Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610)

p Michelangelo Merisi da Caravaggio nasceu em 28 de setembro, 1571 em uma pequena vila perto de Bergamo, com o nome do qual ele recebeu seu nome permanecendo na história da arte mundial - Caravaggio. A data de nascimento do grande artista só ficou conhecida graças ao contrato remanescente para sua formação, concluído pelos pais do futuro artista com a então famosa pintora Simone Peterzano. O documento, datado de 1584, afirma que no momento de sua conclusão, Michelangelo Merisi tinha 13 anos. Peterzano foi aluno do grande Ticiano e viveu em Milão, onde a carreira criativa de Caravaggio começou.

O início do caminho criativo

p A mãe de Michelangelo, Lucia Aratori, foi a segunda esposa do arquiteto e decorador Fermo Merisi, que serviu com Francesco I Sforza, que carregava o título de Marquês da Caravaggio. No total, a família tinha cinco filhos. Os primeiros anos da vida de Michelangelo se passaram em Milão, de onde a família fugiu de volta para Bergamo, fugindo da praga. Verdade, a epidemia não poupou o pai e o tio do futuro artista, cuja família inteira permaneceu sob os cuidados de sua mãe, que estava em grande necessidade.

p Entrando na oficina de Simone Peterzano em 1584, Michelangelo assina contrato com o duque de Colonna, herdeiro do marquês de Caravaggio, falecido em 1583. A coluna, que decidiu comprar todas as obras do jovem pintor, assim que ele entrou na oficina de Peterzano, tornou-se o fiel patrono de Caravaggio por toda a vida.

p O chefe da Igreja Católica, que foi um dos maiores clientes de pinturas, foi o Papa Sisto V, que favoreciam novas tendências em arte, que apenas começava a surgir na Lombardia. Neste momento, o Ducado de Milão, sob o domínio espanhol, tornou-se o centro de uma doutrina artística e religiosa rigorosa. Em particular, a arte da Europa e da Itália estava sob o domínio do maneirismo, mas em paralelo com ele havia o academismo Bolonha-Romano, limitado à imitação dos grandes pintores venezianos e romanos. Na Lombardia, por outro lado, os artistas começaram a se afastar do maneirismo e se concentrar em uma reflexão realista da vida. Essa tendência teve grande influência na formação do estilo criativo de Michelangelo Merisi.

p Infelizmente, sabemos pouco sobre as atividades da oficina de Milão Simone Peterzano durante o período em que Caravaggio esteve lá. Giovanni Paolo Lomazzo escreveu em 1584 que Peterzano se alegrou com a grande demanda, que gostava consistentemente de suas obras, feito "com elegância e facilidade." Se você olhar seus afrescos na igreja de Garegnano, perto de Milão, ou em suas telas como “Vênus” ou “Cupido e Dois Sátiros” (Coleção Corsini, Nova york), você pode ver uma clara influência do maneirismo, misturado com o novo realismo Lombard.

p Nas primeiras obras de Caravaggio, pode-se ver claramente a influência do estilo Peterzano, embora a continuidade no que diz respeito às pinturas dos grandes mestres do Renascimento, como Ticiano, Giorgione, Giovanni Bellini ou Leonardo da Vinci, também é evidente. O trabalho deste último, ou seja, "Madonna in the Rocks", Caravaggio, claro, visto na igreja de San Francesco Grande, Milan. Também, de volta a Bergamo, o artista admirou a pintura de Lorenzo Lotto, que se destacou por sua tensão emocional especial.

p A historiadora da arte Mina Gregory prova de forma convincente que a jovem artista estudou cuidadosamente as obras de Andrea Mantegna, que demonstra claramente o único afresco pintado por Caravaggio, sem dúvida pintado sob a influência do estilo de pintura deste magnífico mestre da perspectiva. Caravaggio também esteve em Mântua, onde examinou as obras monumentais de Giulio Romane.

p Enquanto isso, Em milão, uma verdadeira escola foi formada, que caiu sob a influência do jeito pitoresco dos irmãos Campi. Iniciar, jovens artistas desenvolveram os temas de suas obras, focando principalmente na vida real, de onde se inspiraram. A pintura deste grupo criativo incorporou todas as inovações nas artes plásticas da época.

p Para descobrir o efeito do claro-escuro, Caravaggio pode ter sido ajudado pelo trabalho do mestre da Alta Renascença Giovanni Girolamo Savoldo, a quem o jovem pintor admirava. Em seguida, ele criou um retrato da famosa artista Sofonisba Anguissola, que conhecia o grande Michelangelo em sua juventude. Sofonisba criou cenas de gênero tiradas da vida cotidiana. Podemos ver em um de seus desenhos, criado por carvão e giz, uma imagem de seu filho pequeno, cujo câncer foi mordido por um dedo. Foi esse desenho que levou o jovem Caravaggio a trama de sua primeira pintura, que ele pintou imediatamente após chegar a Roma.

p Infelizmente, só podemos falar hipoteticamente sobre a formação criativa de Caravaggio. De acordo com o historiador de arte Berenson, Giorgione foi fundamental para o desenvolvimento do estilo de Caravaggio. A influência da escola Lombard também é lida com clareza. Roberto Longy escreve:“Por muito tempo em Milão, um grupo de artistas que vieram da Lombardia foi reverenciado que criou uma arte democrática simples ... Em suas pinturas havia muito sentimento humano, luz interior e nenhum êxtase religioso; decisão colorística, os efeitos em preto e branco eram coordenados entre si e verificados com a natureza. Era uma arte realista que buscava retratar de maneira simples e verdadeira a natureza e o homem. ”

p Peterzano, que foi um professor muito progressista para a sua época, também desempenhou um papel significativo na formação do estilo artístico de Caravaggio. Em treinamento, ele se concentrou na técnica de pintura, sem o qual é impossível atingir as alturas da excelência.

p Quase não completando 18 anos, Caravaggio, cheio de desejo de trabalhar de forma independente, mudou-se para Roma. A rota de sua jornada é desconhecida, podemos apenas supor que ao longo do caminho ele viu muitas das obras de grandes mestres. Em Roma, o prelado Pandolfo Pucci dá abrigo a um jovem. As primeiras obras de Caravaggio têm um enredo simples:“A Boy Bitten by a Lizard” (1594, Galeria Nacional, Londres), “Um jovem com uma cesta de frutas” (1593, Galeria Borghese, Roma), “Um menino limpando uma pera” (1593).

p O primeiro autorretrato de Caravaggio é considerado a pintura "Músicos" (1595, Museu Metropolitano de Arte, Nova york), em que o artista se retrata junto com outros dois jovens músicos e o Cupido ao fundo. Muitos historiadores da arte consideram a imagem de Amur uma espécie de símbolo homoerótico, indicando a tendência de Caravaggio para a homossexualidade. Breve, o pintor fica gravemente doente, mas se recupera milagrosamente e, quase imediatamente, pinta a pintura "Little Sick Bacchus" (1953, Galeria Borghese, Roma), que é seu segundo autorretrato.

p Caravaggio é patrocinado pelo poderoso Cardeal del Monte, para quem o artista cria uma série de pinturas religiosas. Na pintura "Penitente Madalena" (1595-1597, Galeria Doria Pamphili, Roma) vemos a primeira imagem feminina criada pela artista. No mesmo período, o pintor cria seu segundo "Baco" (1596, Galeria Uffizi, Florença), desta vez cheio de saúde. Breve, Caravaggio provoca seu primeiro, mas longe de ser o último, choque com a justiça.

p Mas por que o jovem artista escolheu Roma? Os biógrafos de Caravaggio concordam que a escolha da capital cultural da Itália, e, portanto, o mundo inteiro, foi devido às ambições extraordinárias de Caravaggio, que sonhava em se tornar o maior artista de todos os tempos. É porque ele violou a lei muitas vezes porque ele acreditava que ele - dotado de Deus mais do que aqueles ao seu redor - tinha permissão para tudo?

p Roma naquela época realmente floresceu. A construção da Basílica de São Pedro, que naqueles anos era a maior estrutura arquitetônica de todo o mundo, acaba de ser concluído. Grandes basílicas foram erguidas, como San Giovanni Laterano, Santa Maria Maggiore, o porto de Ripetta no Tibre foi aberto, que realmente se tornou a porta de entrada para o mundo. O Papa Sisto V convidou todos os pintores talentosos da península para virem a Roma, e muitos, incluindo lombardos, seguiu este apelo. Tudo isso pretendia transmitir a todo o mundo o triunfo do Cristianismo.

p Gosto muito da vida de Caravaggio, não sabemos a data exata de sua chegada a Roma. Talvez tenha sido 1591 ou 1592. Há muitas evidências de que o artista chegou à Cidade Eterna sob o papa Clemente VIII.

p O jovem artista que chegou a Roma provavelmente trazia consigo várias telas pintadas em Milão. Mas isso funciona, com sua interpretação realista dos personagens e enredos, dificilmente poderia despertar o interesse do público local, cujos gostos determinaram o maneirismo e o classicismo. Grande amor em Roma desfrutou de cópias das obras de Michelangelo e Rafael. É significativo que pintores que eram muito populares naquela época, como Agnesti, Siolante, Taddeo Zuccaro, Salviate, Rafaelino da Reggio, Cesars Nebbia ou Giuseppe Cerzi, deixou apenas um pequeno vestígio na história mundial da arte.

p O historiador da arte Callab escreve:“Jovens artistas que chegaram a Roma no final do século XVI, não apenas tiveram que se limitar a uma imitação mansa de pinturas de antigos mestres, mas também herdam seu idealismo, timidez artística, e medo de abandonar uma forma de representação de superfície vazia. Na pintura, esses artistas se contentavam apenas com a semelhança externa. "Para sobreviver de alguma forma, foram obrigados a se submeter aos gostos do público e a se dedicar apenas à decoração da vida. Um exemplo é o trabalho de Annibale Carracci, que veio para Roma de Bolonha. Ele foi contratado para decorar a galeria do Palazzo Farnese. Já em processo de trabalho na implementação de seu plano criativo, ele encontrou grandes dificuldades e desconfiança dos clientes e do público.

p A mesma coisa aconteceu com Caravaggio. Ele se aninhava nos bairros pobres da cidade, no mesmo lugar que muitos outros imigrantes da Lombardia, os mesmos artistas desempregados, escultores e pedreiros que tentaram sobreviver na expectativa de ordens. Breve, o pintor conseguiu entrar ao serviço de Lorenzo Siciliano, no estúdio em que conheceu seus conterrâneos, os irmãos Longo.

p Durante este período, Caravaggio e seus camaradas passavam seus dias no trabalho, explorar o campo e se divertir. Os pesquisadores em vão procuraram as obras do artista desse período. Talvez ele tenha escrito algo para si mesmo, mas, obviamente, essas pinturas não encontraram compradores.

p E ainda, Caravaggio sorriu para a sorte na pessoa de um filantropo rico, um homem de bom gosto artístico, mas com uma reputação duvidosa, prelado da corte papal, Monsenhor Pandolfo Pucci. Ele era o irmão de um cardeal, quem, a propósito, também cuidou do “tímido” Benvenuto Cellini.

p O prelado ficou fascinado com a destreza, talento do jovem artista e sua inflexível, personagem explosivo. Pucci convidou Caravaggio para sua casa, garantindo sua existência. O artista, para a parte dele, em agradecimento pela gentileza do prelado, teve que fazer o trabalho para ele de copiar as melhores pinturas religiosas piedosas. Monsenhor Pucci enviou todas as suas obras ao Mosteiro dos Capuchinhos de Recanati, no qual ele nasceu e passou os primeiros anos de sua vida. Nem uma única obra desta série chegou até nós.

Estilo e Temas

p Com muito tempo livre e total liberdade criativa, Caravaggio poderia escolher qualquer enredo para suas obras e meditar sobre eles por muito tempo. Agora sabemos com certeza que a pintura do artista "Um menino mordido por um lagarto" (por volta de 1954, A galeria nacional, Londres e, segunda opçao, Fundação Longy em Florença) foi criada durante sua estada com Monsenhor Pucci. O quadro era uma espécie de reminiscência do conhecido desenho a carvão de Sofonisba Anguissola. O jovem na tela é retratado no momento em que o lagarto o morde, e ele afasta a mão com medo. Pela primeira vez na pintura, um momento de movimento foi arrancado e registrado.

p De acordo com Berenson, neste trabalho de Caravaggio há uma "necessidade universal de inovação, "um desejo de destruir as convenções. Talvez uma alegoria também esteja se escondendo aqui:os ombros nus do menino e uma flor atrás da orelha, indicam que o jovem pertence às classes baixas romanas - o mundo das prostitutas e ladrões, que Caravaggio associou à dor física e ao sofrimento que necessariamente acompanha o amor. Ao longo da carreira do artista, as imagens de sofrimento físico estavam inextricavelmente ligadas ao sofrimento espiritual e mental.

p Caravaggio também escreveu seu famoso “Lute Player” durante sua estada com Pucci. Agora a foto está no Hermitage, em São Petersburgo. A imagem de um músico é bem típica dos modelos escolhidos pelo artista. Existe outra versão da tela, está armazenado no Metropolitan Museum of Art, Em Nova Iórque. Nele vemos o mesmo menino brincando, mas não vemos flores ou frutos próximos a ele.

p É incrível a meticulosidade com que o artista escreve instrumentos musicais. O rosto sonhador do tocador de alaúde, o langor em seu olhar, tudo sugere que o jovem é levado pela imaginação para seu mundo interior profundo. Você pode ler uma inscrição intrigante na partitura na imagem do Hermitage:“Voi sapete chio vato” (“Você Sabe que Eu Te Amo”). Eu me pergunto quem enviou este reconhecimento? Na imagem “Músicos”, o primeiro plano também mostra uma partitura desdobrada para o público, que é segurado por um cantor seminu. Mas aqui a inscrição feita por sua mão, até agora ninguém conseguiu ler.

p O fato de todas as obras desse período, Caravaggio foi inspirado apenas por homens jovens (as imagens femininas estão ausentes), também sugere a orientação não convencional do artista. A primeira imagem feminina em sua obra foi a pintura "Penitente Madalena", pintado por volta de 1596.

p Não se sabe por que Caravaggio deixou a casa de Monsenhor Pucci. Talvez o prelado tivesse um temperamento muito pesado. O artista reaparece nas ruas romanas, privado de um meio de subsistência. Felizmente, o velho amigo do pintor, que trabalhou com ele na oficina de Lorenzo Siciliano - o artista plástico Antiveduto Gramatica, abrigou o Caravaggio sem-teto e empobrecido. Grammar teve algum sucesso com o público, por isso foi fornecido com pedidos regulares.

p Mas infortúnios assombraram o pobre Caravaggio, ele adoeceu com febre romana, que era galopante em toda a península. Um amigo do artista Longo levou-o ao hospital conventual de Santa Maria della Consolation, para onde trouxeram aqueles que não tinham meios para pagar o tratamento. Lá, Caravaggio foi colocado no porão, que foi considerado um corredor da morte.

p Quase por acidente, o artista chamou a atenção do prior do hospital, Señor Conteras espanhol, um bom amigo de Monsenhor Pucci, que passou e reconheceu Caravaggio. Conteras pediu para transferir o pintor com doença terminal para outra sala e ordenou que não deixasse as enfermeiras. Só isso salvou a vida do artista.

p Mas os temas de morte e doença, daqui em diante, como um eco distante da experiência, pode ser visto em muitas de suas telas, por exemplo, na Assunção de Maria. Em gratidão por sua salvação, Caravaggio pintou para pinturas de Contares, mas, Infelizmente, elas, como muitos de seus outros trabalhos, não chegaram aos nossos dias.

p Seis meses no hospital, dor e medo, doenças concomitantes deixaram uma marca profunda na alma do artista. Foi então que Caravaggio criou uma de suas obras mais famosas, "Baco doente." A figura de Baco é mostrada em imagem espelhada:um inchado, rosto pálido e olhos opacos indicam o estado grave do próprio artista após a doença. Em “Sick Bacchus” vemos um deus que não é mais capaz de desfrutar das delícias da vida, Aproveite.

p A pintura foi pintada na oficina de um dos mais famosos pintores de Roma, cavaleiro Cesare d'Arpino, que abrigou Caravaggio em sua casa. Cesare d'Arpino não era muito mais velho do que o próprio Caravaggio, mas já era conhecido como o favorito da alta sociedade e até mesmo adotado na corte papal. Pertencente a uma das associações de arte mais populares da capital italiana - a Academy of the Reckless (que também incluía poetas como Batista Laura, futuro papa Urbano XVII e Torquato Tasso), d'Arpino preferia o divino ao racional. Em gratidão pelo abrigo, Caravaggio teve que carregar guirlandas de folhas e flores para os afrescos de Cesare d'Arpino. Nesta ocasião, um contrato foi até assinado. Murais de contemporâneos de Caravaggio reconhecidos como perfeitos.

p Na casa de Cesare d'Arpino Caravaggio conheceu muitos dos filantropos ricos de Roma:cardeais, comerciantes, embaixadores, bem como artistas famosos que gozam de boa reputação:Van Dyck, Jan Brueghel e, possivelmente, Rubens. Entre eles estava Valentine, que recentemente chamou a atenção de um jovem artista francês. Supõe-se que, posteriormente, Valentin retirou-se secretamente da oficina de Cesare d'Arpino e vendeu várias obras de Caravaggio.

p Naquela época, o pintor criou outra obra-prima de sua autoria - “O jovem com uma cesta de frutas”, que o Papa Paulo V. mais tarde apresentou a seu sobrinho Shipione Borghese. Ambas as pinturas (esta e "Baco doente") estavam na oficina do cavaleiro Cesare d'Arpino 1607 anos. Então, foram confiscados pelos agentes do Papa Paulo V, que ascendeu ao trono após o Papa Clemente VIII, no reembolso de dívidas.

p Não tendo renda permanente, Caravaggio pediu ajuda a Valentin, e ele me aconselhou a escrever pinturas religiosas. De fato, a demanda por pinturas de igrejas era enorme. Caravaggio aceitou a oferta, ele recebeu tintas e pincéis, mas depois de um tempo trouxe ao agente trabalho não religioso em seu segundo “Baco”.

p Nesta tela, vemos o antigo deus na forma de um jovem de pele grossa e cheio de saúde, com características para muitos dos personagens do artista um pouco pesadas por séculos. A cabeça de Baco é decorada com uma coroa de vinhas tradicional, em sua mão está uma taça de vinho, e na mesa vemos uma garrafa meio vazia. Mas existem outras nuances - folhas ligeiramente murchas em uma coroa de flores, frutas estragadas e estragadas, que fazem um espectador atento pensar.

p O biógrafo Caravaggio Giovanni Ballone escreverá:“Baco com vários ramos de uvas pintados em cores diferentes é escrito com muito cuidado, bem como com uma certa aspereza e secura de maneiras; esta pintura vem da época em que Caravaggio tentava viver do seu próprio dinheiro, vendendo suas pinturas. "Em 1916, esta obra foi redescoberta por Roberto Longy, que o descobriu no depósito da Galeria Uffizi.

p O talento extraordinário de Caravaggio foi apreciado com um atraso de 300 anos. Não se sabe ao certo se o cliente aceitou Baco ou a obra nunca foi à venda; em todo o caso, sua implementação não poderia ajudar o mestre a resolver seus problemas materiais. Valentin, que acreditava no enorme talento artístico de Caravaggio, persuadiu o artista a aceitar uma ordem de execução de obra de conteúdo religioso, mas o teimoso, Apesar de tudo, começou a trabalhar em um novo trabalho - ele escreveu The Fortune Teller.

p Na tela, vemos uma cena de rua, ou um dos episódios do teatro folclórico. Valentine pagou Caravaggio por seus 30 táleres! Subseqüentemente, a obra foi doada pelo Príncipe Doria-Pamphili ao rei francês Luís XIV e atualmente está armazenada no Louvre.

p Um exame de raios-X da obra mostrou que sob a imagem da jovem cartomante há uma foto anterior de maneira próxima a Cesare d'Arpino. Talvez Caravaggio simplesmente economizasse dinheiro em telas. A vulgaridade desta cena chocou os contemporâneos da artista, mas foi ela quem mais tarde inspirou outro pintor - o francês Georges de Latour, para criar uma imagem com o mesmo nome e no mesmo lote. Tendo recebido o dinheiro, Caravaggio imediatamente correu para as aventuras, lutas, e brigas, o que forçou a polícia papal a conduzir novamente uma supervisão estrita de sua vida.

p O que aconteceu depois? Como Valentine conseguiu persuadir o artista rebelde a retornar ao caminho correto? Provavelmente, nesta luta com a disposição rebelde de Caravaggio, ele usou o nome de um dos mais ricos colecionadores de arte deste período - o cardeal Francesco Maria del Monte. Finalmente, o pintor concorda em escrever para o cardeal um quadro com tema religioso, que se tornou o primeiro em seu trabalho.

p Verdade, o artista impôs sua condição:liberdade total na escolha do tema. Caravaggio imediatamente se recusou a escrever as cenas tradicionais da crucificação e do martírio. Como um objeto para a imagem, o artista escolheu o tema do êxtase, consoante com sua maneira pictórica e seu temperamento artístico. Ele começa a monumental obra Êxtase de São Francisco. Caravaggio assume decisivamente a criação da tela, estabelecendo-se no porão da casa de Valentine a fim de terminar esta difícil tarefa para ele o mais rápido possível.

p O trabalho deveria ser altamente artístico, obra magistral que poderia abrir as portas de Caravaggio para as coleções dos maiores amantes da arte romana. Ao mesmo tempo, ela o teria tornado famoso e ajudado a ganhar o favor de pessoas ricas e autorizadas. Pesquisadores modernos do trabalho do artista consideram Ecstasy of St. Francis a primeira obra madura de Caravaggio.

O gênio da inovação

p A obra “Êxtase de São Francisco” causou muita polêmica e discussão. O escritor Dominic Fernandez vê nela o nascimento do genuíno barroco. O enredo da imagem se desenrola contra o pano de fundo de uma floresta noturna. No fundo, Caravaggio retratou pastores simples que acenderam uma fogueira. Em sua luz, a figura do santo acompanhante adormecido, Irmão Leon, surge claramente. São Francisco revela estigmas em estado de êxtase místico.

p Ninguém antes de Caravaggio descreveu uma cena de êxtase religioso como esta:um santo jaz nos braços de um anjo, cuja imagem está incorporada na forma de um jovem sedutor, lembra fortemente os modelos favoritos do pintor. A figura de um anjo, apesar das asas atrás dele, não sobe, mas, por assim dizer, caindo no chão. Tentando encontrar novos meios expressivos e expressivos, o artista potencializa o jogo de luz e resolve toda a composição como uma reencenação teatral, tentando desta forma alcançar não apenas um efeito artístico significativo, mas também mais persuasão.

p O Êxtase de São Francisco fez seu trabalho - lançou as bases para a fama de Caravaggio como pintor religioso. Seguiram-se outras obras monumentais do artista, como A conversão de Saul da Igreja de Santa Maria del Pololo. Cardeal del Monte, apreciando a capacidade de inovação do pintor, convida Caravaggio para o Palazzo Madama.

p Francesco Maria del Monte foi o embaixador do duque toscano na corte de Pantifex Maximus. Sua residência estava localizada na Villa Medici. O cardeal era uma pessoa muito educada:sabia hebraico, Grego antigo e outras línguas orientais. Ele era um grande fã de música e pintura, sempre aberto a novas idéias. Graças a isto, Caravaggio causou uma boa impressão nele, e o cardeal deu-lhe liberdade criativa e todo o conteúdo. Morando no palácio de Madama e visto como aluno do cardeal, Caravaggio se tornou um artista famoso e procurado. Verdade, eles não só o admiravam, mas também o odiava.

p Protegido de todas as adversidades, bem provido, e talvez até no amor, o artista começou a se acostumar com uma vida tranquila. Que, Contudo, não afetou a nitidez e nitidez de sua linguagem pictórica, que foi constantemente aprimorado. Ele estava absorvido na busca pelas cenas mais dramáticas, e incorporando suas ideias, ele recorreu a uma riqueza de contrastes, um jogo de luz e sombra, dando às suas pinturas vitalidade e persuasão.

p Enquanto isso, uma mudança de séculos estava se aproximando. O maneirismo como movimento artístico entrou gradualmente em declínio:o Renascimento tornou-se história. Foi a época do Édito de Nantes, que pôs fim às guerras religiosas na Europa. A França e a Itália fizeram uma aliança:Henrique IV casou-se com Maria Medici. Michelangelo Merisi, que agora assumiu o nome de Caravaggio, nessa época tinha 25 anos.

p Sendo um aluno do cardeal, que felizmente adquiriu a maioria de suas obras, o artista podia se render completamente à inspiração - “a fúria do momento”. Ele começou a escrever não apenas religiosos, mas também pinturas de gênero. O "Penitente Madalena" de Caravaggio é surpreendentemente real. A propósito, uma modelo da rua chamada Julia serviu de modelo para o pintor. Dois anos depois, criou o quadro “A Circulação de Madalena”, que se distingue por um estudo ainda mais meticuloso de todos os detalhes.

p Na casa do Cardeal del Monte Caravaggio escreve sua famosa natureza morta "Cesta de Frutas". A cesta pairando sobre a mesa parece extraordinariamente material. Junto com frutas frescas suculentas, o mestre o “encheu” de frutas maduras demais e folhas murchas. Esta tela nunca adornou a coleção de del Monte, o cardeal só mais tarde o descobriu na oficina do senhor Cesare d'Arpino, para o qual o próprio artista deu, como compensação de dívidas. Mais tarde, eles se esqueceram da natureza-morta de Caravaggio. Até recentemente, a “Cesta de Frutas” fazia parte da escola holandesa de pintura. Apenas o estudo científico de 1919 conduzido por Longy comprovou a autoria de Caravaggio.

p Breve, o artista deixou o Palazzo Madama e mudou-se para a casa do Cardeal Maffeo Barberini, que era um dos clientes de Valentin. Influenciado pelo conselho e orientação constantes de seu amigo, Caravaggio novamente se volta para o desenvolvimento de tópicos religiosos, sem perder a fé em suas idéias e princípios. A artista busca situações dramáticas na história e na vida, os fortalece com a teatralidade das soluções composicionais, com contrastes extraordinários de luz e sombra, dando a suas obras um som completamente novo.

p As obras “Levando Cristo em custódia” (National Gallery, Dublin, Irlanda) e “The Donation of Isaac” são dedicados a histórias da história bíblica. O mais atraente em "A Doação de Isaac" é uma interpretação altamente humanística da imagem de um anjo aparecendo a Abraão, trazendo uma adaga sobre seu filho. O anjo gesticula para o carneiro, que deve ser colocado no altar em vez do menino.

p Na pintura "Santa Catarina de Alexandria", a artista mostra ao fundo uma assustadora roda de tortura com pontas de aço. Caravaggio equilibra magistralmente a composição correlacionando as partes claras e escuras. O trabalho, que por algum tempo esteve na coleção de del Monte, foi vendido por seus herdeiros à família Barberini, do qual passou a fazer parte da coleção Thyssen-Bornemisza em 1935.

p A pintura "João Batista" pertence ao mesmo período, cuja criação foi inspirada nas figuras dos jovens nus de Michelangelo da Capela Sistina. Ele também escreve outra Maria Madalena, realizada à maneira dos mestres venezianos (“Conversão de Madalena”). Nesta tela, além de Magdalen, apoiado em um grande espelho redondo, vemos outro personagem - Marta, quem é apresentado por Caravaggio. O modelo para Martha foi Filis Melandrone, que trabalhou com a artista e enquanto escrevia Santa Catarina.

p O pedido pessoal insistente do cardeal e a grande demanda por pinturas religiosas forçaram o pintor a continuar trabalhando em obras sobre temas bíblicos. Todas as suas obras subsequentes deram um golpe esmagador na direção fundamental da arte europeia - o maneirismo.

p Breve, Caravaggio decide escrever uma tela sobre um dos piores momentos da história judaica descritos no Antigo Testamento. Ele escreve Judith e Holofernes, onde ele descreve o momento em que Judith foi cortada para o tirano assírio Holofernes. O modelo de Judith também foi Filis Melandrone. Inicialmente, a artista retratou Judith com seios nus, mas posteriormente, foi forçado a “cobri-la” com um corpete. Um pouco longe da heroína está esperando por um servo idoso. Ela prontamente segura um guardanapo de linho para envolver a cabeça da vítima nele. A imagem da solteirona foi criada por Caravaggio sob a impressão da "Cabeça do Velho" de Leonardo da Vinci.

p A pintura "Descanse na Fuga para o Egito" demonstra vividamente a aceitação e a negação das tradições da pintura religiosa. Os cabelos castanhos da Mãe de Deus contrastam com os cachos ruivo-claros do Menino Jesus. Um anjo escrito nas costas toca violoncelo; seu olhar está fixo na partitura que Joseph segura. A artista retratou o marido da Virgem Maria descalço e de barba grisalha, ele se senta em uma bolsa, ao lado, vemos uma garrafa de vinho pela metade. Servindo como pano de fundo, a paisagem emoldura toda a composição. Ele e o padrão de flores e folhas são estilisticamente próximos das pinturas de Giorgione, mas, claro, Caravaggio o supera pela força de seu talento.

p A tela "Descanse na estrada para o Egito" foi percebida de forma ambígua pelo público e recebeu diversas avaliações. Contudo, o cardeal deu a Caravaggio uma nova ordem para pintar o teto de sua residência (atualmente, há a vila de Boncompany Ludovisi). O artista concluiu o pedido em meados da década de 1590. Este afresco ainda é a única obra conhecida de Caravaggio no campo da pintura mural. O pintor demonstra a habilidade surpreendente de possuir uma perspectiva. As figuras de Júpiter, Netuno e Plutão, retratado por ele em um afresco, testemunhar as habilidades extraordinárias do artista de 26 anos. Embora o trabalho tenha sido recebido de forma muito favorável por conhecedores de arte iluminados, Valentine esperava mais do artista. Ele ajuda Caravaggio a concluir um importante contrato para pintar cenas da vida do Apóstolo Mateus da maior igreja romana de San Luigi dei Francesi.

p Sob este contrato, o artista criou duas telas monumentais - “Martírio do Apóstolo Mateus” e “A Chamada do Apóstolo Mateus”, que ainda adornam a igreja de San Luigi dei Francesi, localizados no mesmo local onde foram identificados durante o tempo do artista. Eles são uma evidência vívida de uma nova etapa na vida e obra de Caravaggio.

p Este conjunto pitoresco foi o maior de todos realizados na vida do artista. E o resultado de seu trabalho foi surpreendente. As obras monumentais escritas por ele, que se baseiam em um olhar inovador sobre assuntos bíblicos, deu origem a um debate apaixonado, tanto entre clérigos quanto entre conhecedores de arte. Isso não é surpreendente, visto que, no início do século XVII, pinturas e afrescos de igrejas estavam em destaque e despertaram grande interesse não só entre o clero, mas também entre todos os amantes da pintura, então, todos estavam ansiosos para ver novas obras de pintores.

p A história dessa ordem é bastante incomum. Cardeal Matteo Contarelli, que desejava dedicar a capela a São Mateus, seu patrono celestial, convidou pintores e escultores para decorar a igreja. A obra ainda não estava concluída no momento da morte do cardeal, e a questão de sua conclusão foi posteriormente discutida em vários concílios da igreja. Entre os artistas envolvidos na capela de Contarelli, Girolamo Muziano e o cavalheiro Cesare d'Arpino, que pintou as abóbadas e o teto da igreja com cenas da vida do santo, deve ser observado. Ele iria pintar todas as paredes da capela com afrescos, mas por razões desconhecidas não pôde continuar a trabalhar. A sua conclusão foi confiada a Caravaggio. O contrato datado de 25 de junho, 1599, que foi concluído com o artista, sobreviveu. De acordo com ele, Caravaggio recebeu como recompensa 400 scudos.

p Na verdade, não está claro por que a escolha recaiu sobre Caravaggio, e não em outro, mais famoso naqueles anos, Mestres Romanos. Provavelmente, the mediation of the artist’s all-powerful patrons:Cardinal del Monte and the wealthy Genoese philanthropist and aristocrat Vincenzo Giustiniani played a large role here. Of course, the painter was flattered by the honor shown to him, and immediately set to work. But here one problem became clear:Masses regularly served in the chapel of Contarelli, and therefore it was impossible to establish the forests necessary for creating large-format compositions. Caravaggio offered his way out of the situation - he decided to make large-format oil paintings on canvas of 3.40 x 3.24 meters in oil! None of his contemporaries have yet completed orders of this magnitude. After a little thought, the clergy agreed.

p The painter did not meet the deadlines stipulated by the contract and submitted his work several months later. He completed the “Martyrdom of the Apostle Matthew” in time for early 1600. Caravaggio repeatedly changed the composition of the canvas in search of the most successful solution. The painter depicted the scene, which took place in the courtyard of the king of Ethiopia, who ordered the execution of St. Matthew, who preached the gospel there. The executioner, holding his sword at the ready, was already bending over the resisting martyr to kill him. An angel extends to the saint a palm branch - the emblem of martyrdom for faith. In the distance stands a young man with a tender face, involuntarily trying to distance himself from the terrible scene that is taking place. The fleeing boy turns away, his face expresses unspeakable horror. In one of the characters of the canvas, Caravaggio himself can be seen as a witness to this crime - a middle-aged man with a beard and an exhausted expression on his face. This is the artist’s third self-portrait.

p The painting “Martyrdom of the Apostle Matthew” conquers, first of all, with realistic authenticity, emotional richness and utmost convincingness of images. Hermann Foss writes:“At a time when Caravaggio began to use the lighting method he invented in developing multi-figure compositions, he felt the need to abandon the linear-planar image means used by Zuccaro and Giuseppino. His competitors did not hesitate to make critical judgments. One of the theorists of Roman mannerism, the artist Zuccaro, spoke as follows:“A lot of noise from nothing! I see nothing here but a copy of the Giorgione style! ”

Recognition of talent

p The painting “The Calling of the Apostle Matthew”, executed a few months later and set in a chapel next to the composition “Martyrdom”, provided further food for conversation. The artist showed the mystery of “Calling” in the form of a scene from Roman everyday life. Realizing his bold plan, Caravaggio chooses the location of one of the Roman taverns, in which gamblers are usually found. In the original, an episode of the gospel story takes place in a room that meets modern customs. After all, it is about the main tax collector, the chief tax collector who controls the collection of taxes.

p In the canvas, light falls from above and illuminates only the right side of the room. The only window is tightly closed and appears walled up. The painter depicted a situation completely unsuitable for performing the sacrament of conversion, Contudo, it is here that Jesus appears. Entering, he points with his hand to the chosen tax collector, and this gesture is somewhat reminiscent of the movement of the hand of the god of hosts, from the fresco "Creation of the World" by Michelangelo.

p Finalmente, Caravaggio becomes famous. He convincingly proved that in painting a harmonious combination of the divine with the everyday is possible. Jesus’ appearance in the tax collection office, shown on his canvas, does not look blasphemous. True, this innovation in church painting caused endless debate. No entanto, the executors of the will of Cardinal Contarelli were satisfied and immediately instructed the artist to fulfill the central image for the church altar. The motive of the last image was determined in advance - the Apostle Matthew and the angel. The painter on time presented the work to customers, but it was rejected due to the fact that Caravaggio endowed the image of the saint with the characteristic features of a simple peasant, depicting him bearded, bald, with bare and dirty legs.

p Under the pressure of the clergy, Caravaggio presents the second version of the picture, with a completely different interpretation of the plot. In the second version of the work, the painter refuses to demonstrate the emotional closeness between the apostle and something an angel whispering in his ear. The altar image of St. Matthew, created by Caravaggio, can still be seen today in the chapel of the church of San Luigi dei Francesi. The artistic ensemble of three monumental canvases for a long time remained in the darkness of the basement of the chapel of Contarelli in complete oblivion, until he was "revived" from oblivion by Roberto Longa. The first show of these works took place in 1922 at an exhibition organized in Florence.

p These sensational paintings brought Caravaggio unprecedented success. He immediately received a new order. Now the artist had to do work on a religious theme for another chapel, standing on the most beautiful square of Rome - Cherazi in the church of Santa Maria del Popolo. The chapel, located to the left of the altar, was bought by the Cherazi family for the family tomb.

p It was 1601, Caravaggio finally had students, one of whom, Giovanni, even moved to his teacher, in the basement of the Palazzo del Monte. The artist, meanwhile, was completing the Assumption of Mary painting for the chapel of Cherubini in the church of Santa Maria della Scala in Trastevere, commissioned by the mendicant Carmelite monks with the direct mediation of Marquis Giustiniani.

p The canvas "Assumption of Mary" was to become the largest in the altar of the chapel. The composition of the picture shows us the dying Mary. Her room is poor, the whole wretched environment consists of a towering bed, a chair and a washing vessel. The deathbed is covered by a large red curtain that hangs directly from the ceiling beam. Longy notes:“The picture tells us what the death of a woman from the common people looks like… The pain of everyone standing by the bed is impressive and receives unlimited power of influence thanks to a stream of light that fights shadows, falling from the left and illuminating the flickering flaming colors from the inside. The sorrow and shock of those present, expressively emphasized by the lighting, seem infinitely huge, inexhaustible. "

p Not surprisingly, the Carmelite monks rejected the picture. It was not without rumors. Did the artist not invite a woman of easy virtue as a model for the main character? Caravaggio depicted the body of the deceased Maria in such a way that everything indicated a severe illness. Even the foreground image of a bowl of vinegar water, designed to wash the dead, was itself blasphemy and alerted the church. It should be recalled that a year earlier in Rome, Giordano Bruno, who rejected religious dogmatism, was burnt at the stake of the Inquisition.

p The Assumption of Mary product did not find a buyer for a long time, until the Mantuan Duke of Vincenzo Gonzaga purchased it for his own collection on the advice of Rubens. Rubens was delighted with the courage and power of Caravaggio’s painting, his skill in transmitting light and shadow. The Assumption of Mary work, like most of the duke’s collection, was sold to Charles I in England in 1628. For some time after the death of the king, the painting belonged to a Paris banker, then it was acquired by Louis XIV.

p Durante este período, Caravaggio again begins to meet with his friends from poor neighborhoods, and does not at all try to conclude a profitable contract with the church of Santa Maria del Popolo, which Valentine is very worried about. No entanto, the painter agrees to write a monumental painting for the wealthy banker Marquis Giustiniani - “Crowning with a crown of thorns”. The original version of the picture, which was long considered a copy, was identified only in 1974, it is in the Prato Art Gallery.

p In addition to her, the master, for an incredibly short time, writes another large-sized work - “The Position in the Coffin”, which is now in the Vatican. Nesse trabalho, his extraordinary vision of light and shadow and his talent for working with “revived” colors were surprisingly manifested. The painting was Caravaggio’s only work on a religious theme, without delay and positively received by customers from the church of Santa Maria in Vallicella, speaking on behalf of Monsignor Vitrici. Mais tarde, Rubens made a copy of this work, slightly changing the composition.

p Soon, an important contract with the church of Santa Maria del Popolo for 400 scudos, with the direct assistance of Valentine, was concluded. This money allowed Caravaggio to pay off debts and gain some independence. Inicialmente, according to the contract, the artist was supposed to write paired works of small format, executed on cypress boards, Contudo, no fim, Caravaggio painted them on canvas with oil paints. The plots were proposed by Senor Cherazi:“The Crucifixion of the Apostle Peter” and “The Conversion of Saul”. Most likely, the painter enthusiastically fulfilled this order, which was classical in every respect.

p No entanto, the clergy strongly rejected the first version of the paintings created by the artist, which gave rise to the creation of their second versions. The original version of the painting “The Crucifixion of the Apostle Peter” is in the Hermitage, in St. Petersburg, while the first version of the “Conversion of Saul” is lost. The second version of The Crucifixion was created with such utter realism and so convincing that the Carmelite monks accepted it with fear. Caravaggio portrays executioners who are trying to raise a large cross with the saints nailed to it. The artist painted the apostle Peter with a sitter, who posed for him for the painting "Rest on the Flight into Egypt" and paintings located in San Luigi Lei Francesi. The "Crucifixion of the Apostle Peter" was accepted by customers, although with some discontent.

p The painting “The Appeal of Saul” was twice rejected by the monks before it was placed in the chapel of Cherazi. The fact was that such an interpretation of the biblical plot, as in the painting “Assumption of Mary, ” was an unthinkable provocation. It is enough to note that almost the entire space of the canvas is reserved for the image of the horse. One of the prelates of the church of Santa Maria del Popolo stubbornly disputed this artistic decision with Caravaggio himself. A church servant recorded this conversation for the story:“Why is the horse in the middle, and does the Apostle Saul lie on the ground?” - “So it is necessary!” - “Should this horse replace God?” - “No, but it stands in the light of God.”

p Berneson notes that "… Caravaggio anticipates something from the sculptors of our time…". Roberto Longi believes that both canvases from the church of Santa Maria del Popolo are vivid proof of the artistic genius of the master. “Caravaggio’s experiments in the field of painting finally allowed him to apply the reduction of deep shadows, and this, of course, increased the impact of his tragic and courageous realism… Caravaggio completely changes the traditional iconography. Perhaps this is the most revolutionary picture in the history of religious art, which helped to make an important turning point in the colossal spiritual development of society, ”he writes. Anthony Blunt is more concise, but argues that it was this painting by Caravaggio that inspired Georges de Latour to create the painting "St. Joseph the Carpenter."

p Due to being late with the execution of the order, Caravaggio was fined 100 scudos. Works from Santa Maria, as well as paintings from San Luigi, were gradually forgotten. One of the reasons for this was the too high placement of paintings in the premises of the church. Both the "Conversion of Saul" and the "Crucifixion of the Apostle Peter" were located in partial shade under the ceiling, so that it was almost impossible to make out. Only in the 20th century did their rebirth take place.

p The artist was very sensitive to criticism. Absorbed in indignation and resentment, he plunges headlong into a wild life. For months, Valentine had not heard anything about him. And Caravaggio wandered around the outskirts of Rome with a young groom named Benedetto and his friend Lionello Spada. Contudo, Valentine still managed to get on his trail. Having sought out the painter, he suggested that he create a series of paintings on famous mythological subjects. So the paintings “Narcissus” and “Cupid the Victor” (1603) were born.

p The canvases put up for sale provoked extremely hostile criticism from art dealers, who considered them indecent. Perhaps the model for the figure of Amur, depicted by the painter as a very earthly, playful child, was the groom Benedicto. Armed with arrows, the little boy, unashamedly, taunts the symbols of love, art, power and power. The work has a meaningful inscription:Amor vinciti omnia ("Love conquers all"). Além disso, there were rumors that Amur the Conqueror was created as a parody of Michelangelo’s famous Victory statue in the Vecchio Palace in Florence. Others saw in it a hint of the image of St. Bartholomew from the fresco "The Last Judgment" of the Sistine Chapel. Of course, Caravaggio laid bare the homosexual theme in the work of his great predecessor.

Spoiled reputation

p The period from 1602 to 1606 was filled not only with creativity, but also with adventurous adventures, constant clashes with the servants of the law, and the payment of countless fines. Por exemplo, a certain Girolamo Spampa painter wounded with a sword for offensive reviews of his works. A little later, he was accused of composing and publishing defamatory verses about the painter and his future biographer Ballon. This happened just when the artist finished the work of Ascension for the Roman Church del Gesu. Então, for the composition of the sensational libelous libel (which was not forgiven in Rome), the painter was sent to Torre di Nona prison, even there managing to behave in a bad way. The statements of Caravaggio, replete with insolence, lies and slander, did not contribute in any way to the indulgence of the judges.

p If it were not for the intercession of two, or even three cardinals and the Marquis Giustiniani, Caravaggio would inevitably have received a long prison term, given the many previous convictions. But the artist repented, promised not to commit any more unseemly acts, and even asked for forgiveness from Ballon, after which he was released. So he had the opportunity to finish the work "David with the Head of Goliath." In it, the artist freed himself from the influence of mannerism and gave a completely new interpretation of space and light. Three years later, Caravaggio wrote another version of this canvas. Soon he signed a contract for the creation of the monumental work "Madonna di Loreto", for the chapel of Cavaletti in the Roman church of Sant Agostino. The artist set to work, but this work did not bring him happiness. Despite the warningsCaravaggio invites him to pose for a prostitute from Piazza Navona named Helen.

p The former notary public, Mariano Pascvalone, openly expressed his indignation at this fact. This or something else caused a strong conflict between the painter and the notary, which ended up with the bloodied Pascvalone appearing in the courtyard and explaining that he was beaten up by the artist Caravaggio in front of the palace of the Spanish ambassador. The scandalous and criminally punished incident forced Caravaggio to urgently leave Rome.

p He travels to Genoa in 1604 and receives the patronage of the Duke Marzio Colonna, who was his protector since his studies in Milan. There, Caravaggio receives an offer from Prince Marcantonio Doria, who wished that the artist painted his residence in frescoes. But the painter refuses a lucrative contract. Now in the gallery of the Palazzo Bianchi is Caravaggio’s work “The Man” (Ecce Homo, 1606), que, perhaps, was written precisely at this artist’s visit to Genoa. True, this is not proven.

p Suddenly, the notary Mariano Pascvalone withdraws his complaint against Caravaggio and the artist returns to Rome. There he ends the Madonna di Loreto. On this incredibly popular painting Virgin Mary is depicted “floating in the sky” inside the space of the altar. The artist decides to present her in a simple peasant guise at the moment when she meets two barefoot, dirty pilgrims with touching meekness and reverence. The face of the Madonna is filled with infinite modesty, and the Baby Jesus, whom she holds in her hands, looks at the elders with a mixed sense of curiosity and anxiety. The interpretation of the pilgrim images is especially impressive in the work.

p A imagem, como sempre, caused a lot of controversy and endless discussions, during which the painter appeared both new fans and new irreconcilable enemies. The priests of the church of Sant Agostino could not decide to accept the work and, Portanto, pay for the contract of Caravaggio. A letter from one clergyman is preserved in the state archive of the city of Modena, where he describes the artist’s problems with justice and his trial in the judicial curia.

p Soon a new incident occurred, que, of course, only exacerbated the situation of the painter. At a fun meal in Albergo del Moro, the boy-waiter indiscreetly and casually served Caravaggio, and he threw a plate of artichokes into it. This led to a brawl and the troublemaker was arrested. The artist again appeared in the court yard, which he left only thanks to his patrons. Trying to somehow rehabilitate himself and justify himself, Caravaggio takes an order for two canvases:"St. Francis with a Skull" and "Writing Jerome", intended for the church of Capuchin monks.

p Around the same period, the work “Christ in the Olive Grove”, destroyed in 1945 during the bombing of Berlin, dates back. We can only see copies of it now. During the same years, Longo dates “John the Baptist” from the Borghese Gallery and another version of the painting “Christ at Emmaus”, which is now in the Pinacoteca di Brera in Milan.

p This period was the most fruitful for all the time Caravaggio was in Rome. In the second version of the painting “Christ at Emmaus”, the artist achieves supreme mastery in the compositional construction of the picture, in which the figures of five biblical characters fill almost the entire space of the canvas.

p The patronage of the Duke of Colonna helped make Caravaggio’s orders increasingly numerous. Agora, his creative genius could be fully revealed, and the award to the artist was not long in coming. Despite the painter’s notoriety, Cardinal Shipione Borghese’s nephew received permission from Pope Paul V himself to entrust Caravaggio with the execution of the image of the Madonna for St. Peter’s Basilica.

p Absolutely all the Roman painters of that time dreamed of working in this largest cathedral in the world. According to the terms of the contract, it was necessary to decorate the most important altar of the Palafrenieri chapel, one of the most notable families of Italy, which included Pope Paul V. The commission of the cardinals from the church council specifically Caravaggio was an excellent opportunity for the artist to completely restore the damaged reputation and establish his position as one of the best painters of Rome, and all of Italy.

p Mas, como sempre, Caravaggio’s obstinacy ruined everything. Despite the advice and warnings, the artist again invites street model Helen as a model. He fulfills the order unusually quickly - all work on the canvas was completed in just three days, after which it was presented to the public.

p It was an indescribable collapse of all the ambitions and hopes of the painter. Never before had Caravaggio been able to advance so much in a realistic interpretation of the gospel story and the vitality of the images. As might be expected, most of the public considered the work monstrously vulgar. The Madonna Palafrenieri was categorically rejected by the clergy, and the doors that could open the artist the path to fame and fortune were closed forever. “We do not see anything in this picture except vulgarity, sacrilege, lack of divinity and beauty, ” wrote one of the secretaries of the Cardinals Council. Então, like his rivals:cavalier Cesare d’Arpino, Pomerancho, Passignano and Giovanni Ballone and others, actively climbed to the top of fame - the Academy of Saint Luke herself, on the way being awarded the honor of receiving a knight’s cross, Caravaggio forever lost the opportunity to be recognized by high society and papal authority.

p The painter again goes into all seriouss and soon again finds himself in Torre di Nona prison. Now we are talking about a more serious crime. One of the papal guards was found dead, watching the artist at night - someone broke his head with a stone. The painter tried to prove his innocence:he assured that the stone accidentally fell off the roof just at the moment when this man passed there. But the court rejected this version, and Caravaggio was imprisoned.

p The artist was shackled and interrogated for a long time, he was even sentenced to beating with sticks. Perhaps this suffering Caravaggio then reflected on the canvas "Flagellation of Christ", which he will write later in Naples. Friends feared for his life and saw his salvation only in flight.

p Caravaggio’s escape from prison was a success, but now he has been blacklisted by the papal police. Neither the artist himself, nor his friends, had any idea how to get rid of the persecution. But the most regrettable is the fact that the artist did not want to learn from his mistakes.

p In the harbor of Ripetta on the banks of the Tiber River, Caravaggio again resumed his adventures and fights, periodically hiding in the Palazzo Colonna. May 29, 1606, during a ball game on the Field of Mars, the artist accused Ranuccio Tomassoni of deceiving his partner. This led to a fight. Weapons were launched, como resultado, Tomassoni fell dead. The painter was also wounded, but managed to escape.

p After this scandal, his friends were detained, and he himself was sentenced to death. Naquela hora, such a sentence meant that every law enforcement officer, anywhere and anytime, upon detection of a fugitive, could execute the sentence.

p Caravaggio cried out for help to his patrons, but they were already tired of the endless requests of the artist, who did not want to behave prudently. Weak and sick, the painter had to hide again. He wanted to take refuge in the lands of the Column or in Lacy located outside the Roman limits.

p At the age of 35, the painter enters the last period of his life. Rome never promised him wealth, Contudo, but provided him with the means of subsistence sufficient for the development of his genius. Caravaggio never returned to the Eternal City. Although every minute he hoped for a return, hiding in a secret shelter. The fugitive, poisoned by illness, hatred and the threat of death, begins to write his masterpieces at an incredible, “inhuman” pace. His latest works are filled with passion, grandeur and strength.

Balancing on the brink

p Having fled from Rome in May 1606, Caravaggio, who had the glory of one of the best painters of the Eternal City, did not expect pardon, so he preferred to move away from the papal detectives. Without hesitation, he headed to Naples - a large, densely populated city, literally glowing with new ideas, artistic movements and revolutionary spirit.

p Here, the artist almost immediately receives an order from a wealthy Ragus merchant. Caravaggio creates a large altar image “Madonna with the rosary” for the altar of the Dominican church, which has a second name - “Madonna del Rosario”. This canvas marked the beginning of a new stage in his work.

p The finished work caused a conflict between the artist and the Dominican monks, who recognized themselves in the characters depicted on the canvas. This contradicted the traditional concept of religious painting. The painter uses sharp contrasts of chiaroscuro for emphasized volumetric, very material transmission of forms, while the pictorial techniques themselves indicate the artist’s return to his early style of writing.

p Como resultado, the painting was bought by the painter Louis Finsonius from Bruges. He sent her to Antwerp, where the art association, which included Rubens, Van Balen and Jan Brueghel, acquired it for the Dominican Cathedral for 1800 guilders. In 1781, Joseph II, king of Austria-Hungary, bought it from the monks, having come in complete admiration.

p The new order, soon received by Caravaggio, was also not appreciated by the customer. This time, the artist was supposed to write a canvas for the church of Pio Monte della Misericordia. The customer was the head of the city curia. The painter was instructed to create the monumental trans-altar image “Seven Works of Mercy”.

p The master decides to combine seven episodes described in the Gospel of Matthew in one canvas. The painting, like the Madonna del Rosario, is distinguished by a Neapolitan style, which was especially pronounced in the character of the characters and the composition. Rich and poor, plebeians and nobles are united in one night scene. A simple woman from the people at the door of the prison breastfeeds the old man:“for I was hungry, and you gave me something to eat” (“Gospel of Matthew”). Nearby, a thin gentleman takes a sword to cut off a piece of cloth from his cloak and cover him with a beggar. The owner of an overnight stay gives a thirsty person a drink, and the latter, like Samson, uses a donkey’s jaw instead of a bowl. Another character in the picture meets the emaciated wanderer and sacrifices his traveling clothing to him. And the last act of mercy captured by Caravaggio is the burial of the deceased.The deceased is carried out from around the corner of the house, a wall hides part of his body.

p Opinions of both contemporaries of the artist and critics of our century differ. Someone considers the picture grotesque, someone sees in it the “last flash” of the genius of Caravaggio. But one thing is obvious, this is an unusually highly artistic, masterful work, which had an undeniable influence on Rembrandt, Velazquez and Franz Hals. Ribera directly borrowed from Caravaggio the figures of the wanderer and the host of the inn, for his painting “Five Senses”.

p For an eight-month stay in Naples, the artist created two versions of the painting “The Flagellation of Christ”, which became the artistic embodiment of the torture experienced by Caravaggio in Rome. Mina Gregory writes of the first version:"Darkness emphasizes the inner strength of Christ." The scientist Roberto Longi considers this work one of the most amazing in Caravaggio:"Cruelty, ruthlessness, atrocities and infinite fear of God are in conflict with each other."

p On both versions of the picture we see the same faces of the tormentors, which suggests the personal vengeance of the artist to the guards of the prison in which he was imprisoned. For several months, the persecuted criminal Caravaggio became the most fruitfully working and famous artist of Naples. Contudo, he suddenly leaves the city and heads for Malta.

p The reasons for this are unknown. Perhaps Caravaggio found out about papal spies, or maybe decided to become an honorary knight of the Order of Malta. In July 1607, the artist sailed on a ship to La Valletta, the capital of the Knights of St. John of Jerusalem, the noble defenders of the Christian faith from Maghreb pirates and Islam. The Maltese period of Caravaggio’s work was remarkable for its unprecedented fertility. The painter spent less than six months on the island, but all this time, he wrote at an incredible pace, creating a number of works on genre and religious themes. The paintings of this period were very different from everything created by Caravaggio earlier. So much so that for a long time, these canvases were attributed to other authors.

p As soon as he arrived in Malta, the artist received an offer to write Jerome for one of the chapels of the Cathedral of San Giovanni dei Cavalieri. The work was incredibly liked by the great master of the order - Alofude Vinyakur. He immediately offers Caravaggio to create the monumental painting “The Beheading of the Head of John the Baptist”.

p The canvas "The Beheading of the Head of John the Baptist" has received widespread recognition. Artists from all over Europe specially came to see him. The picture is dominated by light and empty space, the viewer almost physically feels the last convulsions of the body of a decapitated martyr, spread out on the floor with his hands chained behind his back. The executioner seemed to have just raised his sword. Salome holds the cup to receive the head of John. An old woman resembling Magda from Caravaggio’s work “Christ at Emmaus” clutched her head in utter despair. Two prisoners are watching through what is happening in their cell. Pietro Ambrodzhiani writes:"The idea itself is born that the artist conveyed his personal memories in this picture." On the original frame of the work is the coat of arms of Alof de Vignacour.

p The painting “The Beheading of the Head of John the Baptist” was the only work signed by Caravaggio. The artist’s autograph can be seen in the bloody trail from the head of the martyr. Perhaps this painter equates himself to the victim. The letter “F” in front of his name means “fra” (“brother”), which means that Caravaggio was already included in the Order of Malta at the end of the painting.

p The Grand Master instructs Caravaggio to paint his portrait. The artist willingly began work on "Portrait of Alof de Vignacour". But the painter’s restless disposition did not give him rest. He could not resist making a note of sarcasm, scandal and life itself in a solemn and pathos canvas.

p Next to the terrifying look of a knight in archaic armament, Caravaggio portrays a beautiful page carrying a train of his master. The work, revolutionary in terms of its influence, really shocked the church environment. The image of a knight vowing celibacy and his attractive page with a provocative look was incredibly famous.

p From this picture he made drawings in his Delacroix albums. Manet also turned to this work while working on the painting “The Child with the Ball” (Metropolitan Museum of Art, Nova york). Louis XIV bought the “Portrait of Alof de Vignacour” in 1670 for 14, 000 livres. Of course, the picture became the occasion for another scandal.

p Ao mesmo tempo, Caravaggio creates his “Sleeping Cupid”, the artistic image of which resembles a child in the “Madonna Palafrenieri”, but this time it is written more modestly:the penumbra hides its floor. These two works again brought to the painter the wrath of those in power. Soon, the convert “Honorary Knight” was captured, beaten and imprisoned by Sant’Angelo.

p The indictment has not been preserved in the archives of the order, but there is other evidence that the "brother of Michelangelo" was convicted in an attempt to seduce the young son of the minister or inspector of the order. The fact that the sentence disappeared may indicate that the clergy tried to hide it. Righteous knights were overcome by anger. In a different version, the artist became a victim of a conspiracy of the brothers of the order, outraged by his “inappropriate” work “Sleeping Cupid”. All this taken together was the reason for the exclusion of the painter from the order “as a spoiled and dishonoring brother”.

p Caravaggio managed to escape from prison and move to the island of Sicily. For some time, the painter remained in Syracuse, where he created the painting "Burial of Saint Lucia" for the local church. This was his first order in Sicily.

p And here, Caravaggio’s artistic