Bartolome Esteban Murillo - vida e pinturas

Não se sabe muito sobre a vida do principal artista da “era de ouro” da pintura espanhola, que deu uma contribuição inestimável para a história da arte e se tornou o fundador da escola de pintura de Sevilha. Bartolome Esteban Murillo nasceu, provavelmente em dezembro de 1617. Há um registro de seu batismo, que aconteceu em 1º de janeiro, 1618. Para entender, sob a influência da qual o estilo criativo de um artista brilhante foi formado, é preciso entender o que era Sevilha, onde ele nasceu naquela época.

Sevilha

Sevilha foi um dos dois portos da Espanha que teve permissão para fazer comércio com a América (de acordo com o decreto real do século 16). Pérolas, ouro, prata, couro, bem como cacau, Pássaros raros, hin e outros bens sem precedentes na Espanha foram trazidos para cá. Enormes estaleiros nas margens do rio navegável Guadalquivir estavam constantemente ocupados, aqui eles construíram navios, velas feitas, cordas e tudo que é necessário para a frota. A partir das matérias-primas trazidas, os artesãos mais habilidosos de Sevilha (mais precisamente, seus subúrbios, Triana e Makarene) criaram embarcações magníficas, brocados brocados de ouro e tecido, roupas para o clero, produziu e pintou velas de igreja maciças e pesadas. Nas varandas de inúmeras igrejas lotadas, pedindo esmolas, os pobres, os pobres e os aleijados. O número de pobres, crianças de rua e vagabundos sem-teto era enorme. Nos documentos da Câmara Municipal há muitos registros de que os pobres passavam fome.

Ao mesmo tempo, Sevilha também era um importante centro da onipotente e rica Igreja Católica. Já no século 15, o clero espanhol orgulhava-se das enormes catedrais que eram os maiores edifícios góticos da Europa. Os mosteiros eram numerosos e muito ricos, eles possuíam verdadeiros tesouros e distribuíam generosamente encomendas aos melhores artistas. As magníficas festividades da igreja e as solenes procissões religiosas de Sevilha eram famosas em todo o país. Isso foi cuidado não apenas pelo clero, mas também para saber:os duques de Medina Sidonia, Zunig, Alcalá e muitos outros doaram grandes somas de dinheiro para esses eventos, tentando enfatizar sua riqueza e influência.

Assim, Sevilha era uma cidade de contrastes - luxo e pobreza, riqueza e miséria. Mesmo na segunda metade do século 17, quando a ruína e o empobrecimento varreram toda a Espanha como resultado da crise econômica, navios ainda vinham para Sevilha do outro lado do oceano, o pulso da vida comercial ainda batia nele, Contudo, todas as terras da Andaluzia pertenciam a cinco famílias nobres. Os nobres, que tinham tanto orgulho da nobreza do sangue e consideravam vergonhoso qualquer trabalho, exceto assuntos militares, serviço religioso ou no tribunal, tornou-se cada vez mais envolvido no comércio. A grandeza da Espanha é coisa do passado, assim como seus sonhos de dominação mundial. Na arte espanhola, imagens heróicas de guerreiros destemidos e vitoriosos e mártires obstinados apareciam cada vez menos. A arte realista gradualmente perdeu sua masculinidade severa e caráter expressivo. Eles foram substituídos por excessivamente exaltados, ou, por outro lado, imagens líricas suaves, que pode ser visto nas obras dos mestres tanto da escola de Madrid, por exemplo, Juan Kareño de Miranda, Claudio Coelho, Antonio Pereda, e Sevilha - Herrera, o Jovem, Pedro de Moya, Alonso Kano. A pretensão de ornamentos magníficos cresceu na arquitetura, e nas esculturas de madeira as estátuas muitas vezes não eram apenas pintadas, mas vestida com roupas realmente luxuosas.

Começo do caminho criativo

Durante este período, nasceu o futuro grande artista Bartolome Esteban Murillo. Tendo perdido seus pais cedo, o menino foi criado na família de sua tia, a esposa do barbeiro cirurgião de Sevilha, Juan Lagares. Tendo descoberto cedo a propensão da criança para a pintura, parentes o deram para estudar o artista Juan del Castilio, que se distinguiu por seu amor por romancistas sevilhanos e artistas italianos. Mas logo Murillo acabou sendo deixado por conta própria, como seu professor partiu para Cadiz. Os primeiros biógrafos afirmam que o jovem artista pintou seu trabalho em pequenos pedaços de tela e depois os vendeu no estaleiro. Isso parece provável, desde em Sevilha, muitos pintores trabalharam para o estaleiro.

Fatos confiáveis ​​sobre a vida de Murillo são extremamente poucos. Ele passou cerca de dois anos em Madrid (provavelmente de 1648 a 1650), onde ele realmente poderia se encontrar com Velázquez e estudar graças a ele as pinturas de grandes mestres das coleções reais. Além disso, Amigo de Murillo, Pedro de Moya, que admirava as obras de Anthony van Dyck, trouxe cópias e desenhos das obras deste gênio da pintura da Flandres e da Inglaterra para Sevilha. Murillo cumpria principalmente as ordens dos mosteiros, criando grandes ciclos de histórias bíblicas e evangélicas, lendas sobre a vida dos santos. Nas histórias “Adoração dos Pastores”, “O milagre de satisfazer cinco mil pessoas com cinco pães”, numerosas cenas de dar esmolas e curar santos enfermos, ele retratou com amor a pobre Sevilha:os camponeses, mendigos, aleijados. Durante toda a sua vida ele escreveu pinturas de gênero, retratando crianças descalças de pobres espanhóis, engajado em jogos nas ruas da cidade.

Nas obras do período inicial da obra de Murillo (anos 40 do século XVII), a influência óbvia de Velázquez, Herrera, o Velho, Zurbaran, Roelas e outros mestres da escola de Sevilha são evidentes. O artista trabalha da maneira sombria dos caravaggistas, revivendo suas telas com apenas alguns pontos em cores quentes. Já nestes anos, o jovem artista começa a se interessar pelo problema da transmissão da luz, fazendo tímidas tentativas de resolvê-lo em suas obras.

Talvez o jovem Murillo tenha pintado o quadro “Adoração dos Pastores, ”Que agora está em l'Hermitage. Antes da jovem e bonita Madonna, olhando gentilmente para o menino Jesus, deitado em uma manjedoura miserável, há camponeses simples da Andaluzia que trouxeram seus parcos presentes. Este é um velho ajoelhado, levantando timidamente as mãos e mas sem ousar tocar no bebê, um nariz afilado, mulher sorridente com um xale leve, um jovem com uma capa vermelha e um pastor com um cajado característico. Suas figuras ainda são escritas de forma bastante rígida, e sua colocação não é muito bem-sucedida:eles são colocados por uma “escada” - um acima do outro. A cor escura da tela à esquerda é iluminada pela luz que emana do bebê. A brancura brilhante do lençol e o delicado corpo rosado da criança criam uma ilusão de luz brilhando, iluminando o rosto manso de Madonna, seu vestido simples avermelhado, e lançando reflexos dourados na borda das roupas ásperas do velho ajoelhado.

Nos anos 40 e 50, Murillo criou pinturas de gênero mais de uma vez, continuando a tradição democrática estabelecida da escola de pintura de Sevilha na primeira metade do século. Essas obras incluem “Gypsy” (Madrid, Prado), “Menina com flores e frutas” (Moscou, Museu Pushkin), “Péssimo” (Paris, Louvre) e “Boy with a Dog” (São Petersburgo, Eremitério).

O quadro "Menino com Cachorro" foi pintado em meados dos anos 50. Vemos um menino andando na rua. Em sua mão está uma cesta. A criança, sorrindo afetuosamente, com um gesto de sua mão mostra ao cão que em sua cesta não há nada além de um jarro de barro vazio. A estatueta da criança foi escrita em gerações, mas o artista conseguiu criar uma noção do movimento do menino ao longo da rua, uma compreensão clara de que o bebê está conversando com um amigo de quatro patas em movimento. O rosto do menino é pintado com tal realismo que não há dúvida de que o quadro foi pintado a partir da natureza e o artista conhecia bem essa criança. A figura é delineada por linhas suaves e suaves. Iluminando um rosto esguio que não difere em beleza, um sorriso é sentido sob os longos cílios das pálpebras ligeiramente abaixadas, através do qual o brilho dos olhos astutos é claramente visível. O artista escreve cabelo, enfrentar, mãos, roupas com uma camada muito fina de tinta, segurando longos traços oblíquos com um pincel. A cor da imagem é opaca, estritamente pensado e bastante gráfico. Os tons de cinza do céu iluminam o horizonte, à direita ergue-se uma parede amarelada com uma inexpressiva árvore verde-claro. Contra este fundo desbotado, as mangas escuras da jaqueta, a leve pelagem do cão e a cesta dourada se destacam claramente. Provavelmente, este mesmo menino serviu de modelo para o pintor para a obra “Boy in the Window” (Londres, Galeria Nacional), no qual ele também desenvolveu seu sabor distinto, continuando a fazer experiências com luz e cor.

Sucesso e reconhecimento

Com o aprimoramento de suas habilidades, Murillo na década de 50 do século 17 aprimorou cada vez mais a gama de tons de ouro e prata que o atraíam, tentando transmitir uma névoa de ar atravessada pela luz. A carreira do mestre está gradualmente ganhando impulso. Já em 1656 recebeu o título de primeiro pintor de sua Sevilha natal pelo grande quadro “Visão de Santo Antônio de Pádua” executado para o altar da Catedral de Sevilha. Todos admiraram o quão magistralmente o fluxo de luz foi escrito, ao qual o monge Antônio de Pádua estende seus braços, que viu o menino Jesus descendo do céu.

Contemporâneos exaltaram Murillo:passaram a chamá-lo de “Sevilha Apeles, ”Comparando-o com o grande pintor da Grécia antiga, e até o colocou mais alto do que o próprio Ticiano. Na virada das décadas de 1950 e 1960, a obra “A Anunciação” foi criada (São Petersburgo, Eremitério). Nele podemos ver uma elaboração ainda mais sutil de luz e cor do que na fotografia “Menino com Cachorro”. O anjo, que tinha acabado de chegar a Maria com a boa notícia de que ela estava destinada a se tornar a mãe do Filho de Deus, ajoelhou-se diante dela.

Junto com o anjo, o céu na forma de uma nuvem leve parecia ter entrado na modesta sala, tendo lavado os contornos das paredes e envolvido a coluna com névoa. Apenas uma mesa com um livro sobre ela, um buquê de lírios em um vaso de vidro fino e lajes de um piso simples são claramente visíveis. Um cobertor leve na cabeça de Maria, e seus ombros se fundem com a nuvem. A coloração geral da imagem é muito bem resolvida. A mancha de cor principal era um lenço de anjo, vermelho carmim, com tons delicados de tons, flutuando facilmente contra o fundo de nuvens cinza esfumaçadas. A cor do lenço vai bem com as roupas cinza-púrpura do anjo e a cesta amarelo-ouro no chão, e até com o travesseiro azul macio nele. A segunda versão da pintura está no Museu do Prado em Madrid, mas nele parte do pé do anjo e parte do vaso de flores são cortados pelas bordas da tela, o que distorce significativamente a composição da obra.

O pintor, como o verdadeiro filho de sua terra, repetidamente voltou-se para a imagem da Madonna e cantou a beleza das mulheres de Sevilha. Os andaluzes chamam sua terra de "a terra de Maria Batista". Foi a Virgem Maria a padroeira de Sevilha, bem como todas as cidades e aldeias da Andaluzia. Pessoas comuns a honraram como uma intercessora, canções compostas, contos e lendas sobre ela. Na poesia popular, Madonna sempre foi uma beldade com olhos grandes e mãos delicadas e brancas. Ela é admirada pelas pessoas, e árvores, e o sol, e o mar e riachos. Nas obras de Murillo, Maria também é sempre uma pessoa de olhos arregalados, gracioso, mulher tenra e esguia, em contraste com as obras de muitos mestres espanhóis que viram em Madonna, principalmente a mãe dela, com olhos modestamente baixos olhando para o filho.

As mais famosas Madrillas de Murillo:“Madonna and Child” (Florença, Uffizi), “Madonna e Rosário” (Madrid, Prado), “Madonna e criança”, que tem o segundo nome - “Madonna e Guardanapo” (Sevilha, Museu de Belas Artes) e “Madonna e Criança”, também conhecida como "Madona Cigana" (Roma, Galeria Corsini). Todas essas mulheres charmosas olhando para o espectador também podem ser admiradas, não apenas orou para eles. A imagem encantadora do artista é encontrada em várias cenas:“Imaculada Conceição”, "Aviso", “Adoração dos Pastores”, “Descanse na fuga para o Egito”, “Voo para o Egito”, "Familia sagrada", “Levando a Madonna para o Céu”, e muitos outros, ambos escritos por ordem da igreja, e criado para outros clientes.

As composições das obras de Murillo encomendadas pela Igreja Católica são distinguidas por uma combinação de solenidade calma da tela religiosa com temas de gênero que trazem calor e alma à vida humana simples. Esta é a obra "Descansar na Fuga para o Egito". Aqui vemos o sonho sereno de um bebê, o gesto de carinho da mão de uma mãe com a palma aberta protegendo uma criança, O rosto calmo e gentil de Maria, a confiável copa de uma árvore sob a qual ela descansava. Joseph está perto, segurando uma mula. Anjos curiosos fofos, medo de acordar a criança, fique se abraçando à distância.

O trabalho é surpreendentemente harmonioso:a proporção de figuras e paisagem, o fluxo suave de linhas suaves, as cores quentes das vestes vermelhas de Madonna combinadas com as roupas marrom-escuras de Joseph, árvores, um filhote rosa de bebê e uma névoa prateada transparente de colinas distantes. Execução cuidadosa e magistral de coisas comuns - nós bem feitos, jogado em cima do chapéu de palha de Joseph, uma garrafa em uma abóbora vazia, nos prova o quão hábil era o mestre Murillo da natureza-morta. Nenhum dos mestres espanhóis se voltava com tanta frequência para assuntos apócrifos como Murillo. Eles estavam interessados ​​nele não menos do que nos temas clássicos da Ascensão da Madona e da Imaculada Conceição, muitos exemplos podem ser encontrados em museus de todo o mundo - no Prado, o eremitério, Museu do Louvre, os museus de Sevilha e coleções particulares. Apócrifos é uma lenda não permitida pela igreja oficial nos textos dos quatro evangelhos canônicos existentes:lendas sobre as brincadeiras do pequeno Cristo com seus irmãos (filhos de José); sobre a tamareira, que cresceu na oração da Madonna durante sua viagem ao Egito; um ataque a uma sagrada família de animais e ladrões (dragão, Lobos, leão e leopardo); sobre a educação do menino Jesus por José; sobre a infância de Maria e muitos outros.

Uma característica da escola de pintura de Sevilha era a imagem da Madona voando para o céu, acompanhado por anjos. O jovem Velázquez pintou a Imaculada Conceição (Londres, Galeria Nacional), mostrando a ela um jovem, garota bastante terrena com um rosto ligeiramente encorpado, seus olhos timidamente envergonhados. Como muitos historiadores da arte acreditam, foi escrito de Juana, filha do professor de Velázquez - Francisco Pacheco, que mais tarde se tornou sua esposa. Abaixo você pode ver os prédios e ruas de Sevilha. Murillo criou uma nova imagem na pintura espanhola de Maria - uma jovem, frágil, o gracioso sevilhano, voando nas nuvens, suavemente e facilmente subindo. Assim é a “Imaculada Conceição” guardada em l'Hermitage. Uma densa nuvem cinza, em que anjinhos brincam alegremente, carrega a Madonna de pé sobre ela. A Virgem Maria está sobre ele, dobrando um joelho ligeiramente, graciosamente, apenas com o toque de seus dedos, unindo as mãos e segurando suavemente a borda encaracolada da capa com os cotovelos.

A pintura da Ascensão (São Petersburgo, o Hermitage) foi pintado vários anos depois. O rosto da menina lembra o rosto de Maria da Imaculada Conceição, criado pelo artista para o mosteiro dos capuchinhos e armazenado em Sevilha. Provavelmente ambas as pinturas foram pintadas pelo mestre a partir do mesmo modelo. A Madonna está vestida com um vestido longo branco, em sua cintura - um cinto dourado, um lenço caído sobre os ombros, facilmente gira no ar. De maneira incomum, transmitia com maestria um movimento suave para cima. Parece ao observador que está embaixo e seu olhar segue gradativamente a figura ascendente. Os anjos brincam aos pés de Maria, e um deles, um garotinho de pele escura e cabelos escuros, tenta apoiar o manto esvoaçante da Virgem voando até ela. O braço direito de Madonna está levantado, a cabeça dela está ligeiramente inclinada, seus olhos estão erguidos para o céu.

A impressão de um movimento ascendente não é alcançada apenas pela composição. Murillo mostra essa aspiração com cores ricas e luz. Logo abaixo - escuridão total - esta é uma terra abandonada. Crescendo, o fundo fica mais claro, mais transparente, as cores são mais claras, prateado, as silhuetas dos anjos voadores se afogam em sua névoa. Para a borda superior da tela, tons dourados mais quentes aparecem, cintilando em amarelo, tons fulvo e rosa. A artista escreve novamente com longos traços oblíquos, tudo é bom, suave, as asas dos anjos são apenas ligeiramente tocadas pelo branco. O claro-escuro é transparente, a transição de tons é invisível, e os contornos das figuras se dissolvem no ar.

Murillo também tem outra Madonna - a dona de uma casa pobre, a esposa comum de um artesão. No século 18, o Hermitage adquiriu o quadro "A Sagrada Família", cujo pequeno formato corresponde à interpretação íntima da trama. O carpinteiro Joseph teve uma hora de descanso. Pondo o trabalho de lado, ele pegou a criança nos braços, o rosto de seu pai calmo e afetuoso. A criança puxa as canetas para a mãe, que deixou a costura para levar o filho. A ação provavelmente se passa em uma oficina em que uma cortina verde separa a área de trabalho da habitação. Uma luz dourada suave preenche todo o espaço. A gama colorida de trabalho foi sutilmente resolvida:o manto amarelo de Joseph e a cor cinza de suas roupas, O vestido rosa de Maria e uma capa azul escura em seu colo, um xale amarelo claro, a mortalha branca e os tons rosa de um bebê foram habilmente coordenados e profundamente pensados. Luz, traços longos quase transparentes são criados pelo artista pendendo sobre a borda da mortalha branca e as dobras da cortina, enquanto a cestaria, pelo contrário, é escrito com pinceladas curtas. A economia simples de um carpinteiro simples - uma bancada de trabalho com um avião, uma serra, encostado na mesa, e uma cesta de ferramentas estão localizadas em primeiro plano, mas o ar dourado da sala suaviza seus contornos, como se se dissolvesse em uma névoa celestial.

Em 1660, Murillo tornou-se presidente da Academia de Artes de Sevilha, fundado por ele mesmo, uma associação gratuita de artistas que existiam por conta própria. Ele acreditava que o artista deveria primeiro estudar a natureza e seguir as tradições da arte aceitas em casa, e imitar a antiguidade. Suas obras diferiam das obras da Academia de Bolonha exclusivamente em motivos de gênero, interesse pelos tipos folclóricos espanhóis e pelo desenvolvimento do claro-escuro e das questões das cores.

O protetor da Academia de Sevilha era o Marquês de Villamanrique, para quem o artista, nos anos 1665-1670, executou uma série de pinturas em cenas da vida de Jacob. Entre elas estão as obras “A Escada de Jacó” e “A Bênção de Jacó Isaac” (ambas em l'Hermitage, São Petersburgo). Estas são enormes obras decorativas destinadas a decorar o palácio. Em ambas as telas, a trama bíblica é como se deixada para trás. Na pintura “A Bênção de Jacob Isaac”, a cena com a participação dos personagens principais ocupa um lugar bem menor que o resto da paisagem com figuras. O arco da casa, em cujas profundezas vemos na cama de um velho cego Isaac sentado, é mostrado à direita. Ao lado dele está sua esposa Rebekah, e seu Jacob está ajoelhado na cama de seu pai. Esta é uma história sobre como um moribundo Isaac queria abençoar Esaú, seu filho mais velho, a quem planejava transferir a liderança da família. Usando a cegueira de seu marido, Rebekah trouxe seu filho mais novo, Seu favorito, Jacob, para ele. Todos os personagens são muito característicos de Murillo. Isaac é um velho calmo e gracioso, Rebekah é uma velha magra, com bochechas encovadas e um nariz pontudo. Este tipo de mulher é frequentemente encontrado nas pinturas de Murillo - esta é Anna, a mãe de Maria, e velhos mendigos em cenas de esmola, e camponesas em numerosas “Adorações aos Pastores” .e velhas mendigas em cenas de esmola, e camponesas em numerosas “Adorações aos Pastores” .e velhas mendigas em cenas de esmola, e camponesas em numerosas “Adorações aos Pastores”.

Luz e espaço

Toda a cena da bênção do pai ao filho é destacada como se brilhasse por dentro por uma cortina vermelha brilhante atrás da cama de Isaac. Uma sensação incomum de espaço na sala é criada por uma transição clara entre a borda escura do arco e o tom claro da camisa e travesseiros de Isaac, para a borda pendente brilhante luminosa da cortina. A paisagem espaçosa, estendendo-se além da parede da casa, atrai os olhos com nuvens pré-trovoadas flutuando acima do solo. Suaves transbordamentos de tons de céu são infinitamente diversos - todos os tons de cinza do escuro esfumaçado ao prateado transparente, em que os contornos de pássaros voando são perdidos.

Todas as tonalidades das cores do céu combinam perfeitamente com os tons castanho-dourados da estrada e sombras. Ao longo do trabalho, sente-se a ordem estrita de uma única solução composicional, enfatizando a profundidade do espaço. A estrada que vai para as montanhas, a árvore inclinada na mesma direção, o movimento de uma mulher curvada sob a carga de um jarro pesado, a figura distante de um caçador reforça a impressão de profundidade. A imagem está repleta de elementos domésticos - vasos em primeiro plano, pombal, uma cerca de tábuas velhas, vasos de flores no telhado. Vemos gesso caindo em alguns pontos da parede da casa. Tudo isso é tirado da vida e nos mostra a vida dos andaluzes comuns.

A obra “The Staircase of Jacob” é mais decorativa. Aqui, Murillo transmitiu magnificamente a fabulosidade e a riqueza do sonho. A história bíblica conta como Jacó, temendo a vingança de seu irmão, viajou para o país de Harran, mas no caminho adormeci e vi em um sonho uma escada para o céu, ao longo da qual os anjos desceram, trazendo a notícia de que Deus havia decidido todo o país em cuja terra ele está dormindo, dê a ele. A ação acontece à noite sob a luz da lua, lançando seus raios fracos no rio, cascata, troncos retorcidos e galhos de árvores. A figura de Jacob em roupas claras é quase imperceptível. E aqui, o pintor é mais atraído pela paisagem e pela criação na tela da realidade mágica do luar que surge através de nuvens escuras. Anjos delicados e frágeis estão vestidos de amarelo claro, vestes rosa e azul. Contra o pano de fundo de uma misteriosa paisagem noturna, com uma gama complexa de tons escuros e brilhantes, suas asas e roupas brilham com pontos de luz. O céu cinza escuro é pintado com grandes traços característicos. As folhas nos galhos de árvores antigas e poderosas são ligeiramente tocadas em alguns lugares por rosa, em alguns lugares por traços vermelhos de curling, o que cria uma falsa impressão de flores.

No apogeu de seu domínio pictórico, nos anos 1660-1670, Murillo procurou poetizar as imagens de seus personagens, pelo que foi repetidamente acusado de alguma doçura e beleza deliberada dos heróis de suas pinturas. Contudo, essas acusações não são inteiramente justas. Na verdade, as crianças que vemos nas telas “João Batista com o Cordeiro” (São Petersburgo, o eremitério), “O Bom Pastor” (Madrid, Prado), e outros são típicos da Andaluzia, eles ainda podem ser vistos em Sevilha e nas aldeias vizinhas. A orientação democrática do trabalho do artista foi expressa no fato de que ele equiparou a beleza de Nossa Senhora com a beleza das mulheres simples da Andaluzia, e a beleza de seu filho, pequeno Jesus, com a beleza dos trapos de rua.

Por exemplo, sobre o quadro “A esmola de Foma Villanueva” (Sevilha, Museu de Belas Artes) vemos um jovem residente de Sevilha, segurando o bebê com uma mão no peito, e a outra levando o bebê seminu mais velho pela mão. A mulher e seus filhos não são diferentes da Madona e do menino Jesus nas pinturas religiosas do artista.

Na pintura “João Batista com o Cordeiro”, o pequeno John é um menino bonito de olhos grandes e cabelos grandes, pressionando um cordeiro fofo contra o peito. As suaves pernas e braços esculpidos da criança e sua figura ligeiramente curva dão-lhe graça. O menino é colocado no centro da composição, em que a paisagem desempenha um grande papel, lembrando-nos da pintura "Escada de Jacob". Murillo tem muitas dessas imagens infantis.

A pintura "Joseph, Liderando o Bebê de Cristo "(São Petersburgo, Eremitério), pintado em 1670, é interpretado como uma cena de gênero. Um jovem Joseph de barba negra conduz um menino de cabelos encaracolados vestido com uma longa camisa roxa, conversando com ele na estrada. A paisagem da cidade que vemos atrás deles - Sevilha, seus prédios e ruas são mais de uma vez reconhecidos nas obras do mestre. Murillo frequentemente se referia a esta trama, que não foi incluído nos evangelhos canônicos. Na tela "José com o Menino Cristo" (Moscou, Museu Pushkin), vemos como José, abraçando a Cristo, o diverte com um ramo florido. Murillo sempre pintou cenas com Joseph de boa vontade.

Verdade, o artista também tinha imagens de outras crianças - não bonitas e felizes, mas abatido, pálido, doente e infeliz. Essas crianças podem ser vistas em telas sobre o tema de dar esmolas. Mas Murillo tentou evitar cenas desnecessariamente trágicas; eles não funcionaram muito bem para ele. Na obra "A Crucificação" (São Petersburgo, Eremitério), o corpo de Jesus se destaca contra um fundo cinza escuro de nuvens, o Filho de Deus é calmo e lindo. Mary, João e Maria Madalena, estando ao pé da cruz, são jovens e bonitos.

A tela de grande formato “A Morte do Inquisidor Pedro Arbues”, também pertencente à coleção Hermitage, foi encomendado pelo tribunal da Inquisição de Sevilha. Pedro Arbués de Epila, que viveu no final do século 15, foi o inquisidor de Aragão sob os reis católicos Fernando e Isabel, que fundou a Inquisição na Espanha. Naquela época, Aragão gozava de vários privilégios e algumas liberdades. Os severos estatutos da Inquisição, especialmente o confisco de todos os bens dos condenados, causou inquietação entre os nobres aragoneses, que finalmente decidiu matar Arbues na esperança de que o rei ficasse com medo e não lhe enviasse um substituto.

O nobre espanhol Juan de la Abadia liderou o assassinato, enquanto os jovens Vidal de Uranso e Juan de Esperaindeo, que queria vingar pessoas próximas executadas pela Inquisição, tornaram-se performers. O assassinato ocorreu em 15 de setembro, 1485, bem na catedral de Zaragoza. Uma tarde da noite, quando Arbuez ficou ajoelhado em frente ao altar, de Esperaindeo o esfaqueou no braço com uma espada, e de Uranso, avisou que o formidável e odiado inquisidor usa cota de malha sob as roupas e protege a cabeça com uma armadura, enfiou uma adaga em seu pescoço.

Todos os participantes da conspiração foram torturados. Arbuesu foi erguido um grande túmulo, e depois, elevado à categoria de santo. Murillo conhecia todas as circunstâncias do assassinato e as reproduziu com precisão na foto, mas apesar das figuras lindamente pintadas, a bela transição do claro-escuro de meio-tom na catedral escurecida, os rostos dos participantes são muito secos e inexpressivos, e as posturas são teatrais demais.

Trabalho para o Hospital Caridad

Uma das séries de pinturas mais famosas de Murillo foi um ciclo de onze obras (1671-1674), realizado para o Hospital Caridad, localizado em Sevilha. O hospital pertencia a uma fraternidade fundada em 1578, criado para o enterro dos executados, desconhecido e afogado. A Irmandade fundou uma grande capela dedicada a São Jorge, que ocupava parte de uma grande sala no território do estaleiro de Sevilha. No mesmo local, em 1664, foi instalado um pequeno hospital, a entrada era decorada com uma inscrição que terminava com as palavras:"... a casa dos pobres e a escada para o céu."

Vivendo ao mesmo tempo que Muirlo, Dom Miguel Manyara Vicentele de Leka, um cavaleiro da Ordem de Calatrava, reconstruiu o antigo e construiu um novo grande hospital no qual tratava os enfermos, enterrou os mortos, alimentou o faminto com sopa grátis e forneceu outras formas de misericórdia. O próprio Manyara era uma figura muito interessante, Contudo, característica de seu tempo. Um ancinho, um queimador de vida, um participante de orgias e assassinatos, ele uma vez temeu os sermões do clero, ameaçando não apenas a vida após a morte com o julgamento final, mas também o tribunal terreno da Inquisição. Há uma lenda segundo a qual Manyara sonhou com seu funeral, após o que ele se arrependeu de seus pecados e até mesmo legou enterrá-lo não na própria igreja de Caridad, mas sob um fogão em sua entrada, para que todos pisassem em seu túmulo. Manyara sugeriu que Murillo escrevesse para o hospital onze pinturas glorificando a misericórdia. Todos os enredos foram extraídos da Bíblia, o Evangelho, e lendas posteriores de santos. As obras mais famosas desta série foram “Moisés Esculpindo Água da Rocha” (Sevilha, Caridad), “Christ Heals Paralysis” (Londres, Galeria Nacional) e “St. Elizabeth, a Rainha da Hungria, trata os doentes ”(Madrid, Prado).

A pintura “A Libertação do Apóstolo Pedro da Prisão” (São Petersburgo, Eremitério), pintado para Caridad, se distingue por uma interpretação incomum da solução de corte. O artista se propôs a retratar de forma mais confiável uma fonte de luz em uma sala escura. A radiância radiante emana da cabeça de um anjo, iluminando a parede, tornando-o quase invisível, como se permeado por um jogo de tons cinza-prata, intercaladas com tons rosados. À esquerda das figuras dos soldados adormecidos, outra fonte de luz é mostrada - uma minúscula luz de vela dourada que ilumina moderadamente a silhueta negra de uma alabarda, a capa vermelha de um dos soldados e um anel de ferro aparafusado na parede. E aqui Murillo permaneceu fiel a si mesmo:o prisioneiro retratado é um velho bonito de rosto calmo, não expressando emoções.

Ao mesmo tempo, para o hospital, Caridad escreveu outro artista que também veio de Sevilha - Juan Valdes Leal, que cumpriu a ordem de Miguel Manyara. A obra de Valdes Leal era diametralmente oposta à arte de Murillo. Sendo um pintor talentoso, dominando perfeitamente a cor, Valdez Leal preferia pintar pinturas sombrias, imbuído de tragédia, misticismo e dinâmica apaixonada. Em suas obras, vemos figuras em um ataque de inquietação, brilho inquieto de luz alternando com sombras correndo, a combinação de cores, embora elegante, mas excessivamente afiado.

Um exemplo são duas de suas pinturas mais famosas, escrito para Caridid ​​- "Hieróglifos da Morte" e "O Fim da Glória Terrestre". Em primeiro, ele retratou um esqueleto com uma foice, caminhando ao lado de multidões, livros e armas que não eram mais necessários, extinguindo o fogo de uma vela sem chama com dedos ossudos, no segundo, ele mostrou um quadro terrível da decomposição dos cadáveres de um cavaleiro e um bispo, com uma mão misteriosa segurando escalas sobre eles. Típico de Valdes Leal e da obra "Retrato de Manyara". Manyara se senta à mesa, apontando para o crucifixo com um gesto levemente teatral de sua mão. Um menino com um livro, vestido com roupas monásticas escuras, acomodou-se em um banco baixo à esquerda. A criança pálida colocou um dedo nos lábios, simbolizando, portanto, um voto de silêncio eterno e humildade.

Mas as diferenças no trabalho dos artistas foram determinadas não apenas por suas personalidades e personagens, mas também pela complexidade da arte conflitante do fim da "era de ouro" da cultura espanhola. Valdez Leal reflected in his work an aristocratic reaction to realism, which included mystical horror of the afterlife. Esteban Murillo also loved life in its most diverse manifestations. His work is connected with the best traditions of the national Spanish art of the heyday. He strove with all his might for the truthful transfer of the environment and was deeply sincere in this effort. An observant painter, he could not help but notice the contrasts of Seville - the wealth of the church and the nobility and poverty of the people. All this is reflected in his creations. Ao mesmo tempo, he was the son of his time, realizing that the conditions had changed, Portanto, the poetization of images and the decorativeness of the composition often replaced the depth of content and expressiveness characteristic of old masters.

The artist died from an accident. While painting the Capuchin monastery in Cadiz, Murillo fell from high forests. In serious condition, he was transported home to Seville, where he died from his injuries in April 1682.