supports the lifeless body of her murdered Son. To the left of Christ stands Mary Magdalene, her pose is warlike, she as if asks:"What is this for?!" To the right of the virgin Mary, an old man is standing on his knees, supporting the lifeless hand of Jesus. Some believe that the figure of the elder also depicts Titian himself.The general coloring of the canvas is sustained in silver tones with separate intersperses of red, brown and gold. The colors and arrangement of the figures perfectly convey the hopelessness and dramatic nature of the plot. There is a mystery here. In the lower left corner of the work there is a little man with a vase in his hands, art critics are still wondering where he came from and what he was supposed to symbolize.

Enquanto isso, a plague raged in Venice, which infected the youngest son of Titian Orazio. The artist himself courted him, not fearing the contagiousness of the disease. But once, in the last days of August, the painter, being in his bedroom locat