Paul Cézanne (1839-1906)
O famoso pintor francês Paul Cézanne foi um pioneiro do pós-impressionismo. Viver e trabalhar com os mais famosos mestres do impressionismo, estando no início de sua jornada sob a influência deles, Cézanne, em busca de seu próprio estilo, foi mais longe do que seus colegas. Tendo aprendido a arte de transmitir os milagrosos estados da natureza, o artista mergulhou na busca dos fundamentos formativos de tudo ao seu redor e tentou aprender a lógica interna das coisas. A abordagem inovadora do pintor não permitiu que durante a sua vida recebesse o sucesso e a fama merecidos. Só o tempo colocava tudo em seu lugar.
Arremesso Juvenil
O futuro artista nasceu em 19 de janeiro, 1839 em uma pequena cidade no sul da França - Aix. Paul era o primogênito da família do banqueiro Louis - Auguste Cezanne. O pai, que começou com a produção e venda de chapéus, e então abriu seu próprio banco, era um homem muito poderoso, toda a família obedeceu estritamente à sua vontade. A mãe do artista, Anna, Elizabeth, deu à luz mais duas filhas, Maria e Rosa, mas ela adorava seu primeiro filho, Paulo, e sempre tentei apoiá-lo. O próprio pintor idolatrava a vida inteira e tinha medo do pai.
Desde a infância, ter vontade de desenhar, Paul Cézanne de cinco anos pintou as paredes da casa com carvão, mesmo assim, criando imagens muito verossímeis. Mas apenas sua mãe tinha orgulho de seus sucessos, seu pai sonhava em ver seu sucessor no filho. Pela vontade de seu pai, Paul em 1849 ingressa em uma das melhores escolas da cidade - St. Joseph’s School, de onde, em 1852 foi transferido para a sexta série do prestigioso Bourbon Closed College.
Na Faculdade, o futuro artista famoso Paul Cezanne conhece o futuro escritor famoso - Emil Zola. A amizade deles, no fim, desempenhou um papel significativo no destino do pintor. E então, em sua juventude, foi Zola quem descobriu para Paulo o mundo mágico dos livros e da poesia. Amigos costumavam se afastar de Aix, cheio de sonhos sobre um futuro lindo e puro amor.
Em 1855, Paul de dezesseis anos se formou na faculdade, distinguiu-se por escrever poesia em francês e latim, e de forma alguma realizado como artista. Depois de se formar na faculdade, Cézanne entra na Faculdade de Direito, no qual seu pai insistiu categoricamente. Ao mesmo tempo, à noite, Paul começa a estudar na Escola de Pintura Joseph Joseph Giber. Para alegria do jovem, o pai não via nada de repreensível neste desejo do filho.
O recém-inaugurado museu da cidade, onde pinturas foram exibidas, tornou-se o lugar favorito do aspirante a artista. Aqui, e na sala de aula da escola Gibert, Paul se sentiu verdadeiramente feliz, ele tinha o sonho de se tornar um artista. Mas seu pai não queria ouvir sobre tal mudança no destino de seu único filho, ele ainda insistia em estudar os jovens de uma lei que absolutamente não lhe interessava. A alma do jovem Cézanne sonhou com Paris, onde foi convidado ativamente por seu amigo de faculdade Emil Zola, que já havia se mudado para a capital francesa e experimentado trabalhos literários. No fim, Paul Cézanne ainda abandonou as aulas de direito e obteve permissão de seu pai para ir para Paris, onde Zola o incentivou a começar a estudar pintura seriamente.
Em 1861, o jovem pintor mudou-se para a capital da França e se preparava para entrar na Academia de Belas Artes. Cézanne começa a assistir às aulas na oficina de Lewis, onde conhece os futuros impressionistas Camille Pissarro e Claude Monet, que estudou desenho, mas já tinham sua própria visão formada do desenvolvimento da arte pictórica.
Pissarro acreditou imediatamente em Cézanne e previu sucesso no futuro. Mas o jovem artista da província se sentia um estranho no ambiente da oficina da capital. O único amigo que ele fez lá foi seu conterrâneo - o anão Aquiles Amperera, que subsequentemente escreveu entusiasticamente mulheres nuas. Paul Cezanne estava muito inseguro de suas habilidades e talento. Às vezes, parecia-lhe que todas as suas buscas eram sem sentido e ele precisava retornar a Ex para se tornar o sucessor de seu pai. Provavelmente, o artista foi atormentado por remorso e culpa diante dos pais, cujas esperanças ele não correspondeu. Esses tormentos mentais e dúvidas acabaram levando o artista a abandonar sua pintura favorita e, no mesmo ano, em 1861, ele retornou à sua cidade natal.
Em Aix, Paul começou a trabalhar na margem de Cézanne - o mais velho, que ficou incrivelmente satisfeito com o "retorno do filho pródigo". Mas a alegria de ambos durou pouco. Paul não poderia viver muito sem pintar e logo, de saudade, novamente começou a frequentar a escola Gibert. Depois de passar um ano em casa e conversas intermináveis com seu pai, o jovem novamente parte para Paris, desta vez, tendo decidido, por suposto, ir para a escola na Academia de Belas Artes.
Verdade, em preparação para passar nos exames, Cézanne repentinamente descobriu que era completamente estranho à arte que pretendia estudar. A pintura do salão parecia-lhe desnecessária e vazia. Mais, Paul novamente começou a duvidar de seu próprio talento. Ele trabalhou duro, mas sua insatisfação consigo mesmo apenas se intensificou. O resultado foi outro fracasso - o artista nunca conseguiu entrar na escola de pintura.
Em 1863, ele visitou o Salon, onde viu o trabalho escandaloso de Eduard Manet, rejeitado pelo público, "Café da manhã na grama." Este trabalho marcante, graças ao qual uma verdadeira revolução ocorreu na arte da época, também mudou a visão do mundo de Cézanne. Foi isso que apresentou o jovem artista, como muitos de seus pares, para uma nova compreensão da arte.
Fatal para Cézanne foi o conhecimento de Frederick Basil, que aconteceu no mesmo ano. Basil o trouxe para a oficina de Gleyre, onde Claude Monet, Alfred Sisley e Auguste Renoir vieram de. Timidez natural, com ao mesmo tempo absurdo de caráter, não permitiu que Cézanne se juntasse ao círculo dos futuros impressionistas. Como resultado, o artista sempre se manteve afastado, tentei não entrar em discussões e conversas, e não participou de suas reuniões.
Em 1864, recebendo a recusa do Salon em aceitar seu novo trabalho, Cézanne abandonou novamente as aulas de pintura e voltou ao Ex. Verdade, ele continua a escrever lá, incapaz de abandonar as aulas de arte. Como resultado, seis meses depois, Cézanne vem novamente a Paris para oferecer seu trabalho para participar do Salão, e novamente recebe uma recusa. Frustrado, o artista que quase perdeu a fé em si mesmo, mais uma vez vai para casa sem nada.
No Axe, Paul se dedica ao retrato. Ele trabalha duro, mas no ano seguinte as obras do artista não foram aceitas pelo Salon. Cézanne estava completamente desesperado. Ele decidiu que seu trabalho nunca seria compreendido, mas não queria escrever de forma diferente. Chegando ao Salão novamente e exibindo suas obras, ele recebe uma ovação zombeteira, o público ri abertamente do pintor.
Mas algo de bom está acontecendo no Salon - alguém apresenta o artista a Eduard Manet, que fala com entusiasmo da busca criativa de um jovem talento. Finalmente, depois de receber uma crítica positiva, e até mesmo de seu ídolo, Cézanne ganha confiança na escolha certa de um caminho criativo. Voltando ao Ex, o pintor se torna uma espécie de celebridade. Eles começam a reconhecê-lo na rua, artistas locais até tentam copiar suas obras, mas a curiosidade do público ainda era bastante hostil.
Tentação de Santo Antônio
A obra “A Tentação de Santo Antônio” (1867-1869, Fundação E. Bürle, Zurique) refere-se às primeiras obras de Cézanne. Usando um enredo religioso clássico, a artista retrata corpos femininos nus contra um fundo de natureza. Na realidade, o enredo era apenas uma desculpa para escrever nudez abertamente. O próprio Santo Antônio, quem, em teoria, era para ser o personagem central da imagem, foi alocado um lugar modesto na borda esquerda da tela, e mesmo lá, sua figura quase se confunde com o fundo.
Nem na pessoa, nem na pose de Santo Antônio pode ser lida a luta interior da carne e do espírito humanos. Se o objetivo do artista era retratar um santo cristão lutando contra a obsessão pecaminosa, então pode-se dizer que o trabalho de Cézanne falhou. Mas o pintor não se esforçou para isso, ele estava interessado apenas em corpos femininos.
Contrastes nítidos de claro-escuro esculpem o volume usando formas monumentais poderosas. A clássica composição piramidal da parte central da obra em si parece irrelevante para o enredo:as meninas que formam um círculo vicioso com suas figuras não se voltam em absoluto para Santo Antônio. Eles existem independentemente dele. E apenas um grupo de figuras habilmente organizado localizado na borda da tela - Santo Antônio e a sedutora, que apareceu diante dele em uma pose exageradamente aberta, corresponde ao nome da obra. Este par é construído de acordo com o princípio clássico de simetria. A pose aberta de uma mulher demonstrando seu corpo é contrastada com a pose fechada de Antônio, que apressadamente cheira roupas ásperas.
Vale ressaltar que Cézanne não retratou belezas, ele realmente escreve corpos femininos imperfeitos. A propósito, elas podem ser chamadas de belezas com uma extensão:Cézanne está longe de idealizar imagens, ele escreve simplesmente - mulheres. A influência impressionista é sentida em tons de cores contrastantes e reflexos do verde circundante nos corpos das mulheres. Contudo, Cézanne usa o achado do impressionismo excessivamente, quase levando ao absurdo, que aproxima seu trabalho do trabalho dos fauvistas, que ainda não entraram no cenário artístico mundial.
Vida pessoal
Um ano depois, em 1870, o artista conheceu Hortense Ficket, que se tornou seu modelo constante. A guerra que começou no mesmo ano com a Prússia, Cézanne, junto com Fique, esperou em Estac (província de Provence). O pintor escondeu cuidadosamente de sua família sua conexão com a modelo, caso contrário, um pai zangado poderia deixá-lo sem conteúdo, o que mal bastava para a vida. Só graças à escassa ajuda do pai, o artista, que não foi compreendido e não aceito pelo público, foi capaz de sobreviver, Portanto, mesmo quando o filho de Grotzenia, Paul, nasceu em 1872, este evento mais importante permaneceu um mistério para todos os parentes de Cézanne.
Logo o artista mudou-se para Pontoise, onde morava Camille Pissarro - uma das poucas que acreditava no potencial de Cézanne. Apoiar um amigo foi muito útil. O impressionista Pissarro ensinou que você precisa renunciar ao seu ego e escrever o que você vê, transferir para a tela o estado real da natureza e não interpretar o mundo que nos rodeia.
Aqui, Cézanne é apresentado ao Dr. Ferdinand Gachet, que gostava de pintar e apreciava a "nova" arte. Gachet declarou imediatamente que considerava Cézanne um grande artista, e o convenceu a se mudar para sua casa em Auvers. A percepção entusiástica de Gachet da criatividade de Cézanne inspirou esperança no pintor. Ninguém nunca se interessou por seu trabalho e os levou a sério. Aqui, o artista sentiu o interesse genuíno de toda a família Gachet por seu trabalho e começou a pintar inúmeras paisagens, levado pelo método impressionista de escrita.
Personalidade brilhante
A pintura “Casa do Enforcado” (1873, Museum d'Orsay, Paris), apesar de seu nome sombrio, é uma paisagem ensolarada. A construção composicional magistral e incomum da tela é como uma colagem e é baseada na combinação de diferentes planos.
O primeiro plano introduz o observador no espaço da imagem. Nele vemos uma encosta arenosa comum, com tocos de árvores no canto esquerdo inferior, colocado aqui como um “ponto de partida” para um avanço gradual nas profundezas. O segundo plano é ocupado por um prédio com telhado escuro e uma colina coberta de grama, atrás da qual uma feia "casa do enforcado" se abre, como se se projetasse da colina e fosse uma terceira planta da imagem. Atrás dele você pode ver o telhado da casa localizada logo abaixo - a quarta planta, que mostra edifícios com paredes de tijolos vermelhos brilhantes.
Seguindo o artista, o olho do visualizador no canto esquerdo inferior da tela desce ao longo da encosta, sinuoso entre as paredes de edifícios e terrenos irregulares e, portanto, revelando toda a profundidade do espaço. E quanto mais você olha para este espaço, mais complexo parece. Cézanne transmitiu a paisagem exatamente como a via na espécie, sem reconstruí-lo de uma perspectiva, então as casas laranja parecem estar bem no telhado do prédio próximo, e as árvores espalhadas no canto superior esquerdo da composição estão ridiculamente empilhadas logo acima da "casa enforcada".
Eram absurdos de composição, impensável para a arte clássica, que permitiu ao artista retratar fielmente o mundo como ele o viu. A pintura “Casa e Árvore” (1873-1874, coleção privada) na estrutura composicional assemelha-se a um fragmento de uma obra anterior:o mesmo primeiro plano inacabado, um edifício de pedra branca ainda cresce diretamente da colina, contra a qual uma árvore ramificada se ostenta. O tronco sinuoso do qual, como se cruzasse o plano da parede, "espalhando-se" ao longo dela, como uma fenda gigante. Esse motivo dá acordes dramáticos estranhos e emocionantes a toda a obra, criando a impressão de um segredo que a casa guarda em si, como se estivesse escondido atrás de um tronco e galhos de uma árvore.
A tela “Casa do Dr. Gachet em Auvers” (1873, Musee d'Orsay, Paris) se distingue pela alternância da primeira, vazio, e segundo - planos excessivamente preenchidos. Então Cézanne cria uma composição harmoniosa. As casas representadas, que o artista esculpe densamente um ao outro, como se estivesse lotado nesta rua provinciana. Com um olhar cuidadoso nas linhas de suas paredes, torna-se óbvio que eles estão longe de ser iguais. Cézanne não persegue a clareza das linhas, pelo contrário, ele deliberadamente os distorce, assim como a luz do sol que ilumina as superfícies de forma desigual, dependendo de sua textura e proximidade com outros objetos.
Paul Cézanne escreve apenas o que vê, sem enobrecer os arredores, como o artista "certo" deve fazer. Já aqui se manifesta a atração do artista por formas monumentais simples, que se tornará uma marca registrada do estilo individual do mestre. Sob o patrocínio de Camille Pissarro, Cézanne, em 1874, participa da primeira exposição dos impressionistas. Novamente, seu trabalho é ridicularizado, Contudo, O trabalho dele, "A Casa do Enforcado" é comprada por um grande colecionador, que inspira esperança no artista, atormentado por mal-entendidos.
A difícil vida de Cézanne é bem lida no autorretrato escrito em 1875 (Musee d'Orsay, Paris). Nele vemos um artista visivelmente careca com um olhar curioso e incrédulo. Paul Cézanne intuitivamente buscou seu caminho na arte, que ele caminhou sozinho, sem encontrar aprovação ou fama. As obras do mestre permaneceram incompreensíveis, e ele próprio sofria de falta de demanda. Apenas a obstinação natural e a obstinação ajudaram o artista a seguir em frente, mas o ridículo e a solidão constantes às vezes o faziam duvidar de sua própria visão da arte. Isso causou desconfiança de si mesmo e dos outros, que é visível no olhar do pintor.
Na obra “Love Struggle” (Bacanal, 1875, Coleção de A. Harriman, Nova york), a artista se volta para um tema mitológico que permite uma imagem livre do layout no espaço de corpos nus se entrelaçando. A tela expressiva dá a impressão de um estudo pela elaboração sublinhada das próprias figuras.
Toda uma série de métodos de composição agrava a impressão um pouco opressora de uma luta feroz de amantes do companheiro ferozmente e apaixonados:as árvores pendem ameaçadoramente, o horizonte baixo enfatiza o vasto céu, como se pressionasse heróis, até mesmo nuvens rodopiantes com contornos invulgarmente definidos parecem agressivos. A pintura é baseada no princípio da paisagem teatral:falésias com árvores crescendo servem de bastidores. A falta de profundidade na tela, apenas enfatiza esse efeito.
Uma importante reunião para Cézanne ocorreu em 1875, quando Auguste Renoir o apresentou ao ávido colecionador Viktor Choquet, que comprou uma das pinturas do artista. A partir desse momento, sua longa amizade começou. Em 1877, o pintor cria o “Retrato de Victor Choquet Sentado” (Galeria de Belas Artes, Colombo), em que vemos um amigo do artista sentado em uma magnífica poltrona da época de Luís XVI, em um ambiente familiar descontraído.
Nas paredes são visíveis obras de arte que fazem parte da coleção Choquet. Verdade, eles não estão incluídos no "quadro" como um todo, mas são dados em fragmentos ou apenas indicados por molduras douradas. O artista não procura reproduzir cuidadosamente a decoração da sala ou transmitir com precisão fotográfica as características do herói. Ele cria uma imagem generalizada de um colecionador como uma pessoa atenciosa e atenciosa que pode apreciar intuitivamente o valor artístico de uma obra. A figura alta de Viktor Shoke parece um tanto cômica em uma velha cadeira baixa, a borda superior da tela corta seus cabelos grisalhos, e as pernas da modelo e as pernas da cadeira são pintadas quase perto da borda inferior da tela. Isso dá a impressão de que o colecionador está intimamente dentro da estrutura designada da imagem.
Um dos muitos retratos de Hortense - “Madame Cézanne na cadeira vermelha” (1877, Museu bela-Artes, Boston), que, aliás, ainda não se tornou a esposa oficial do artista, é extraordinariamente espetacular em seu esquema de cores. O estofamento vermelho da cadeira contrasta com as cores verde-oliva e azul das roupas de Hortense e da parede atrás dela, e também distingue perfeitamente a figura da heroína. A obra impressiona pela proximidade máxima da jovem ao espectador. A borda superior da tela corta parte de seu penteado, e a parte inferior - a bainha de sua saia. O parceiro de vida de Cézanne olha para o lado, e suas mãos com dedos cruzados constroem uma barreira psicológica entre a modelo e o observador.
Vemos uma transmissão muito generalizada das características locais na paisagem “Montanhas na Provença Francesa” (1878, Museu Nacional do País de Gales, Cardiff). Cézanne desmonta mentalmente os objetos nas formas individuais que os compõem, e então constrói sua própria realidade a partir deles. Essa técnica continuará sendo uma característica dos construtivistas.
Ainda mais “construtivas” são as obras de “Casas na Provença perto de Estacus” (1879, Galeria Nacional, Washington), “Mount Saint Victoria” (1886, Galeria Nacional, Washington) e “House in Provence” (1885, Museu de Arte Herron, Indianápolis). Pedras, Colinas, paredes de habitações aparecem diante de nós na forma de formas generalizadas, passando pelo prisma da visão analítica de Cézanne, que corta tudo o que for supérfluo deles, deixando apenas a essência. Todos os contornos de montanhas e campos na tela "Montanhas na Provença" (1886-1890, Tate Gallery, Londres) são enfatizados como corretos e geométricos.
O artista está trabalhando ativamente, mas o Salon ainda rejeita suas obras. Cézanne é novamente ridicularizado na terceira exposição impressionista. Verdade, há um conhecedor da arte do artista, comprando regularmente seu trabalho - um jovem funcionário mesquinho trabalhando na bolsa, chamado Paul Gauguin.
Tendo passado por uma carreira sólida, Paul Cézanne nunca se tornou um impressionista. Seu fascínio pela transmissão impressionista da imagem da natureza e do ambiente ar-luz foi substituído por uma compreensão da necessidade de um ordenamento especulativo da realidade circundante. Não bastava o artista ver e reproduzir, ele precisava ver e transmitir a estrutura oculta do mundo.
Altos e baixos da vida
Em 1886, uma série de eventos ocorreram na vida pessoal do pintor. Em primeiro lugar, Cézanne, quase contra sua vontade (já que ele era muito apaixonado pela jovem empregada na casa de seu pai), era casado com Hortense, quem, por insistência de seus familiares, mudou-se para a propriedade Cézanne na Provença. Por esta hora, o filho do artista Paulo já tinha quatorze anos. Em segundo lugar, um amigo de sua juventude, Cézanne, um conhecido escritor Emil Zola, publica o romance "Criatividade", em que o artista prototipou o personagem principal. O romance demonstrou perfeitamente a atitude de Zola para com o próprio Cézanne e sua arte, acabando com a vida do herói pelo suicídio. O pintor interpretou esse gesto como um anúncio em voz alta de que um velho amigo não acredita no próprio artista ou em sua arte. Assim terminou a amizade entre os dois gênios da época - um grande escritor e um grande artista. Em terceiro lugar, o pai tirânico do pintor morreu, deixando-lhe um legado sólido.
Dois anos depois, Cézanne cria um maravilhoso retrato duplo de seu filho Paul, vestido com uma fantasia de arlequim, e seu amigo, vestido com uma fantasia de Pierrot. A pintura “Pierrot e Arlequim” (1888, A. Museu Estadual de Belas Artes Pushkin, Moscou) retrata uma cena do festival de carnaval Maslenitsa, que ocorre um pouco antes da postagem (em conexão com o qual o segundo nome da pintura é "Mardigra", que é a "semana da panqueca"). Na tela, o pai admira abertamente o filho. Vemos o magnificamente arrogante e bonito Paul, quem sai das asas, olhando para o visualizador. Neste contexto, o Pierrot separado, dobrado em uma posição bastante ridícula, parece uma página prestativa.
A pedido da Hortense, em 1888, os Cezannes mudaram-se para Paris. Um ano depois, o quadro do pintor "O Enforcado", devido à projeção do colecionador Viktor Shoke, foi apresentado na Exposição Mundial. Mas a obra passou despercebida do público, porque foi colocado muito alto.
Mais uma vez, as obras de Cézanne não foram vistas e não quis ver, e seu talento novamente permaneceu sem reconhecimento. O pintor já estava na casa dos sessenta, problemas de saúde o forçaram a mudar constantemente de local de residência, mas ele continuou a pintar e até realizou seu sonho de juventude - ele criou seu próprio trabalho no espírito da obra “Jogadores de cartas” de Louis Lenin, o que o impressionou muito ainda na juventude.
A pintura "Jogadores de cartas" (1892, Museu Metropolitano de Arte, Nova York) é uma obra de gênero que retrata três jovens em seu passatempo favorito. A figura do observador no fundo é cortada nos ombros pela borda superior da imagem, graças a ela, no plano de composição, a tela parece incompleta. Esforçando-se por uma expressão clara e concisa da ideia, Cézanne escreveu várias versões desta obra. A versão final da tela de mesmo nome, criado na mesma época, impressiona com integridade, concisão e simetria, a fim de superar a influência excessiva de que, Cézanne corta as costas do jogador certo.
Os centros de composição e semântica da imagem coincidem - são as mãos de dois homens sentados que parecem emoldurar uma orgulhosa garrafa de vinho. A obra é privada do gênero estrito que é inerente à versão anterior. Não há nada supérfluo, tudo é muito rígido e extremamente expressivo. Os jogadores estão completamente absortos em sua busca, o tempo parece ter parado para eles, o mundo inteiro está concentrado em duas figuras inclinadas uma para a outra. Aqui e agora, no layout dos cartões, o mais importante é concluído, o jogo para eles se torna uma espécie de trabalho sagrado, graças ao qual a própria imagem adquire um certo significado sagrado. Talvez a garrafa de vinho na toalha de mesa vermelha tenha o significado simbólico tradicional de sangue e expiação.
O retrato “O cara do colete vermelho” (1888-1890, Museu de Arte Moderna, Nova York) é particularmente expressivo graças ao uso magistral da cor. A combinação solene das cores vermelho e branco é reforçada pela abundância de preto, o que torna o perfil do herói da tela extremamente claro e contrastante. Cézanne não evita o preto, como muitos impressionistas, mas, pelo contrário, o introduz na imagem como um elemento formador de forma. O cabelo do jovem se funde com o fundo da cortina preta, esta técnica, o mestre como se "instilasse" o modelo no espaço da tela, ao mesmo tempo dando-lhe um certo som trágico. A imagem da pessoa retratada é completa e completa, mesmo apesar do fato de que a imagem não contém detalhes - nem uma designação de tempo ou lugar, nem um indício do tipo de atividade do jovem de colete vermelho.
Composições de assuntos e paisagens
Todas as naturezas mortas de Paul Cézanne são reconhecíveis:com o conjunto mínimo de objetos mais simples (várias frutas, vasos de porcelana, pratos e xícaras), Cortinas deliberadamente descuidadas com dobras e numerosas dobras sobre a mesa conferem à composição uma expressividade decorativa e única.
A pintura "Natureza-Morta com Açucareiro" (por volta de 1888-1890, o Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo) é uma das obras mais famosas de Cézanne. Aqui, o pintor recusa uma perspectiva linear; não vemos um ponto de fuga comum na tela.
Vemos uma mesa retangular com uma cortina branca casualmente jogada sobre ela, forrado com pratos de porcelana e frutas, de dois pontos de vista ao mesmo tempo:do topo e da frente, o que é impossível para a arte tradicional, que, desde a Renascença, trabalhou na transferência correta da tela tridimensional no espaço plano bidimensional.
Paul Cézanne constrói sua natureza-morta contrariando a principal lei da pintura - a perspectiva. Devido à construção incorreta do espaço e distorção da perspectiva, torna-se impossível determinar a distância da parede à mesa, ou para as pernas de madeira esculpidas que são visíveis ao fundo, pelo visto, o jardinier. A relação entre os planos paralelos e perpendiculares das paredes, tabela, chão e gavetas também se tornam implícitos. O espaço privado de profundidade e perspectiva, construído com relativa observância da geometria, faz uma natureza morta semelhante à pintura religiosa, cujo estilo foi criado e aprovado antes da perspectiva, e frequentemente o ignorava.
Cézanne cria seu próprio sistema de coordenadas no qual cada objeto ganha autossuficiência e por si só pode ser um "modelo" para o artista. "Extra", à primeira vista, a seção das pernas do jardineiro foi introduzida por uma razão:esta parte em particular, em primeiro lugar, “Segura” toda a composição no canto superior direito da tela e, em segundo lugar, serve como um poderoso acento colorístico no fundo geral de cores frias da parte superior da imagem, seus tons acastanhados ressoam harmoniosamente com um tampo de mesa marrom e tons quentes de frutas maduras. Não é por acaso que o artista livremente compõe objetos no plano da mesa sem uni-los em grupos - se removermos mentalmente algum deles, a integridade da composição não será quebrada.
As mesmas características também são características de Natureza-Morta com Maçãs e Laranjas (1895, Museum d'Orsay, Paris), Natureza-Morta com Drapery (1899, Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo) e Natureza-Morta com Berinjelas (1893-1894, Museu Metropolitano de Arte, Nova york). No primeiro trabalho, o papel dos tecidos que formam o espaço com suas dobras pitorescas é especialmente óbvio. São tecidos luxuosos que preenchem toda a superfície da tela. Eles tornam a perspectiva desnecessária, na ausência do sistema de coordenadas usual, o espaço perde a tridimensionalidade. Um caótico, à primeira vista, pilha de dobras esconde os móveis e instalações. Não está totalmente claro em que objetos estão. Graças a este efeito, cria a impressão de decoração enfatizada, e até mesmo teatralidade, interpretação planar ainda mais aprimorada do espaço.
Nesta natureza morta, o mestre trabalha com cores de maneira extremamente expressiva. Tecidos orientais brilhantes que lembram as cortinas exóticas do grande romântico das pinturas de Eugene Delacroix, um ídolo para Cézanne, criar o pano de fundo para uma jogada descuidada, pano branco manchado e vaso de porcelana. A atenção do espectador é primeiro atraída para este deslumbrante, local com design complexo, de modo a, desfrutando da transferência magistral do tecido, em seguida, concentre-se nas frutas brilhantes, como se brilhasse sobre um fundo branco. É a cor branca que organiza habilmente toda a composição. Ele não permite que o olho se perca na flor da festa e vagueie pela tela, introduzindo rigor na decisão colorística e “recolhendo” a composição para o centro.
Com a ajuda da cor, a unidade da composição é alcançada em Natureza-Morta com Berinjela. Graças à gama fria azul-lilás, a tela parece surpreendentemente perfeita, enquanto tem um contraste brilhante na forma de maçãs laranja-avermelhadas. A tonalidade geral do trabalho se suaviza, como se fosse um arranjo aleatório de objetos em uma natureza morta. Se não fosse pela cor, os vasos de cerâmica, o prato e a garrafa muito próximos um do outro, eles teriam parecido um monte absurdo de coisas aleatórias.
Uma das evidências de depressão interna para artistas pode ser servida como Still Life with Skulls (1898-1900, coleção privada). Obras semelhantes surgiram no mundo art pelos holandeses e pertenceram às obras de “vanitas” (“vaidade das vaidades”), simbolizando a transitoriedade de tudo que é terreno. Restos mortais dobrados são mostrados em close e ocupam a maior parte da superfície da tela. A ausência de outros objetos na imagem e órbitas oculares vazias, capturando os olhos do visualizador, dar origem a associações blasfemas com o retrato, e não com natureza morta.
Embora Cézanne fosse o principal herdeiro de seu pai, sua propriedade favorita em Aix foi vendida por seus parentes sem seu conhecimento. Também, os pertences pessoais de Cézanne, o mais velho, e até mesmo os móveis que o artista lembrava da infância, foram destruídos.
Frustrado com a perda de sua casa natal, o pintor decide adquirir uma mansão com o nome sombrio Black Castle. Apesar de essa intenção nunca ter se concretizado, Cézanne dedica várias de suas paisagens a este lugar - “Floresta nas Cavernas Rochosas acima do Castelo Negro” (1900-1904, Galeria Nacional, Londres), bem como "Mill on the River" (1900-1906, Marlborough Art Gallery, Londres). Neles, o artista, como antes, decompõe todos os formulários em partes componentes, mas vai além - em geral, o estilo das obras não está mais próximo do pós-impressionismo, mas já à abstração.
O Monte Victoria se tornou o destino favorito de Paul Cézanne para criar suas paisagens. Ele admirava sua beleza magnífica em sua juventude. No final do período de criatividade, o mestre pintou repetidamente vistas desta montanha, transmitindo sua beleza em diferentes condições atmosféricas e com iluminação diferenciada.
No final de sua vida, Cézanne concebeu uma composição de grande formato com várias figuras de banhistas nus no seio da natureza. A artista sempre sonhou em escrever esta tela e várias de suas opções foram criadas em diferentes momentos. Devido à timidez natural e à falta de fundos, Cézanne nunca usou os serviços de modelos. Portanto, para criar sua própria composição de vários corpos femininos nus, he even asked one of his friend to get photographs of the female nude. Perhaps this explains some angularity of all the figures created by the artist without relying on nature.
The painter worked a lot and hard on the painting “Big Bathers” (circa 1906, the Art Museum, Philadelphia), carefully considering the layout of the nudes in space, meticulously reconciling the rhythm of body lines and outstretched arms, que, together with inclined tree trunks, form a harmonious semicircle. The work was to become a masterpiece, a kind of apogee of Cezanne’s creativity. The artist hoped to find himself through the harmony of the "roundness of the female chest and shoulders of the hills." Infelizmente, we will never know what kind of artist the artist would like to see in the end, since death interrupted his work.
World fame coming too late
Paul Cezanne was a loner, he followed his unbeaten path, almost misunderstood and ridiculed by too many. The artist did not want a simple reproduction of nature, he sought to know its inner essence and convey this fundamental structure on the plane of the canvas. The master’s work anticipated the art of cubism and abstraction, depicting reality refracted by the consciousness of a particular person. Cezanne discovered the world "new art", completely constructed in his mind, and therefore deeply original and individual.
Only at the end of life, recognition gradually began to come to the artist. In the late 1880s, a Parisian art dealer Ambroise Vollard became interested in the work of Cezanne. At first he studied the work of the master, looked closely at them, was interested in the opinions of other artists. After much deliberation, Vollard decides to track down Cezanne to organize his first solo exhibition.
The exhibition, which opened in 1895, covered all periods of the painter’s work, showing the evolution of his creative vision and revealing to everyone the unknown Cezanne. Those who came to support the artist Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir and Camille Pissarro were amazed. Monet and Degas immediately bought several works of an old friend, and the Parisian public was already ready to accept the art of Cezanne.
After the first exhibition, the second followed. Vollard, although inexpensively, but stably bought the artist’s work. Two of his paintings were acquired by the National Gallery of Berlin. Mas, only in 1900, the painter finally won recognition at home, in Aix, putting an end to bullying and ridicule.
Gradually, thanks to his participation in the Paris International Exhibition, and other events dedicated to art, Cezanne became famous throughout the world, the name of the artist turned into a legend. Contudo, Infelizmente, this well-deserved recognition came to the painter very late. 22 de outubro 1906 Paul Cezanne died. Only after the death of the artist, his paintings truly found their audience.
