"Catedrais da Arte" de Florine Stettheimer celebra e critica os santuários seculares de Nova York. Aqui estão três coisas que você talvez não saiba
p Quando Florine Stettheimer morreu em 1944, aos 72 anos, o artista de Nova York, poeta, e salonnière, ainda estava dando os toques finais As catedrais da arte, a última de uma série de quatro pinturas monumentais dedicadas à cultura de Nova York, social, e templos econômicos. Idênticas em escala, cada pintura mede um metro e meio de altura por pouco mais de um metro e vinte de largura.
p As séries, que inclui As catedrais da Broadway (1929), Para As catedrais da Quinta Avenida (1931) , E As catedrais de Wall Street (1939), foi uma homenagem aos lugares de culto na cidade que ela chamou de lar durante toda a sua vida adulta. Para a artista profundamente privada, Para As catedrais da arte é sem dúvida a mais pessoal das obras.
p Embora não fosse adorado de forma crítica em sua vida, Stettheimer estava totalmente enredado no meio cultural da cidade e contou com Marcel Duchamp, Alfred Stieglitz, e Georgia O’Keeffe entre seus amigos mais queridos e convidados frequentes. (Duchamp organizou uma retrospectiva póstuma de 1946 do trabalho de Stettheimer no MoMA, o primeiro museu é dedicado a uma mulher.)
p Pintado na essência de Stettheimer, e intencionalmente, paleta feminina de brancos, rosa, e tintos, As catedrais da arte é um retrato fantástico de três dos principais museus da cidade - o Museu de Arte Moderna, o Metropolitan Museum of Art, e o Whitney Museum of American Art - repleto de representações de críticos de arte da vida real, concessionários, e até a própria artista, no canto inferior esquerdo, parecendo dar as boas-vindas aos espectadores na cena espetacular. Uma das mais famosas telas de Stettheimer, As catedrais da arte Caprichoso, mesmo fey, A atmosfera é um verniz para os comentários sociais incisivos do artista e as perspectivas contemporâneas informadas.
p Aqui estão três fatos sobre As catedrais da arte Isso pode fazer você ver a pintura de uma maneira totalmente nova.
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p Em sua vida, O trabalho de Stettheimer foi amplamente entendido como ornamental, insular no assunto, e, nos melhores casos, cultivando uma tradição simbolista americana. Nas últimas décadas, Contudo, historiadores têm enfatizado o satírico, mesmo socialmente inspirado, mensagens codificadas em seu estilo faux-ingênuo (Stettheimer foi uma espécie de florescimento artístico tardio e trabalhou em uma tradição acadêmica antes de encontrar seu estilo de pintura exclusivo quando tinha 40 anos).
p As pinturas de "Catedrais" são exclusivas de Stettheimer, pois o assunto não é abertamente pessoal. Normalmente, seu assunto centrado no mundo íntimo de seus amigos e familiares, incluindo suas irmãs Ettie e Carrie. “O caráter social dessas obras é de um tipo muito particular, "Escreveu a historiadora de arte Linda Nochlin." Os assistentes são os habitantes privilegiados de um mundo muito exclusivo, o mundo das diversões dos Stettheimers, soirées, e piqueniques. "
p As catedrais da arte Apresentou uma oportunidade única para Stettheimer colocar as figuras do mundo da arte que ela conhecia na vida real no fantástico conglomerado do Met (centro), MoMA (esquerda, com referências a pinturas de Picasso e Henri Rousseau), e o Whitney (à direita), apresentado em um cenário de palco aparentemente contínuo.
p Figuras famosas abundam na obra. O crítico de arte Henry McBride é retratado na frente da pintura com as bandeiras "pare" e "vá" nas mãos, uma referência aos seus poderes críticos. Alfred Stieglitz fica em frente ao centro da tela em um arrojado capa preta que sinaliza seu papel de esteta. O fotógrafo George Platt Lynes é mostrado fotografando um bebê, que Stettheimer se refere como "Arte do bebê". Os diretores do museu estão espalhados por toda parte:Alfred Barr do MoMA aparece sentado em uma cadeira estilo Corbusier à esquerda e o então diretor do Met, Francis Henry Taylor, caminha de mãos dadas com um bebê em direção a um famoso objetos da coleção do museu, como se estivesse em uma excursão.
p Mulheres, geralmente central para os mundos pintados de Stettheimer, existem principalmente na periferia desta cena. Stettheimer retrata a si mesma, bastante jovem, considerando que ela estava em seus 70 anos na época, rotulado na tela como um commere , Ou madrinha, da cena. Mas ela aparece como um observador externo, residir em um espaço coberto. Da mesma forma, Juliana Force, diretora do Whitney, parece isolada, parecendo um tanto decidido ao lado de uma estátua de ouro de Gertrude Vanderbilt Whitney, na parte traseira direita da pintura.
p Como é típico do trabalho de Stettheimer, um arranjo semelhante a um quebra-cabeça de pistas e códigos pode ser interpretado para possíveis significados. Enquanto ela grava o nome de Picasso na parede do museu, ela adiciona o dela também, mas está escrito ao contrário, uma sugestão de sua própria obscuridade, e o tipo de detalhe que desmente a aparente frivolidade do trabalho.
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p A série "Catedrais" de Stettheimer foi criada para representar os chamados "locais de culto" da cidade de Nova York - artes, finança, e a sociedade. Ao criar essas obras, Stettheimer buscou a arte religiosa em busca de inspiração composicional, particularmente retábulos trípticos.
p "A série foi projetada para se parecer com um retábulo de várias partes, não apenas em termos de escala e dimensão (cada obra mede mais de 50 polegadas de largura e 60 polegadas de altura), mas também em sua exibição ideal, ”Escreveu o historiador de arte H. Alexander Rich no ensaio“ Redescobrindo Florine Stettheimer (de novo) ”. Nesta leitura, também, podemos imaginar as representações de Stettheimer de si mesma e de seu amigo Robert Locher como compère e commère (padrinho e madrinha), como os santos nos dando as boas-vindas à cena, mas eles próprios existindo fora dela.
p “As duas figuras [atuam] como santos padroeiros ou intercessores entre o mundo da arte e seu público. Catedrais de arte , então, não é apenas uma homenagem à arte, mas às instituições de arte de Nova York e às pessoas que as dirigem, "Escreveu Nochlin.
p Com essas referências religiosas em mente, a estrutura em arco da estrutura do museu pode ser interpretada como uma espécie de mandorla, em torno dos acontecimentos sagrados do museu, enquanto "Baby Art" no centro é um substituto para o menino Jesus em um presépio, com o flash das câmeras, uma represália contemporânea da luz divina.
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p Discussões críticas do trabalho de Stettheimer muitas vezes observam corretamente a influência do design teatral, especialmente em seu forte senso de encenação e enquadramento. Ela passou grande parte de sua juventude na Europa com suas irmãs e mãe, e uma visita ao Ballet Russes pioneiro de Sergei Diaghilev teve um impacto duradouro em sua pintura. (Stettheimer também projetou o cenário para a ópera de 1933 de Gertrude Stein Quatro Santos em Três Atos. )
p Stettheimer também era um poeta dedicado, e sua escrita costuma ser influenciada pelas filosofias do filósofo francês Henri Bergson. Bergson argumentou contra noções fixas de tempo e memória em favor de ideias de simultaneidade, movimento, e mudança - influências aparentes não apenas na poesia de Stettheimer, mas também em sua pintura.
p "Ao duplicar figuras dentro da cena e combinar vários dias em um, Stettheimer baseou-se em sua compreensão do tempo bergsoniano, "Escreveu o historiador da arte David Tatham." Os argumentos de Bergson distinguiam a duração com sua heterogeneidade, eventos sobrepostos e lineares, tempo mensurável. Na experiência humana, a duração abrangeu o passado lembrado, bem como o presente consciente, e como conceito, era estranho ao momento congelado na arte pictórica. "
p No Catedrais de arte podemos ver esse emprego de simultaneidade por meio de sua fusão caprichosa de espaços e eventos, mas também em sua representação de "Baby Art, ”Que aparece tanto no primeiro plano da pintura quanto no fundo, sendo liderado pelo diretor do Met Francis Henry Taylor.
p Pintado na essência de Stettheimer, e intencionalmente, paleta feminina de brancos, rosa, e tintos, As catedrais da arte é um retrato fantástico de três dos principais museus da cidade - o Museu de Arte Moderna, o Metropolitan Museum of Art, e o Whitney Museum of American Art - repleto de representações de críticos de arte da vida real, concessionários, e até a própria artista, no canto inferior esquerdo, parecendo dar as boas-vindas aos espectadores na cena espetacular. Uma das mais famosas telas de Stettheimer, As catedrais da arte Caprichoso, mesmo fey, A atmosfera é um verniz para os comentários sociais incisivos do artista e as perspectivas contemporâneas informadas.
p Aqui estão três fatos sobre As catedrais da arte Isso pode fazer você ver a pintura de uma maneira totalmente nova.
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A pintura é um quem é quem no mundo da arte de Nova York
p Em sua vida, O trabalho de Stettheimer foi amplamente entendido como ornamental, insular no assunto, e, nos melhores casos, cultivando uma tradição simbolista americana. Nas últimas décadas, Contudo, historiadores têm enfatizado o satírico, mesmo socialmente inspirado, mensagens codificadas em seu estilo faux-ingênuo (Stettheimer foi uma espécie de florescimento artístico tardio e trabalhou em uma tradição acadêmica antes de encontrar seu estilo de pintura exclusivo quando tinha 40 anos).
p As pinturas de "Catedrais" são exclusivas de Stettheimer, pois o assunto não é abertamente pessoal. Normalmente, seu assunto centrado no mundo íntimo de seus amigos e familiares, incluindo suas irmãs Ettie e Carrie. “O caráter social dessas obras é de um tipo muito particular, "Escreveu a historiadora de arte Linda Nochlin." Os assistentes são os habitantes privilegiados de um mundo muito exclusivo, o mundo das diversões dos Stettheimers, soirées, e piqueniques. "
p As catedrais da arte Apresentou uma oportunidade única para Stettheimer colocar as figuras do mundo da arte que ela conhecia na vida real no fantástico conglomerado do Met (centro), MoMA (esquerda, com referências a pinturas de Picasso e Henri Rousseau), e o Whitney (à direita), apresentado em um cenário de palco aparentemente contínuo.
p Figuras famosas abundam na obra. O crítico de arte Henry McBride é retratado na frente da pintura com as bandeiras "pare" e "vá" nas mãos, uma referência aos seus poderes críticos. Alfred Stieglitz fica em frente ao centro da tela em um arrojado capa preta que sinaliza seu papel de esteta. O fotógrafo George Platt Lynes é mostrado fotografando um bebê, que Stettheimer se refere como "Arte do bebê". Os diretores do museu estão espalhados por toda parte:Alfred Barr do MoMA aparece sentado em uma cadeira estilo Corbusier à esquerda e o então diretor do Met, Francis Henry Taylor, caminha de mãos dadas com um bebê em direção a um famoso objetos da coleção do museu, como se estivesse em uma excursão.
p Mulheres, geralmente central para os mundos pintados de Stettheimer, existem principalmente na periferia desta cena. Stettheimer retrata a si mesma, bastante jovem, considerando que ela estava em seus 70 anos na época, rotulado na tela como um commere , Ou madrinha, da cena. Mas ela aparece como um observador externo, residir em um espaço coberto. Da mesma forma, Juliana Force, diretora do Whitney, parece isolada, parecendo um tanto decidido ao lado de uma estátua de ouro de Gertrude Vanderbilt Whitney, na parte traseira direita da pintura.
p Como é típico do trabalho de Stettheimer, um arranjo semelhante a um quebra-cabeça de pistas e códigos pode ser interpretado para possíveis significados. Enquanto ela grava o nome de Picasso na parede do museu, ela adiciona o dela também, mas está escrito ao contrário, uma sugestão de sua própria obscuridade, e o tipo de detalhe que desmente a aparente frivolidade do trabalho.
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A pintura foi concebida como um retábulo secular
p A série "Catedrais" de Stettheimer foi criada para representar os chamados "locais de culto" da cidade de Nova York - artes, finança, e a sociedade. Ao criar essas obras, Stettheimer buscou a arte religiosa em busca de inspiração composicional, particularmente retábulos trípticos.
p "A série foi projetada para se parecer com um retábulo de várias partes, não apenas em termos de escala e dimensão (cada obra mede mais de 50 polegadas de largura e 60 polegadas de altura), mas também em sua exibição ideal, ”Escreveu o historiador de arte H. Alexander Rich no ensaio“ Redescobrindo Florine Stettheimer (de novo) ”. Nesta leitura, também, podemos imaginar as representações de Stettheimer de si mesma e de seu amigo Robert Locher como compère e commère (padrinho e madrinha), como os santos nos dando as boas-vindas à cena, mas eles próprios existindo fora dela.
p “As duas figuras [atuam] como santos padroeiros ou intercessores entre o mundo da arte e seu público. Catedrais de arte , então, não é apenas uma homenagem à arte, mas às instituições de arte de Nova York e às pessoas que as dirigem, "Escreveu Nochlin.
p Com essas referências religiosas em mente, a estrutura em arco da estrutura do museu pode ser interpretada como uma espécie de mandorla, em torno dos acontecimentos sagrados do museu, enquanto "Baby Art" no centro é um substituto para o menino Jesus em um presépio, com o flash das câmeras, uma represália contemporânea da luz divina.
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O teatro informou profundamente sua abordagem à pintura
p Discussões críticas do trabalho de Stettheimer muitas vezes observam corretamente a influência do design teatral, especialmente em seu forte senso de encenação e enquadramento. Ela passou grande parte de sua juventude na Europa com suas irmãs e mãe, e uma visita ao Ballet Russes pioneiro de Sergei Diaghilev teve um impacto duradouro em sua pintura. (Stettheimer também projetou o cenário para a ópera de 1933 de Gertrude Stein Quatro Santos em Três Atos. )
p Stettheimer também era um poeta dedicado, e sua escrita costuma ser influenciada pelas filosofias do filósofo francês Henri Bergson. Bergson argumentou contra noções fixas de tempo e memória em favor de ideias de simultaneidade, movimento, e mudança - influências aparentes não apenas na poesia de Stettheimer, mas também em sua pintura.
p "Ao duplicar figuras dentro da cena e combinar vários dias em um, Stettheimer baseou-se em sua compreensão do tempo bergsoniano, "Escreveu o historiador da arte David Tatham." Os argumentos de Bergson distinguiam a duração com sua heterogeneidade, eventos sobrepostos e lineares, tempo mensurável. Na experiência humana, a duração abrangeu o passado lembrado, bem como o presente consciente, e como conceito, era estranho ao momento congelado na arte pictórica. "
p No Catedrais de arte podemos ver esse emprego de simultaneidade por meio de sua fusão caprichosa de espaços e eventos, mas também em sua representação de "Baby Art, ”Que aparece tanto no primeiro plano da pintura quanto no fundo, sendo liderado pelo diretor do Met Francis Henry Taylor.
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