Edgar Ilère Germain Degas (1834-1917)

Edgar-Germain-Hilaire de Ga ou Edgar Degas, como o mundo inteiro o conhece, nasceu em Paris em uma rica família aristocrática. A infância do futuro artista foi realizada em uma atmosfera de amor e tranquilidade. Desde tenra idade, Edgar mostrou amor e habilidade para desenhar, e apesar do fato de que seu pai queria que ele se tornasse um advogado, nada poderia impedir o jovem de estudar a arte da pintura. O mentor do jovem Degas na Escola de Belas Artes de Paris foi o então famoso artista Lamot. Verdade, depois de apenas um ano de escolaridade, em 1856, Degas inesperadamente deixa Paris para todos e parte por quase dois anos para morar na Itália.

Pinturas de Edgar Degas

O motivo formal da viagem foi o desejo de ver seus parentes paternos. Mas não foram eles que o atraíram para a Itália, mas a oportunidade de entrar em contato com as notáveis ​​obras de arte dos grandes artistas do Renascimento.

O artista viajou muito, visitou todos os principais centros culturais do país - Florença, Roma e Nápoles. Em cada cidade, ele estudou com grande atenção a obra dos grandes pintores do passado. Os Degas ficaram mais impressionados com as telas de Paolo Veronese e Andrea Mantegna, que se tornou o seu ideal.

Os primeiros experimentos criativos

Dois anos depois, o jovem artista conhece Gustave Moreau, que mais tarde se tornou para ele não apenas um camarada, mas também um mentor. Moreau estudou pintura apaixonadamente, dando todo o seu tempo. Tentando entender a essência da harmonia, ele estava apaixonadamente interessado nas obras de Ticiano, Leonardo da Vinci, Rafael, Caravaggio e Veronese, tentando sentir seu sistema de criação de cores. Moreau preferia apresentar suas próprias composições coloridas em aquarela ou pastel. O jovem Degas ficou tão impressionado com o trabalho de um camarada mais velho que também voltou sua atenção para essas técnicas. Deve-se destacar que Moreau teve uma forte influência no jovem artista, mas se Gustave atribuiu o lugar principal para colorir, então Edgar Degas (especialmente no início de sua obra) afirmou a primazia do desenho, tendo a certeza de que se tratava de um “campo de atividade mais fecundo”.

É na Itália que o pintor inicia a busca por seus próprios meios individuais de expressão artística. Como base de seu próprio estilo, Degas escolhe a construção construtiva da forma, através de sua interpretação realista. Portanto, as primeiras obras do artista são distinguidas por um padrão nítido e preciso.

Muitas das obras de Degas relacionadas a esse período são dotadas de expressividade especial decorrente da reprodução exata da realidade. Isso é claramente demonstrado por sua pintura "Roman Beggar" (1857, Museu de Arte, Birmingham). A imagem da própria heroína nesta tela é incrivelmente realista, e até mesmo interpretação difícil, enquanto o espaço ao seu redor é retratado de forma bastante arbitrária. Uma velha cansada senta-se na soleira da velha casa, perdido nos pensamentos, e espia à distância com alguma curiosidade. Não só suas roupas gastas, mas também objetos aparentemente colocados descuidadamente no primeiro plano da imagem falam sobre a vida difícil da heroína:um pedaço de pão e uma panela velha com comida meio comida com uma borda lascada. Degas realizou a construção composicional da tela de acordo com os princípios dos antigos mestres, mas como seu modelo ele escolheu não uma bela senhora sofisticada, mas uma mulher simples, cuja imagem não é nada idealizada.

Apesar de a fotografia ser caracterizada por uma certa estrutura gráfica da composição, possui modelagem de cores sutil e elaboração tonal verificada da forma mais precisa. Na verdade, com apenas quatro cores, o artista conseguiu criar um tipo de mendigo italiano surpreendentemente harmonioso e expressivo.

Muita atenção no trabalho é dada ao ornamento, como se “revitalizasse” todo o espaço envolvente. Nesta pintura, Degas conseguiu resolver com muita habilidade o problema artístico fundamental que preocupava o pintor durante seus estudos na aula de Louis Lamot - a relação entre a figura do herói e o espaço circundante.

Na primavera de 1859, Edgar Degas voltou a Paris. Tendo vivido um pouco na casa dos pais, o artista muda-se para uma grande oficina localizada no 9º arrondissement na Rue de Laval. Lá ele começa a criar, voltando-se antes de tudo para um tema histórico. Degas está tentando dar a ela uma nova interpretação, não é característico das primeiras obras deste gênero.

Um exemplo é a pintura “Jovens espartanos chamando os espartanos para competir” (1860, Museu Nacional, Londres). Aqui Degas, seguindo os cânones clássicos das belas-artes, procurou renová-los com observações vivas e precisas da vida real. O mestre ignorou completamente a idealização condicional do enredo antigo, os personagens que ele retratou são mais como adolescentes modernos tirados das ruas de Paris. Isso é especialmente perceptível em alguns movimentos angulares dos personagens representados por ele, colocado em uma paisagem um tanto estilizada.

As figuras dos jovens são colocadas paralelamente à borda inferior da tela em um único espaço do primeiro plano, o que dá à cena um grande poder de persuasão, sem perder o ritmo decorativo. Posturas estáticas de jovens falam sobre a influência da arte neoclássica. O artista enfatiza o realismo da cena com a ajuda de uma sutil interpretação psicológica dos rostos de cada personagem. Ao mesmo tempo, o principal meio expressivo na tela, como em trabalhos anteriores, é uma elegante linha musical - plástica. A cor da imagem, construído em uma combinação limitada de cores, dá à tela uma sensação de clareza e equilíbrio estritos.

Criação de um estilo peculiar de retrato

No início de sua carreira, Degas cria muitos retratos. Isso foi parcialmente afetado pela influência do pai do artista, que acreditava que era precisamente a posse habilidosa das habilidades do pintor de retratos que poderia garantir ao jovem uma vida confortável. Nas primeiras telas do gênero, Degas pintou principalmente autorretratos e retratos de membros da família, mas logo se voltou para a imagem de seus amigos. Nessas obras, os traços característicos do estilo individual do pintor foram claramente manifestados, que aderiu às técnicas tradicionais de composição, em que é fácil encontrar uma conexão com as obras dos antigos mestres.

Um exemplo é a obra de 1855 "Auto-retrato" (Museu d'Orsay, Paris) em que o artista utilizou um fundo escuro característico da escola espanhola de pintura, representado por grandes mestres como Diego Velázquez e Francisco de Goya. Em autorretrato, ele aparece diante de nós em uma pose natural, segurando um lápis de carvão na mão direita - um símbolo de sua pertença à arte. Deve-se notar que este trabalho, como muitos outros retratos antigos de Degas, distingue-se pelo esquema de cores monocromáticas.

Gradualmente, seu trabalho se torna mais saturado de luz e cor. Na pintura Auto-retrato com um chapéu macio (1857, Stirling Institute of the Arts e Frappsn Clark, William Sgown), o artista já se recusa a usar um fundo neutro e mudo. Embora o fundo da pintura seja azul escuro, é iluminado pela luz do sol constante vinda da janela deixada pelo mestre fora da moldura de sua tela. Degas se retrata em um terno casual, seu principal acessório expressivo é um lenço vermelho-laranja em volta do pescoço. Este ponto de cor brilhante desempenha o papel de um diapasão para a construção colorística do retrato.

No entanto, aqui, como nas telas anteriores, por exemplo, “Retrato de Rene de Ga” (1855, Smith Museum of Art College, Northhamton), uma postura estática pronunciada permanece. Verdade, Degas rapidamente percebeu essa falha e começou a experimentar movimentos e ângulos em seus retratos, que como resultado “reviveu” suas obras e lhes deu dinamismo. Foi graças à visão invulgarmente nítida da natureza e à nova construção composicional das pinturas que o pintor trouxe para as suas telas não só a emoção, mas também um psicologismo profundo pronunciado.

O verdadeiro auge do estilo inicial de Edgar Degas, como pintor de retratos, foi a obra “A Família Bellelli” (1858-1867, Museum d'Orsay, Paris). Os modelos para esta tela foram o tio do artista Gennaro, sua esposa Aaura, e suas duas filhas - Giovanna e Julia. A composição da imagem é construída com base no princípio de um determinado gênero de cena. No centro da tela está a figura da Baronesa, vestida com um vestido de luto preto sem acessórios. O tio do artista, Gennaro, é retratado na parte de trás; ele se senta em poltronas perto da lareira. As figuras e rostos de ambos os cônjuges expressam seu desinteresse pelo que está acontecendo ao redor. Giovanna, ao lado de sua mãe, pelo contrário, olha cuidadosamente para o visualizador. A Julia mais jovem, confortavelmente sentado em uma cadeira, ela, como se estivesse conduzindo uma conversa de lazer, voltou-se para o pai.

O artista nunca ditou a seus modelos a posição em que deveriam estar. Ao contrário de muitos pintores de sua época, Degas preferia pintar "retratos de pessoas em poses naturais típicas para eles, geralmente dando a eles liberdade absoluta, tanto na posição corporal quanto na expressão facial. "

Apesar de as poses de todas as modelos serem calmas, o arranjo assimétrico das figuras cria uma espécie de nitidez inesperada na composição. A cor da tela é escolhida com muito requinte, uma combinação de azul, prata, tons de preto e branco, construir um sistema de cores perfeito. Verdade, mesmo apesar disso, a cena que a artista exibia não poderia ser chamada de idealizada. Degas encheu o retrato da família de drama:ele retratou um casal, muito cansados ​​da companhia um do outro. Suas poses enfatizam a diferença de personagens e experiências emocionais dos cônjuges. Torna-se claro para o espectador que as crianças continuam sendo a única unidade que os une. Esta tela, marcado por profundo psicologismo, domínio na transmissão de luz e na precisão do desenho, é uma das melhores obras do gênero criada em meados do século XIX.

O estilo individual do artista estava em constante evolução, nas obras subsequentes, o pintor preferiu evitar a estacionariedade na composição e na disposição frontal dos modelos, realçando a dinâmica da composição. Para este fim, Degas costumava usar a construção da composição na diagonal, mudanças e ângulos inesperados, graças ao qual ele foi capaz de alcançar novos, efeitos mais expressivos.

Por exemplo, uma solução composicional muito ousada, escolhido por Degas para a pintura "Uma mulher sentada perto de um vaso de flores" (1865, Museu Metropolitano de Arte, Nova york), o que à primeira vista torna um estranho, impressão perturbadora. A maior parte da pintura é ocupada por um magnífico buquê composto por crisântemos de diversas cores. A heroína se senta ao lado de uma mesa em que há flores, mas o rosto dela está ligeiramente virado para longe deles, ela desvia o olhar. Parece que a heroína caiu na imagem de uma natureza morta por acidente. No entanto, tal solução não piora as características psicológicas do modelo, mas, pelo contrário, enfatiza e enfatiza sua individualidade. A mulher está distante, o rosto pensativo parecia dilacerado por uma névoa de tristes lembranças. O incrível talento com que a artista descreve cada traço que transmite características de sua personagem é impressionante. Estudos desta imagem, conduzido nos últimos anos, indicam que Margaret Claire Brunkan (que mais tarde se tornou Baronesa Valpinson) está retratada na tela.

Ao desenhar retratos, Degas costumava incluir atributos que revelam a ocupação ou o status social do herói. Um exemplo vívido de tal interpretação da imagem é a pintura "Retrato de James Tissot" (1867, Museu Metropolitano de Arte, Nova york), em que Degas, um artista francês, é retratado em sua oficina.

Em 1869, o artista cria outra de suas obras-primas - um retrato de Mademoiselle Hortense Valpinson (Instituto de Belas Artes, Minneapolis), em que o pintor capturou a filha de nove anos de seu amigo Paul Valpinson. A menina é retratada apoiada em uma mesa coberta por uma toalha de mesa escura com um padrão bordado colorido. Na extremidade oposta da mesa está uma cesta de artesanato inacabado. O jovem Hortense olha atentamente para o espectador, como se fosse pego de surpresa.

Esta técnica composicional ajudou o artista a enfatizar o vigor, natureza direta da criança. O plano de fundo da imagem, escrito em traços sonoros largos, aumenta ainda mais essa impressão. A cor da obra é baseada em uma combinação de tons ocre-dourados quentes, bem como tons de preto e branco, o que dá a todo o trabalho um som muito importante.

Outro trabalho, surpreendente em sua expressiva composição, é “Retrato do Visconde Lepik com suas filhas” (nome alternativo “Praça da Concórdia”, 1876, Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo). Uma composição dinâmica se assemelha a uma fotografia com seu recorte nítido de todos os lados da tela, o que não é característico da pintura da época. A linha do horizonte está muito superestimada, que transforma a Place de la Concorde, que é rapidamente cruzada pelo Visconde Louis Napoleon Lepic, apenas no fundo para os personagens da imagem.

Era como se alguém que tivesse sido saudado pelas filhas de um nobre, parado, virou-se na direção oposta em relação ao movimento de seu pai. A tela tem um sabor interessante. Enquanto os personagens principais da pintura de Degas estão vestidos com trajes leves, quase se fundindo com o fundo, as roupas dos demais participantes da composição são feitas no escuro, cores quase pretas. Essas figuras "pretas", localizado na tela com precisão matemática, criar um ritmo “musical” incrível de toda a obra.

Vindo de uma família nobre e não sentindo necessidade de dinheiro, Edgar Degas não podia se dar ao luxo de não cumprir os requisitos de modelos nobres, criando retratos personalizados. Entre os posers, havia muitos personagens da alta sociedade, mas nunca o artista começou a retratá-los no esplendor radiante de roupas luxuosas. Independentemente do status dos heróis de suas pinturas, Degas sempre tentou transmitir com a maior precisão possível os traços característicos de cada um deles. Acostumado a lisonja, leões e leoas seculares frequentemente o deixavam, sentindo-se ofendido.

Experiência de vida e viagens

Um acontecimento importante na vida de Edgar Degas foi o conhecimento de Edward Manet, que aconteceu em 1862. Logo, o artista começou a visitar regularmente o Café Gerbois - um popular ponto de encontro de jovens artistas. Lá eles discutiram a busca por novos assuntos na arte, meios expressivos originais e sua própria visão da realidade. Entre os frequentadores do café estavam grandes artistas como Claude Monet, Alfred Sisley, Auguste Renoir e muitos outros.

Influenciado por esta comunidade de impressionistas, no final da década de 1860, Degas voltou-se para a criação de grandes séries - Lavanderias, Corrida de cavalo, Cenas de balé, e Modistiki. Todas as suas pinturas foram distinguidas por uma revelação muito precisa da profundidade e complexidade do mundo interior de seus heróis. Ao contrário da maioria dos artistas impressionistas, Degas nunca buscou inspiração na natureza, ele percebeu a realidade como um elemento dinâmico, e foi esse movimento contínuo que ocupou o lugar principal em sua obra. Seu ideal era a vida agitada de uma cidade moderna. Sendo muito observador por natureza, Degas, caminhando pelas ruidosas ruas de Paris, percebeu todos os traços expressivos característicos e por muito tempo guardou na memória o que viu. Subseqüentemente, transmitindo o ritmo da vida urbana, o artista criou imagens fotográficas precisas e imparciais.

O bem-estar material inicial permitiu que Edgar Degas gastasse todo o seu tempo em experimentos criativos. Ele podia se dar ao luxo de descartar corajosamente todos os cânones, todos os truques banais de construção da composição, a fim de encontrar seu próprio ponto de vista inesperado, uma nova visão, graças ao qual se conseguia a impressão de frescor e espontaneidade da obra.

Como resultado de pesquisas criativas, o artista conseguiu um ajuste preciso da composição das pinturas, em que não houve nada acidental e todos os elementos foram projetados para enfatizar o significado geral da trama. O próprio pintor caracterizou o seu trabalho da seguinte forma:“O meu trabalho é fruto da reflexão, observação do paciente, inspiração, personagem e o estudo de grandes mestres. "Degas capturou todos os seus heróis em poses naturais e descontraídas, tentando o seu melhor para transmitir seu caráter e humor.

Quando, em 1870, a Guerra Franco-Prussiana estourou, o artista se ofereceu para ingressar no regimento de infantaria. De repente, nos primeiros campos de tiro, ficou claro que seu olho direito é mal visto. O diagnóstico dos médicos foi este:descolamento de retina causado por diabetes. Como descobri mais tarde, este foi apenas o começo da doença de Degas, o que acabou levando-o à cegueira quase completa. No entanto, ele foi deixado nas fileiras do exército francês, transferência para o regimento de artilharia. Em 1871, a guerra ja acabou, e Degas fez uma curta viagem a Londres, após o que ele foi para seus parentes americanos em Nova Orleans, onde passou o inverno de 1872-1873.

No início de sua estada nos Estados Unidos, Degas cria muitos esboços e pinturas, incluindo uma série de retratos de membros de sua família. Mas logo ele perde o fusível. A razão para isso foi sua conclusão de que “a arte de Paris não pode ser igual à arte da Louisiana sem nenhuma distinção. Caso contrário, será apenas um mundo ilustrado. " Deste momento em diante, o artista deixa de fazer esboços e esboços, que ele criou anteriormente em grandes números durante suas muitas andanças.

Degas fez questão de que apenas a observação prolongada da vida em um determinado país "pode ​​proporcionar uma oportunidade de aprender os costumes das pessoas e sentir seu encanto". No entanto, contrário às suas próprias teses, o artista cria a pintura "Escritório para a Venda de Algodão em Nova Orleans" (1873, Museu bela-Artes, Poe). A composição de várias figuras da obra é baseada no contraste de cores contrastantes - preto e branco, a alternância cria um ritmo claro de toda a tela.

Na primavera de 1873, Degas voltou a Paris, onde ele logo esperou uma série de perdas e problemas. Em menos de um ano, o pai do artista morre, deixando para trás enormes dívidas. Como se viu, o falecido estava em completa desordem. O banco administrado por Auguste de Ga, devido quantias astronômicas aos credores. Para preservar a reputação de sua família, o artista pagou parte de suas dívidas com fundos herdados dele, Mas isso não foi o suficiente. Para fazer face às despesas, o pintor vende a propriedade da família e uma coleção de pinturas de grandes mestres, coletado por seu pai.

Tudo isso levou a tal estado de coisas que o pintor, pela primeira vez na vida, pensou em vender seus quadros. Uma das maneiras eficazes de atrair compradores, o artista considerou a exposição de impressionistas, que muitas vezes ajudou a organizar. No período de 1874 a 1886, oito dessas exposições foram realizadas, em sete das quais Degas participou. É importante notar que suas obras tiveram muito sucesso e venderam muito bem, ao contrário das obras de outros impressionistas.

Durante a década de 1870, Degas refinou ainda mais seu estilo artístico. A construção espacial de sua obra ganhou nitidez sem precedentes, ainda mais liberdade e dinamismo. A cor em suas pinturas adquiriu um significado independente, tornou-se muito complexo, como se estivesse cheio de luz.

Degas simplificou e limpou tanto seu desenho que conseguiu transmitir o jogo dos músculos do corpo humano em movimento com a ajuda de apenas um circuito. Gradualmente, sua obra adquiriu um caráter cada vez mais escultural. Ele começou a enfatizar os contornos de figuras e objetos com uma linha grossa de carbono, cor de rosa, tons de roxo e esverdeado começaram a prevalecer na cor das pinturas, que deu sonoridade ao trabalho, e todos os detalhes foram minimizados.

Degas praticamente para de pintar a óleo, pastel é seu material favorito. O último retrato, criado pelo mestre, foi a pintura "Helene Roire no escritório de seu pai" (1886, Galeria Nacional, Londres), retratando a filha de um amigo do artista Henri Rouen - Helen.

Desde meados dos anos 70 nas obras de Degas, a influência da gravura japonesa, que teve uma grande influência em todo o movimento dos impressionistas, tem sido cada vez mais rastreado. O artista passou a utilizar diversas técnicas dessa arte, por exemplo, construções espaciais originais, o uso de ângulos inesperados e a frequente colocação de personagens secundários no centro da composição.

Amor pelas corridas de cavalos

Uma das maiores paixões do artista eram os cavalos. Edgar Degas mostrou interesse por esses animais graciosos durante sua estada na Itália. Ele ficou fascinado com as tradicionais corridas de cavalos romanas na Via del Corsa, durante o qual ele fez muitos esboços. Na própria França na década de 1860, ambos sob o governo de Luís Filipe e Napoleão III, o esporte equestre também era muito popular. Além disso, Degas estava interessado não apenas no plástico natural e na graça dos cavalos, ele estava mais interessado em gestos e movimentos profissionais de seus cavaleiros.

Criando uma série de trabalhos dedicados às corridas de cavalos, Degas costumava encontrar várias estruturas composicionais não convencionais para suas telas. Seus truques favoritos eram várias mudanças espaciais, corte de borda afiada e vários ângulos “agudos”. A essência de todas as técnicas era criar imagens dinâmicas e vibrantes que pudessem transmitir uma sensação única de uma realidade em constante mudança. Um lugar importante nessas obras é a cor. Foi com a ajuda da cor Degas que foi possível dar uma bagunça heterogênea de figuras de jóquei a uma forma organizada específica.

Em 1860, o artista escreveu uma de suas primeiras pinturas de uma série dedicada às corridas de cavalos. A tela “Cavalheiros nas corridas:antes da largada” (Fogg Museum of Art, Cambridge) caracteriza perfeitamente o estilo e caráter do artista, que mudou ao longo de sua vida. O fato é que Degas reescreve vinte anos depois sua primeira versão desta obra, onde as figuras borradas dos pilotos são retratadas contra uma paisagem completamente plana. Nesta tela tardia, o fundo da pintura eram colinas e fábricas suburbanas com chaminés que emitiam fumaça preta.

O trabalho de 1862 "Riders before the start" (Musee d'Orsay, Paris), com muita precisão e sinceridade transmite as emoções emocionantes que as pessoas experimentam e a tensão dos cavalos antes da largada. No primeiro plano da imagem, cheio de tensão, foco interno e dinamismo, são mostrados jóqueis se preparando para o início da corrida. O plano do meio está ocupado com uma sociedade secular barulhenta, ansioso por óculos. A incrível autenticidade com que os gestos e plantações de jóqueis, desprovido de qualquer poesia de imagens, é incrível. Graças a esta recepção, o espectador não se surpreende com a fragmentação acentuada da tela, em que a borda da imagem corta metade da figura de um dos pilotos.

A série Degas, dedicado às corridas de cavalos, está cheio de belos trabalhos, resolvido quase com precisão de repórter. Um exemplo de tais telas é “Antes do início” (1878, Museu de E. G. Bgorl, Zurique), “As corridas de cavalos na província. Crew at the Race "(por volta de 1872, Museu bela-Artes, Boston), "Hipismo de corrida" (1894, Coleção em Webb, Nova York) e "Jockeys in Front of the Tribune" (1869-1872, Museum d'Orsay, Paris) Na última tela, Degas retratou o momento anterior à corrida, quando o público foi mostrado apenas os cavalos participantes das corridas. O artista compõe a imagem com maestria, alcançando a ilusão de calma e equilíbrio, preservado pelos heróis. As experiências interiores são transmitidas com a ajuda de longas sombras que adornam delicadamente a areia das pistas de corrida. Todos os cavalos da foto estão quase estáticos, com exceção de um. Degas se propôs a refletir sobre o estado de calma que prevalecia pouco antes do início da corrida. Não há paixões e entusiasmo característicos deste evento.

Em algum lugar em 1873, o pintor afastou-se temporariamente do tema cavalos e corridas de cavalos sem qualquer atenção, voltando a ele apenas alguns anos depois, quando contratou o cantor Jean-Baptiste Fare para pintar “Horse racing. Jóqueis - amadores ”(1876-1887, Museum d'Orsay, Paris). Depois disso, Degas escreveu periodicamente telas dedicadas às corridas de cavalos, até o final dos anos 9. Uma das últimas obras desta série foi a pintura “The Fallen Jockey” (1896-1898, o Museu de Arte, Coleção Offlätsche, Basel). A composição da tela é semelhante ao trabalho anterior do artista, mostra-nos um cavalo correndo pelo prado, atrás do qual permanece um jóquei aparentemente abandonado por ele.

A expressividade da vida noturna de Paris

A doença do artista afetou seu estilo de vida. Degas começou a proteger seus olhos da luz solar intensa, e geralmente tentado, tão raramente quanto possível, estar na rua durante o dia. Ao contrário da grande maioria dos impressionistas, o pintor praticamente não trabalhava ao ar livre. Degas pintou a maioria de suas pinturas sob iluminação a gás, pelo qual recebeu o apelido de "o primeiro impressionista da noite". Essa também pode ser uma das razões pelas quais o tema dos cafés parisienses, cafés baratos, atrizes, cantores e mulheres “meio-leves” eram tão atraentes para ele.

Degas criou muitas obras dedicadas ao tema de tais instituições e seus habitantes, uma das mais famosas é a tela “Absinthe” (ou “Amantes do Absinto”, 1875, Mray d'Orsay, Paris). Retrata o interior do estabelecimento Nouvelle-Athenn, popular nos círculos de arte parisienses. A composição da imagem é baseada no princípio de uma cena de gênero simples da vida cotidiana dos habitantes do café. Seus personagens - um homem e uma mulher - aparentemente apenas descansando à mesa após as preocupações diárias. Mas as mesas vazias em primeiro plano dão a impressão de terem sido espremidas e empurradas para um canto por duas pessoas, e também enfatizam seu vazio e indiferença mútua. Este enredo despretensioso ressalta o tema da empolgação de Alien com o homem do mundo e sua inevitável solidão, que é a ideia principal de todo o trabalho. As modelos da artista foram o gravador e artista plástico Marcel Debuten e a atriz Helene Andre. Por meio da cor, o artista consegue dar tensão interior e drama às suas figuras, praticamente sem movimento.

A sutil habilidade do pintor em transmitir o caráter de seus modelos com a ajuda de um único gesto foi perfeitamente revelada nas telas que retratam o cantor de vários cafés. Um exemplo vívido é a pintura "Capitão Embaixador" (1876, Museu bela-Artes, Lyon), em que o gesto do cantor combina duas partes da composição:uma performance em palco e um auditório.

Sobre este trabalho, o famoso crítico J. Riviera escreveu:“Quantas figuras femininas no fundo, com seus vestidos de musselina e leques, e espectadores que, levantando suas cabeças e literalmente esticando seus pescoços, assista com entusiasmo a danças provocativas e dísticos escritos de maneira escabrosa! Se não estou errado, então esta cantora tem um contralto completamente saturado de conhaque… O gesto inusitado da cantora, inclinando-se para o público, certamente confirma o sucesso de sua performance. Nunca se repetindo como atores com papéis memorizados, ela apela para o público, pergunta a eles, sabendo com antecedência que eles vão responder exatamente o que ela quer ouvir, porque é ela quem controla o tirano, cujos vícios apazigua. ”

Escrito em 1878, a tela “Cantor de Cafesantan” (ou “Cantor com uma luva, ”Museu de Arte Vogt, Cambridge), também é um representante muito vívido desta série. Ellis Degrange, que serviu de modelo para esta tela, na verdade não é cantor, mas um pianista muito famoso nos círculos parisienses que concordou de boa vontade em posar para Degas. A figura do pianista, muito perto do visualizador, ainda não é o centro de composição da tela. Este papel é desempenhado por sua mão, vestido com uma luva preta. Para dar ao gesto um som ainda melhor, Degas o retratou contra um fundo claro. O artista conseguiu organizar com muito maestria o espaço da obra. O gesto afiado da mão do cantor, sua boca aberta e seus traços faciais um tanto distorcidos aproximam a imagem da caricatura. Para mitigar esse efeito, o mestre introduziu cores suaves de luz na coloração:luzes rosa suaves no vestido e rosto da heroína, e uma flor em seu cabelo.

A série dedicada aos cafeshantans e seus habitantes revelou-se muito brilhante e peculiar. Todas as obras do ciclo se distinguem por uma construção composicional muito arrojada, que visa revelar a ideia central da tela. O brilho da cor e da luz, nas pinturas de Degas, transforma a realidade em um mundo de fantasia repleto de um encanto especial de azedo.

Balé

O segundo tema favorito de Edgar Degas era o elemento fluido e dinâmico da dança. É sabido que durante quase vinte anos o artista adquiriu regularmente uma assinatura da Ópera de Paris. Ele mergulhou no tema do balé, frequentar teatros e aulas de dança. Assistindo ao trabalho árduo das bailarinas, a artista recriou o encantador mundo da dança. Ele escreveu muitas pinturas dedicadas a seus ensaios, durante o qual cada movimento dos dançarinos foi aperfeiçoado, as apresentações em que foram apresentados ao público em um festivo brilho de holofotes, e durante raros momentos de relaxamento. A maior parte do trabalho foi feito na oficina de pastel Degas, onde ele convidou seus modelos. Apenas quinze anos depois, o diretor da Ópera de Paris permitiu que o artista trabalhasse diretamente atrás das cortinas do teatro.

Uma das primeiras obras escritas por Degas no teatro foi a pintura “A Orquestra da Ópera” (por volta de 1870, Museu l’Orsay, Paris). É uma tela de tamanho pequeno, cuja composição é como se tirada acidentalmente durante a apresentação de uma fotografia. O mestre convida o espectador a olhar para o palco do lado do fosso da orquestra. Todo o primeiro plano é ocupado por músicos vestidos com sobretudos pretos. O lugar central entre eles pertence à imagem de uma amiga da pintora Desiree Dio, quem toca fagote. A tela é organizada de forma que possamos ver apenas a parte inferior da performance que está acontecendo no palco. A primeira coisa que atrai a atenção do espectador são os tutus rosa e azul brilhante dos dançarinos, e só depois disso a mancha branca na camisa do músico atrai seus olhos para o personagem principal do filme.

O artista dedicou grande parte de suas próximas obras aos bailarinos. As primeiras pinturas desta série carregam grande parte da impassividade supostamente fotográfica com que o mestre retratava bailarinas.

Em sua tela “Dance Class” (1871, Museu Metropolitano de Arte, Nova york), o artista transmite com maestria a emoção de uma jovem dançarina antes de um ensaio crucial. Uma jovem está no fundo de espelhos, o que permite que sua figura ligeiramente deslocada do centro ocupe todo o espaço da classe. Apenas no lado esquerdo da imagem havia um lugar para o piano preto e o acompanhante idoso sentado ao lado dele, que estava se preparando para começar a tocar uma melodia para o baile. A imagem é preenchida com o silêncio reinando em uma sala espaçosa. Os dançarinos se aquecem antes do ensaio. All work is permeated with a clear and harmonious musical rhythm conveyed by the artist through color through the clear coloristic thoughtfulness of the canvas.

Several works of the series, among which was the canvas “Dance Class”, Degas presented to the public in 1874 at the exhibition of the Impressionists. After her, he gained fame as an “artist writing dancers. “

The painting “Dance Lesson” (1874, Museum d’Orsay, Paris), striking with convincing realistic interpretation of images, belongs to the same period. Degas depicted a fragment of a rehearsal, during which an elderly teacher, stopping the rehearsal, gives instructions and recommendations to his students. Light white figures of dancers occupy almost the entire space of a large hall, the naturalness of their poses and gestures gives the canvas convincingness. In this work, Degas captured the famous French choreographer Louis Merant, next to whom is one of the best dancers of the time, Josephine Gogelen.

The color of the picture plays a special role in it, built on a harmonious combination of gray, verde, bluish-white and ocher shades, with numerous dark accents that bring clarity and clarity, forming a smooth linear rhythm, as if repeating the movements of the dance. The entire composition of the “Dance Lesson”, built on the principle of fragmentation, as it removes the action from the viewer, isolates it inside the illusory space created by the artist. Contudo, in later works, the master intentionally brings graceful heroines closer to the edge of the canvas, and sometimes even cuts off the image of their figures, por exemplo, in such works as “Dancers” (1883, Dallas Art Museum), or “Before the exam” (1880), Denver Art Museum).

Unlike other canvases, where the artist paid attention mainly to the transfer of lightness and grace of all the movements of his heroines, in the work “Before the Exam” Edgar Degas decided to pay attention to their emotional state. On the canvas we see young dancers who are preparing for a responsible performance. On the right side of the composition depicts a girl whose pose is relaxed. Her shoulders and head are lowered, as if she is praying before going to the examiners. The second heroine massages her leg, gracefully leaning forward. Behind the girls on the bench were two elderly ladies, who were having a quiet conversation. Here Degas set out to depict an important moment in the life of the ballerinas – the moment when they tune in to perform, right before they enter the stage, where they will shine in the luxurious spotlights.

The most famous work on the subject of dance is the painting “Blue Dancers” (circa 1898, the A. Pushkin State Museum of Fine Arts, Moscow), where the master was able to achieve special compositional and color expressiveness. In the work, the graceful heroines of which correct their costumes before the performance, the artist managed to use the artificial lighting effect so skillfully that the entire canvas turned out to be filled with radiance and sparkling threads of dance melody.

In the work of 1877, The Final Arabesque (Musee d’Orsay, Paris), similar intonations can be noted. The canvas is arranged in such a way as to give the viewer the opportunity to peek behind the curtains from above, to watch how the ballerinas are preparing for the upcoming appearance on the stage. The foreground of the painting is a figure of prima, depicted on the darkened background of an empty scene. The ramp lights illuminate her face and light yellow suit, likening the girl’s figure to a graceful flower.

Almost all works on the theater and dancers Degas performed in pastel technique. The master, who knew how to go beyond the usual stereotypes, and here developed his own unique style. His methods of applying the paint layer, with distinctive separate strokes, more like strokes, seemed to combine drawing and painting.

Aesthetics of hard work

Throughout his work, the artist was distinguished by a genuine interest in the characteristic features of the behavior of people belonging to different sectors of society. Degas has always been interested in the features of their plastics, specific gestures and movements, in a word, everything that he could transfer to the canvas. Throughout his life, the painter remained steadfastly addicted to certain topics that contributed to the expression of his creative interests.

Degas was very fond of everyday scenes in which the main characters were the saleswomen of haberdashery and hats, laundresses and ironers. In all the plots, the artist was attracted by characteristic poses and professional movements. Thanks to this, he was able to discover completely unexpected decorative effects associated with the rhythmic interaction of silhouettes and matching figures. Most of the paintings that make up this series, como uma regra, were created outside the domestic environment, which helped Degas achieve a high level of social generalization.

Por exemplo, in the painting “Ironmaker” (circa 1869, New Pinakothek, Munich), the artist sought to convey the routine and monotony of the heroine’s daily work. The young girl depicted on the canvas holds the iron in his right hand, and moves the fabric with his left. To give greater dynamism, Degas made a double contour of the ironing skirt, emphasizing the efforts that she has to make. Immediately after returning from America, in 1873, Degas wrote another work under the same title, but with great expressiveness. On the new painting “Ironmaker” (Metropolitan Museum of Art, New York), the main character stands in profile, her dark silhouette stands out sharply against the background of a light-flooded window. Through this contrast and excellent transmission of the woman’s professional movements, the artist was able to masterfully reproduce the atmosphere prevailing in Parisian laundries.

The next canvas of the cycle – “Two Ironworkers” (Musee d’Orsay, Paris), created much later, in 1884, is perhaps the most famous. The work is written with wide nerve strokes, perfectly conveying the fluctuation of air around working girls. The color scheme, based on a comparison of blue, brown-ocher, golden and white tones, is characterized by increased decorativeness, which distinguishes this work from the previous ones.

Degas was not the only outstanding Parisian artist who loved the theme of ironers and laundresses. His work on this subject was often compared with the canvases of Honore Daumier. The critic Armay Sylvester, in 1879 wrote about this in the newspaper “Modern Life”:“Let’s move on to something significant. Por exemplo, this is what is significant that appears on the rare canvases of Mr. Degas – always the same synthesis process conveyed to us with admirable artistic flair. Just look at how the ironer bent over hard work. If you look at the canvas from a distance, you might think that it was written by Daumier, but in a closer look it becomes obvious that this is more than Daumier. In this work there is a refined skill, the full power of which is difficult to convey. ”

Household scenes also include paintings depicting visitors to hat salons. Por exemplo, the painting “At the Fashionista” (circa 1882, Museum of Modern Art, New York), depicting a student of Degas Mary Cassatt. The compositional construction of the work is fragmented, built on the principle of photography. The girl trying on a hat is almost hidden behind the back of the chair depicted in the foreground. The modiste, who offers the visitor two more headdresses, is located on the left side of the canvas and is practically indistinguishable. The falling thick shadow makes the woman’s figure only a decorative element.

Este trabalho, the plot of which seems unpretentious, was the fruit of much thought by the author. The artist attached great importance to the expressiveness and “melodiousness” of the line, it was with its help that he sought expression in the reflection of form. Portanto, to create a single rhythmic silhouette of the whole group, he specially simplified the volumes of the middle plan. Canvases dedicated to this topic have become a real pinnacle of Edgar Degas skill. In them, he managed to achieve a new expressiveness in displaying reality and give a monumental generalization to the ordinary everyday scene.

Nude work

Another type of everyday scenes that Degas devoted a lot of time to were naked women behind the toilet. Since about the 1880s, the artist began to create beautiful female images that do not fit into the generally accepted canons of that time. Degas rejected all conventions, the idealization of ideas about female beauty. “Beauty must be characteristic” – this postulate was taken by the master as the basis of his work. The artist argued that the nature of a naked body is best manifested in a variety of movements that can be natural only during bathing. So a series of works appeared, the heroines of which are busy with themselves:they wash themselves, wipe themselves, comb their hair and are so absorbed in their thoughts that they don’t think at all to accept graceful and graceful poses.

A vivid example of such a plot is the Taz pastel composition (1885, Hill Stead Museum, Farmington), whose main character just bent down to wet her sponge in water. Her smooth gesture is full of naturalness, and the composition is devoid of anything that could distract the attention of the audience from the girl. O ano seguinte, the artist wrote another work with the same name (Mray d’Orsay, Paris). In this picture, the heroine crouched in the center of the pelvis and, leaning on her hand, washes her neck. The figure of the girl is softly outlined by the light pouring from the window. To achieve greater expressiveness, Degas used contrasts, sometimes emphasizing the female body, then gently "merging" it with drapery. A third of the composition is a wide white shelf with toiletries:a jug with clean water, a comb and a hairpin. So the artist emphasized the depth of the room.

Constantly returning to the same topics, poses and gestures is explained by Degas’s uncontrollable pursuit of excellence. Friends joked about the artist, saying that "to make him stop redoing a picture, you can only select it." The painter was simply obsessed with the desire to truly capture any movement. A special place in the work of Degas is given to the images of women combing hair. Here, the artist never copied previously found compositional techniques, tirelessly looking for new ones.

One of the most famous pastels of this cycle, “A Woman Combing Her Hair” (1886, the State Hermitage Museum, St. Petersburg), can serve as a perfect example of the artist’s constant search for an ideal pose and natural gesture. The work has several options, one of them is stored in a private collection of Morris (Philadelphia), and another at the Metropolitan Museum of Art (New York). In all versions, the heroine is depicted from the back, which allowed Degas to most convincingly convey her movements. The artist emphasizes the volume and depth of the shadow with elastic lines of the contour, creating expressiveness of the smooth movements of the heroine combing her red long hair.

Hora extra, Edgar Degas develops his own aesthetics of motion transmission. The master sought not only to fix the position of the arms, legs and body with photographic accuracy, but to feel and convey with maximum expressiveness the complex interaction of all parts of the body. Working on the works of this series, the artist made an attempt to create his own system, which would allow him to depict the specific pose of a woman extremely accurately, but in the most generalized terms.

In later works by the artist, the movements of the heroines become sharper, the shape of the body began to be conveyed more simplistically and often outlined by a sharp contour. A vivid example is the painting “A Woman Leaving the Bath” (1900, private collection). It is very clearly visible on how the late style of the master gained sharpened expression, generalization of forms and decorativeness. The painter proved that the body can be even more expressive than the face, Portanto, completely ordinary motifs in his art received a poetic expression of life energy, graceful grace and beauty.

The last years of the master

At the beginning of the 20th century, Edgar Degas’s disease worsens so much that it almost completely loses sight. Unable to express himself in any other way than art, the master begins to seriously engage in sculpture, which he calls the "craft of the blind."

The themes that Degas tried to embody in a new form of creativity remained the same as in painting:jockeys, dancers and bathers. He sculpted small sculptures for himself, so a very small number of them were brought to the end, such as “The Little Fourteen-Year-Old Dancer”.

Contemporaries of the artist noted that at the end of life, despite a sharp deterioration in physical condition, Degas’ interest in music, photography and poetry only intensified. In the circle of friends, he often began to sing Neapolitan songs, Contudo, somewhere from 1895, the painter almost completely stopped talking with friends and rarely left the house, continuing to communicate only with a very narrow circle of close people.

Already after 17 years, in 1912, Edgar finally quit working. By this time he is already blind and completely worn out. There were several reasons for this poor state of the artist, this year his sister Teresa dies, and the painter himself has to leave his beloved house because of the reconstruction, which could no longer be postponed.

27 de setembro 1917 Edgar Degas died at the age of eighty-three years. The funeral was very modest – as the artist himself wished. Among the friends who came to take him on their last journey were Claude Monet, Leon Bonn, Mary Cassett, Henri Lerol, Jean-Louis Foren, Ambroise Vollard and many others. In his last will, Degas requested not to give mourning speeches during the funeral. Separately, he emphasized that if Foren really wants to say a few words, let them be very simple and concise, like:"He, like me, loved to draw most of all." Edgar Degas already became a recognized great painter during his lifetime, his paintings were bought up at fabulous prices, and although the artist’s last years were rather joyless, he still lived a rich and vibrant life and remained forever in the history of art.

Zhuravleva Tatyana