Sandro Botticelli (1445-1510)

p Infelizmente, existem poucos fatos confiáveis ​​sobre a vida do maior artista Alessandro da Marianno Vanni di Amedeo Filippepi, conhecido por nós sob o nome de Sandro Botticelli. Sabe-se que Alessandro nasceu em Florença em 1445 na família do curtidor Marpano Filippepi e sua esposa Emeralda, que ja tinha tres filhos Giovanni, Simone e Antonio. Não há informações exatas sobre como Alessandro recebeu o apelido de "Botticelli" ("barril"), que se tornou seu nome do meio. Talvez seja assim que seus pais o chamavam na família ou um de seus irmãos mais velhos. Os parcos fatos sobre a infância do grande artista apenas dizem que o quarto filho do curtidor cresceu muito observador, curioso, mas menino doloroso.

p Por volta dos treze, Sandro começou a estudar joias sob a liderança de seu irmão Antonio, que tinha sua própria oficina. Arte de joias, com seu desenho meticuloso e meticuloso de todos os detalhes de um futuro produto na fase de esboço, capturou o coração do jovem e o ajudou a entender sua verdadeira vocação. Então, já no início de 1460, Botticelli começou a visitar a oficina de um dos mais famosos pintores italianos de sua época, Fra Filippo Lippi (c. 1406-1469).

p Fra Filippo tinha uma biografia rica e incomum. Por mais de dez anos ele esteve na ordem dos monges carmelitas, abandonado por ele em 1431. Já um artista famoso, Lippi, em 1456, acendeu uma paixão desenfreada pela jovem freira Lucretia Buti. Ele sequestrou sua amada de um convento em Prato para se casar com ela. Só graças à intercessão da padroeira do pintor, Duque Cosimo de Medici, os recém-casados ​​podiam viver em relativa segurança. Uma vida tão incomum deixou uma marca notável no caráter do mestre, ele se distinguia por seu pensamento livre e desejo constante de perfeição e descobertas. Ironicamente, o filho de Lippi e Lucretia Filippino, com quem Sandro conhecia desde pequeno, mais tarde tornou-se seu aluno.

p Giorgio Vasarn, que esteve envolvido na compilação da biografia de Botticelli, descreveu os anos de seu treinamento dessa maneira:"Ele se tornou um seguidor de seu mestre e o imitou tanto que Fra Filippo o amou e logo o criou de tal forma que ninguém conseguia pensar." Infelizmente, esta é a única informação sobre este período da vida do artista.

p A obra revolucionária de Filippo Lippi "The Madonna under the Veil" (1465, Galeria Uffizi, Florença), pintado como uma imagem de altar para uma das igrejas de Florença, em que, pela primeira vez na história da arte renascentista italiana, uma jovem florentina apareceu na forma da Mãe de Deus, espantou o jovem Botticelli antes tanto, que criou muitas dessas telas. Sandro repetiu quase completamente este trabalho gentil e inspirado em sua obra “Madonna and Child with an Angel” (1465-1467, Galeria da Casa Educacional, Florença). Esta pintura repete completamente a composição de Lippi, reproduzindo com absoluta precisão todos os detalhes, até a localização das dobras do véu que cobrem a cabeça da Madonna. Uma composição muito semelhante possui várias outras obras do artista.

p Deve-se notar que, ao copiar a composição do professor, o jovem artista introduziu novas entonações em seu trabalho. Sua imagem da Madonna é mais pensativa e pacífica. Para não distrair o espectador dos heróis da tela, Botticelli abandonou o fundo da paisagem complexa. Concentre-se na imagem, tendo uma sombra de grandeza divina e coloração incomumente lírica, tornou-se um traço característico de muitas das primeiras obras do artista.

p Tendo compreendido totalmente a precisão e sofisticação do desenho de Lippi, e adotando sua maneira de transmitir o estado emocional dos personagens, Sandro deixou sua oficina em 1467, aos vinte e dois anos. Mas o pintor não terminou seu treinamento nisso. Para expandir e melhorar suas habilidades, o jovem pintor visitou a oficina de Andrea Verrocchio, o famoso escultor italiano, pintor e joalheiro, cujos alunos incluíam Leonardo da Vinci e Pietro Perugino.

p Se ele aprendeu com Lippi Botticelli o domínio virtuoso da linha, de Verrocchio, ele adotou a arte de criar uma atmosfera especial por meio da modelagem aérea. Com a ajuda de conhecimentos emprestados de diferentes professores, Sandro executou de forma brilhante obras como Madonna no Rosário (por volta de 1470, Galeria Uffizi, Florença), Madonna na Loggia (por volta de 1467, Galeria Uffizi, Florença) e Madonna com o bebê e dois anjos ”(1468-1469, Museu Capodimonte, Nápoles). Todas as imagens nas telas são excepcionalmente calmas e extremamente sofisticadas, e a composição composicional das obras é muito cuidadosa.

p As primeiras pinturas do artista se distinguem pela ausência de uma modelagem complexa em preto e branco, o protagonismo delas é dado a um desenho dotado de um impulso expressivo. Com a ajuda de apenas uma linha, Botticelli revelou e como que transformou o rosto imaculadamente limpo e brilhante de suas orações divinas, enfatizando o refinamento, nobreza e sua pertença a outro, mundo mais exaltado. Trabalhando nessas imagens, o pintor não procurou mostrar o mundo real, mas alguns ideais, país dos sonhos que existia apenas em sua imaginação. Já nas primeiras obras independentes de Botticelli apareceu o plástico fascinante, que determinará para sempre o estilo individual do pintor.

Natação livre

p Tendo deixado seu último professor em 1469, Botticelli monta sua própria oficina na casa de seu pai, que estava localizado no bairro Via Maria Novella de Santa Maria Novella. Durante este período, o artista cria seu famoso retábulo “Altar de Ambrogio” (também conhecido como a “Madona e o Menino com as Santas Maria Madalena, João Batista, Francis, Catarina de Alexandria, Kozma e Damian ”, 1467-1470, Galeria Uffizi, Florença).

p A composição do quadro é bem típica da época e é uma variação do tema bíblico “Adoração do Menino”. Maria com o bebê em seus braços se senta no centro da tela, em torno da qual os santos estão localizados. O fato de os grandes mártires Kozma e Damian estarem entre os adoradores do menino Jesus e de sua mãe pode indicar que a pintura poderia ter sido encomendada pela casa governante dos Médici em Florença naquela época, cujos patronos celestiais eram esses santos. É impressionante que a precisão matemática com que Botticelli calculou a construção da cor da imagem, distribuindo magistralmente o vermelho, violeta-azul, as cores azul e marrom são marcantes. Usando acentos brilhantes, a artista destacou as figuras dos protagonistas:Madonna, Menino Jesus, Kozma e Damian. Ao mesmo tempo, o fundo arquitetônico da tela parece plano e teatral, devido à total falta de perspectiva.

p É sabido que em 1470 Sandro Botticelli finalmente recebeu o seu, possivelmente, primeira ordem oficial. A tela que representa uma imagem alegórica de “Força” (Galeria Uffizi, Florença) foi para entrar no ciclo de pinturas “Virtudes”, Destina-se a decorar o espaldar das cadeiras da sala principal do Tribunal de Comércio.

p Este pedido desempenhou um grande papel na carreira do artista, porque lhe permitiu entrar no círculo de pintores florentinos próximos à família Médici. Botticelli executou isso, com foco nos gostos de sua época. Ele retratou na tela uma figura feminina cuja imagem personifica a força moral e, em vez, uma espécie de reflexão melancólica em vez de determinação. A alegoria da “Força” na interpretação de Botticelli, curiosamente, absolutamente não carrega energia corajosa. Além disso, sua figura com uma ligeira inclinação de sua cabeça, enfatizado pelo movimento gracioso de suas mãos segurando a haste sem força, cria uma sensação de fragilidade interna, e até quebrantamento. Mesmo apesar de a heroína da obra se sentar em uma cadeira confortável, sua pose ainda dá a impressão de instabilidade.

p Na interpretação das dobras, a modelagem geral da figura feminina e o estudo meticuloso dos elementos decorativos do trono, a influência de Verrocchio é claramente lida. Mas já nesta foto seus próprios “achados artísticos” de um mestre muito jovem também se manifestam:um certo alongamento de proporções, delicadeza na criação do rosto e um movimento plástico gracioso especial.

p Como muitos artistas da Renascença, Botticelli muitas vezes traiu para seus heróis a semelhança direta do retrato com pessoas que ele conhecia - amigos, clientes, e talvez amantes. Por exemplo, é difícil não notar que a heroína do quadro “Força”, a Virgem Maria da imagem do altar “Madona e o Menino com Dois Anjos”, assim como Santa Catarina do retábulo “Altar de Sant'Ambrogio” são incomumente semelhantes. Os historiadores da arte sugerem que, para todas essas obras, a artista usou o mesmo modelo real que vivia em Florença na época.

p Já tendo ganho algum reconhecimento entre os contemporâneos, Botticelli em 1472 juntou-se à Guilda de São Lucas, declarando-se assim um mestre livre. O artista abriu uma grande oficina na qual reuniu assistentes e aprendizes. Filippino Lippi foi um de seus primeiros alunos.

p Entre 1470 e 1472, Botticelli criou a chamada “Madonna da Eucaristia” (Isabella Stewart Gardner Museum, Boston). Repetindo quase completamente a construção composicional de “Madonna and Child with Two Angels, ”O artista focou na interpretação simbólica da trama.

p A Madonna com o bebê nos braços tem como pano de fundo uma paisagem visível por trás dos elementos arquitetônicos. João Batista está na frente deles, segurando nas mãos um prato com espigas de milho e uvas, servindo como símbolos do sacrifício expiatório de Cristo. A presença na fotografia desses elementos deu-lhe um nome. Embora simbolismo religioso, extremamente comum na arte da época, é bastante comum nas obras dos séculos XV-XVI, não era típico das obras de Botticelli, bem como dos fundos da paisagem no fundo de suas pinturas. Talvez esses elementos tenham sido inspirados nas primeiras pinturas de Leonardo da Vinci.

p A tela "São Sebastião" (1473, Museu do Estado, Berlim) foi criada por Botticelli para a igreja de Santa Maria Maggiore. O trabalho é feito de acordo com as tradições clássicas e, portanto, é recebido positivamente pelos florentinos. O ano seguinte, no dia de São Sebastião, a imagem foi apresentada ao grande público na coluna da igreja para a qual foi criada - fato que diz que o artista ganhou certa fama em sua cidade natal. Há evidências de que em 1474 o pintor foi convidado a Pisa para criar murais no cemitério de Camposanto, localizado próximo à Catedral de Pisa. Não se sabe o porquê, mas Botticelli não cumpriu suas obrigações e voltou para Florença.

Patronos Majestosos

p Um papel decisivo no destino do grande pintor foi desempenhado por uma de suas melhores obras, “Adoração dos Magos” (1473, Galeria Uffizi, Florença), encomendado pelo banqueiro Giovanni (Gaspra) di Zanobi Lamy. Um trabalho verdadeiramente bonito foi planejado para decorar a capela de Lamy, localizado na igreja do Site de Maria Novella. O cliente era uma pessoa muito influente em Florença e mantinha relações cordiais e amigáveis ​​com representantes da família Medici. Não é difícil notar que entre os heróis da cena religiosa retratada pelo pintor, há retratos explícitos de membros desse sobrenome. Acontece que o banqueiro apresentou Botticelli ao tribunal Medici, para que o artista incluísse na composição do enredo bíblico um retrato coletivo de representantes da elite florentina.

p O lugar central na composição, de acordo com todos os cânones aceitos, é ocupada pela sagrada família - a Virgem Maria, Jesus e Joseph. Eles são cercados por várias fileiras de representantes das três gerações dos Medici, perto de Lorenzo, o Magnífico e do próprio Botticelli, que veio se curvar ao bebê. Todos os personagens na tela são um tanto idealizados e são, em vez, uma dica de uma pessoa específica, em vez de sua cópia do retrato. No entanto, isso foi o suficiente para os contemporâneos do artista.

p Por exemplo, na figura de um velho, tocar respeitosamente as pernas do bebê, contemporâneos reconheceram facilmente o falecido Cosimo Medici. O primeiro biógrafo de Botticelli, Vasari, escreve sobre isso:“E vemos expressividade especial no velho, quem, beijando os pés de nosso Senhor e derretendo-se com ternura, mostra perfeitamente que ele atingiu o objetivo de sua longa jornada. A figura deste rei é um retrato em tempo integral de Cosimo, o Velho de Medici, o mais animado e o mais semelhante de todos os que sobreviveram até hoje. ”Ao lado do velho, vemos os Magos ajoelhados diante de Jesus - estes são os falecidos filhos de Cosimo - Giovanni e Pierrot. E no lado esquerdo da foto está o neto de Cosimo Lorenzo Medici. Lorenzo está cercado por seus melhores amigos - o filósofo Pico della Mirandola, apontando com a mão para a sagrada família e o poeta Lngelo Polppsapo, que curvou a cabeça no ombro de Lorenzo.

p No centro do grupo, localizado no lado direito da tela, vemos o irmão mais novo de Lorenzo, quem era seu co-governante - Giuliano, vestida com um manto escuro. Atrás dele está um velho, provavelmente um filósofo Giovanni Argiropulo, logo acima do filósofo está um homem idoso com roupas azuis, apontando para si mesmo com um dedo - este é o cliente da obra, a lâmpada do banqueiro. O próprio Botticelli está em primeiro plano na imagem, envolto em um manto ocre dourado.

p Este trabalho conquistou o pintor não só a fama, mas também a boa vontade de representantes de uma das famílias mais nobres e influentes de Florença, envolvendo-o assim em eventos históricos turbulentos. Quando, em 26 de abril, 1478, durante uma missa solene na Catedral de Florença, um nativo da família Nazzi fez uma tentativa quase bem-sucedida de assassinato dos irmãos Medici. Como resultado, Giuliano morreu, e Lorenzo, embora ele permanecesse vivo, foi forçado a fugir com urgência da cidade.

p Mais tarde, quando Lorenz Medici recuperou completamente sua posição, ele primeiro ordenou a prisão e execução de absolutamente todos os membros da família da Nação, sem fazer exceção a ninguém. Então, os Medici ordenaram que Botticelli pintasse retratos das paredes executadas de seu palácio, como um aviso para aqueles que se atrevem a usurpar a vida dos representantes de sua família. Apesar da estranheza da ordem, ele ajudou a fortalecer a reputação do pintor, que assim recebeu um arranjo especial do próprio Lorenzo. Esses incríveis murais ainda não chegaram aos nossos dias.

p Pelos próximos anos, Botticelli estava exclusivamente envolvido nas inúmeras ordens de seus novos patronos. A maior parte do trabalho do mestre foi destinada a decorar a luxuosa villa Medici em Castello. As duas obras mais famosas do artista - "Primavera" (1478, Galeria Uffizi, Florença) e "O Nascimento de Vênus" (1484, Galeria Uffizi, Florença) pertencem a este período calmo e fértil da vida de Sandro.

p Trabalhando na criação de sua "Primavera", o artista se inspirou em "Fasti" - o calendário poético de Ovídio. A complexa construção composicional da obra é composta por vários grupos organizados separadamente, interligado apenas por movimento interno. Ao mesmo tempo, graças precisamente a esses detalhes, bem como o ritmo da tela, que, como música invisível, permeia o trabalho, a imagem se torna uma e inteira.

p No lado direito da imagem, Botticelli localizou um Marshmallow alado. Impressionado com a beleza extraordinária da ninfa Chloris, o deus do vento está tentando cativá-la para casar-se à força com ela. Mas, tendo se arrependido de seus atos, Zephyr transforma sua amada em Flora, que vemos no mesmo grupo de heróis. O pintor capta o momento exato do início da Transformação:a figura de Chloris parece fundir-se em sua próxima encarnação. O fato de as roupas dessas duas figuras femininas serem pintadas com maestria pelo mestre esvoaçam em direções diferentes, sugere que essas duas imagens ainda não estão conectadas e são, por assim dizer, em diferentes espaços de ser.

p A bela e jovem Flora avança facilmente, literalmente regando todo o espaço circundante com flores delicadas, simbolizando a chegada da primavera. No centro da composição está uma elegante figura de Vênus contra um fundo verde escuro. Seu vestido é feito do melhor tecido, costurado com fios de ouro. O fato de ela ser a deusa do amor, enfatiza a luxuosa capa simbólica escarlate que complementa sua roupa.

p A imagem de Vênus na tela é interpretada por Botticelli, como as imagens da Virgem Maria criadas por ele anteriormente. O rosto da deusa grega expressa tristeza, modéstia e timidez, e a própria cabeça dela, ligeiramente inclinado para a direita, é coberto por um véu de gás muito fino que apenas enfatiza essas qualidades.

p O Cupido de olhos dourados alado voa acima de Vênus, mirando de seu arco em um grupo de graças divinamente belas dançando no lado esquerdo da tela. Uma venda de seda branca como a neve, amarrado aos olhos de um pequeno travesso, é projetado para impedi-lo de fazer um tiro preciso. Graças a este personagem comovente, Botticelli direciona nossa atenção para um grupo de três ninfas (cujo significado simbólico é lido da direita para a esquerda, como a beleza, Castidade e Prazer), circulando lentamente em uma dança redonda. Seus corpos esguios enfatizaram proporções alongadas, e movimentos graciosos e suaves formam uma estrutura claramente construída, movimento circular rítmico. Curvas e curvas fáceis de figuras de três graças, a conexão graciosa de suas mãos e pés transmitem o ritmo avançado da dança.

p Possíveis modelos para as figuras de meninas são as beldades Simonetta Vespucci e Katerina Sforza, o último dos quais é descrito como Beleza. Criação de imagens de belezas da floresta, o pintor mostra engenhosidade na imagem de seus penteados. Em uma das graças, o cabelo está preso em um coque, na outra flui nos ombros com ondas de luz, e no terceiro, seu dorso é coberto por uma corrente de ouro livre.

p Na borda esquerda da imagem, ao lado dos concessionários, é o mensageiro dos deuses Mercúrio. Seu olhar, apontado para o céu, direciona a atenção do espectador para uma nuvem de tempestade que ameaça este paraíso abençoado. Com um gesto leve, mas confiante, o jovem não permite que ele penetre no maravilhoso jardim, em que os ramos densamente entrelaçados das laranjeiras reforçam o ritmo único de toda a obra, que Botticelli é construído com habilidade incomum.

p O artista mostrou o máximo cuidado e precisão na imagem das várias variedades de plantas retratadas na foto. Ele estudou com bastante cuidado tudo o que crescia na primavera nas proximidades de Florença. Então, os pesquisadores "identificaram" na tela mais de cinquenta espécies de ervas e flores. Apenas em uma coroa na cabeça de Flora e flores em seu colar, margaridas, heléboro, lírios do vale, folhas de murta, pervincas, não te esqueças, flores de romã, sementes de papoula, botões de ouro, violetas, flores e frutos de morangos são claramente visíveis.

p Esse fato mostra que Botticelli pensou cuidadosamente não apenas nas complexas decisões rítmicas das composições de suas obras, mas também todos os seus detalhes, até a sutil consideração lógica da localização de todos os atores, sujeito a estrita regularidade.

p Outra obra-prima do mestre - “O Nascimento de Vênus”, é escrito de uma maneira ligeiramente diferente. A pintura, que é uma das obras de arte mais famosas do mundo, como a primavera, tem um protótipo poético que serviu de inspiração para a artista. Os marcos literários da pintura são os textos de Homero, os “Stans” de Poliziano e as obras de Virgílio.

p Ao contrário de “primavera”, na pintura "O Nascimento de Vênus", não vemos um canto limitado do Jardim do Éden, como se estivesse escondido do mundo por uma vegetação densa, mas o espaço aberto do céu e do mar. Botticelli retratou o período da madrugada, quando a névoa noturna apenas dispersa apresentou a bela Vênus ao mundo. A Deusa da Beleza, acabado de nascer da espuma do mar, fica em uma enorme concha do mar, levado para a costa por um golpe de Zephyrs. A aparência da Bela na terra é triunfante - rosas voam sob seus pés, e a deusa Oro corre para conhecê-la, carregando uma jovem bela capa preciosa, com delicadas flores bordadas.

p A estrutura composicional da imagem é bastante simples e clara. A própria Vênus serve como a personificação da beleza ideal, seus traços marcam com impecabilidade e harmonia. Como muitas imagens femininas de Botticelli, a sombra da tristeza está no rosto de Vênus, enfatizado apenas pelos fios de cabelo dourados desenvolvidos pelo vento. Toda a pose da deusa lembra a famosa estátua antiga de Vênus Pudik (do latim - "modesta, casto, tímido ”), também conhecida como Vênus de Medici.

p A composição da composição é dominada por um ritmo linear sutil que confere movimento a todas as formas representadas, dando-lhes volume e criando a ilusão de espaço e profundidade. Transparente, cor fria e clara, que é dominado por combinações de cores claras (tons de verde pálido do mar, cabelo dourado de Vênus, roupas azuis de marshmallows, um vestido branco e um manto carmesim escuro de uma ninfa que a conheceu), dão ao trabalho uma harmonia e expressividade especiais. Este trabalho, como a primavera, tornou-se uma das pinturas mais famosas do pintor.

Reconhecimento do Vaticano

p 27 de outubro 1480, Botticelli, junto com os artistas Cosimo Rosselli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio, e outros fazem uma viagem a Roma, onde foram convidados pelo Papa Sisto IV, para decorar os afrescos da "Grande Capela", mais tarde chamado de Sistina.

p Por esta hora, a glória do artista já era tão grande que Sisto IV o colocou à frente de outros pintores envolvidos na obra. Dado que os contemporâneos, acima de todas as outras obras, apreciaram precisamente as composições executadas pelo artista "Punição dos Levitas em Ascensão", “Três Tentações de Cristo” e “Juventude de Moisés”, isso foi justificado. Os afrescos do mestre complementavam perfeitamente um dos maiores e mais solenes conjuntos monumentais do século XV. As obras são marcantes em sua ação acelerada, dinamismo e emoção das imagens.

p O magnífico afresco “O Jovem de Moisés” (1480-1482, Capela Sistina, Roma) é uma das obras mais monumentais do mestre e conta a história do personagem Moisés do Antigo Testamento, cuja missão era a remoção dos judeus do Egito. Botticelli retratou várias cenas da vida do herói bíblico, que ocorreram em momentos diferentes e incluídos pelo artista em uma composição. Tal abordagem para a construção da pintura indica a atração do pintor pelos primeiros exemplos famosos de arte monumental. Os eventos no trabalho se desenvolvem da direita para a esquerda:aqui Moisés mata o egípcio; então, fugindo da vingança do faraó, ele vem para o país de Midian, onde ele ajuda a alimentar as ovelhas para as filhas de Joseph; então, Moisés tira as sandálias para ir para a sarça ardente, do qual o Senhor o chamou, colocando sobre ele a missão de salvação do cativeiro de seu povo. O último episódio mostra o êxodo do Egito dos filhos de Israel. Apesar do congestionamento aparentemente excessivo da composição, cada uma das cenas é facilmente destacada da série geral. Todas as imagens são interpretadas de forma muito condicional e com grande imaginação do artista. O espectador é apresentado a um mundo antigo bastante idealizado, no qual muitos heróis estão vestidos com trajes modernos de Botticelli. Todas as imagens de personagens são enfatizadas harmoniosas e bonitas.

p O afresco "Castigo dos Levitas" (1481-1482, Capela Sistina, Roma) consiste em várias cenas. No lado esquerdo estão os levitas, que pretendem apedrejar Moisés, em seguida, há uma cena de fumar o incensário do sumo sacerdote Aarão, a chama da qual, com um aceno da batuta de Moisés, queima o rebelde. A composição é fechada por um grupo de apóstatas, que a própria terra absorve. O conteúdo semântico do afresco deveria contribuir para o estabelecimento da autoridade papal. Como um sinal de respeito ao cliente, o artista frequentemente retratava um carvalho nos afrescos - o símbolo heráldico de Sisto IV e a combinação de cores de seu brasão - azul e amarelo. Todas as cenas bíblicas se desenrolam contra o pano de fundo de paisagens magníficas.

p A obra "As Três Tentações de Cristo" (1481-1482, Capela Sistina, Roma), também criado por Botticelli para a capela romana, retrata episódios do Evangelho (Mateus:4, Lucas:4), contando sobre a tentação de Jesus pelo Diabo. No primeiro enredo, localizado no canto superior esquerdo, ele oferece Cristo para transformar pedras em pão, recebendo a resposta:“O homem não viverá só de pão”; a parte central da composição os descreve de pé no telhado do templo, onde o Tentador convence o Filho do Senhor a descer correndo; o terceiro enredo, localizado no canto superior esquerdo, descreve uma cena em que o Diabo pede a Jesus que se curve diante dele.

p As próprias cenas foram criadas por Botticelli em tamanho pequeno, e todo o primeiro plano do trabalho é ocupado pelo ritual de purificação do leproso. Nesse trabalho, como em A Adoração dos Magos, o artista retrata seus contemporâneos, quem, em seu plano, são testemunhas da purificação contínua. Acredita-se que no canto esquerdo inferior da composição esteja representado um autorretrato de Botticelli e um retrato de seu aluno e amigo Filippino Lippi. No lado oposto está o sobrinho do Papa Sisto IV, Girolamo Riario, envolto em um manto vermelho.

p Como biógrafo do pintor, Vasari, Botticelli escreveu, trabalhando nos murais da capela, “Ganhou a maior fama e glória, e do papa receba uma quantia decente de dinheiro, que ele imediatamente desperdiçou e desperdiçou enquanto estava em Roma, porque ele viveu sua vida como sempre descuidado. No outono de 1482, todos os afrescos foram concluídos, e os pintores que trabalharam neles deixaram Roma e foram para sua Florença natal. ”

Sucesso e fama

p O workshop de Botticelli, que já alcançou a maior fama, foi inundado com um grande número de pedidos na década de 1480, que o artista não tinha como lidar sozinho, Portanto, toda a parte principal do trabalho foi feita por seus alunos, que imitou perfeitamente o estilo pitoresco do artista. Durante este período de carência, Botticelli recebe uma nova encomenda de seu patrono Lorenzo di Pierre Francesco Medici.

p A obra “Pallas e o Centauro” (1482, Galeria Uffizi, Florença) demonstraria ao mundo inteiro e aos descendentes como a dinastia Médici era forte e poderosa e como governou Florença com sabedoria. A pedido de Lorenzo, o Magnífico, a obra foi realizada como uma alegoria da "idade de ouro" de Florença, desde a época dos Medici.

p Botticelli, por sua própria vontade, expandiu ainda mais o escopo do enredo, acrescentando a isso a ideia da luta entre o bem e o mal. A composição da imagem é baseada no contraste - contrastando a bela imagem da deusa com o feio Centauro. O vestido Pallas é ricamente decorado com emblemas da casa dos Medici. A deusa é retratada contra o pano de fundo de uma bela paisagem com um céu claro e profundo acima de sua cabeça. Atrás do Centauro, vemos edifícios antigos em ruínas simbolizando a ignorância e o caos.

p Acredita-se que a inspiração para a criação desta tela tenha servido às ideias do filósofo Marsilio Ficino:“A besta em nós é o instinto, a pessoa em nós é a razão. "Essa suposição adiciona outra interpretação possível da obra:Botticelli divide visualmente uma pessoa em dois princípios:o divino, conectado com a esfera do espírito, grandes aspirações e razão, e o animal - representando exclusivamente as necessidades do corpo físico. Do ponto de vista de tal interpretação da trama, o gesto de Pallas se torna a personificação de seu poder sobre os instintos naturais. Um fato interessante é que o rosto do centauro retrata um profundo sofrimento - uma expressão característica da imagem de santos nas pinturas de Botticelli.

p A obra "Vênus e Marte" (1482-1483, Galeria Nacional, Londres), é outra obra multifacetada do mestre. O ninho de vespas com insetos circulando em torno dele, retratado no canto superior direito da composição, indica que a pintura foi encomendada por um representante da casa Vespucci, do qual é o símbolo heráldico do gênero. Uma possível razão para escrever esta tela foi o casamento de um dos membros da casa. Todo o primeiro plano, alongado horizontalmente, é ocupada pelas figuras de Vênus, reclinado em pensamentos, e o relaxado, dormindo Marte. Logo atrás deles com as armas do formidável deus da guerra estão pequenos sátiros.

p Em florença, a segunda metade do século XV, astrologia se espalhou, para que os personagens retratados na tela possam ser interpretados como uma imagem alegórica dos planetas, e não apenas os deuses olímpicos. A cor da obra se distingue pela restrição majestosa, e a própria tela respira paz. A construção composicional é leve e muito equilibrada.

p Em 1485, Botticelli criou outro trabalho incrível - “O Altar de Bardi” (Museu do Estado, Berlim). A imagem do altar, cujo nome completo soa como “Madonna e João Batista e João Evangelista”, foi pintado por ordem de Giovanni Agnolo Bardi e foi destinado à capela de sua família na igreja de Santo Spirito.

p A canonicidade estrita distingue-se pela construção composicional desta obra do mestre. No centro da foto, no trono ornamentado, a Rainha do Céu se senta, com o bebê em seus braços, em ambos os lados estão os santos - João Batista e João Teólogo. Todas as figuras estão localizadas no fundo de um mirante de jardim com três arcos, que compara as imagens a estátuas antigas.

p O Altar Bardi é muito diferente dos outros, trabalhos anteriores de Botticelli. Todas as linhas são ajustadas e claras, mesmo um pouco rígido, o que é claramente perceptível no "ornamento" formado pela folhagem. A Imagem da Madonna, que o artista anteriormente retratou de forma muito majestosa e solene, é preenchido com entonações completamente novas. Aqui, vemos antes de tudo uma mãe, cheio de ansiedade e tristeza, em antecipação ao difícil destino de seu filho. Especialmente frágeis são os traços faciais e as mãos alongadas de Maria, enfatizando sua imagem sobrenatural. Um papel significativo no trabalho é desempenhado por símbolos teológicos que aludem à encarnação de Cristo - lírios, azeitonas, palmas e louros.

p Essas composições atraem cada vez mais o artista, a partir de 1480. São as imagens do altar que ele mesmo estuda com mais cuidado, choosing them among the many incoming orders. The most outstanding works of this period are The Altar of St. Barnabas (another name is Madonna on the Throne with Saints Catherine of Alexandria, Agostinho, Barbara, John the Baptist, Ignatius and Archangel Michael, circa 1487, Uffizi Gallery, Florence), Madonna with pomegranate ”(circa 1487, Uffizi Gallery, Florence) and“ Madonna Magnificat ”(another name is“ The Majesty of the Madonna ”, circa 1483-1485, Uffizi Gallery, Florence).

p Thanks to these and other works, the fame of Botticelli thundered throughout Italy. There is a known case when the Duke of Milan inquired who is the best painter in Florence, and heard a definite answer - Botticelli, "who can perfectly write both on the wall and on the board, and whose paintings are extraordinary in strength and perfect proportions."

p The portrait, although it was not a favorite genre of the painter, still occupied a significant place in his work. In the images of his contemporaries, Botticelli strove to adhere to the prevailing traditions of the Florentine profile portrait, although he sometimes allowed himself to bring into the work some of the achievements of the Dutch masters. Not all the works now attributed to the painter can be considered his own work. Most likely, some of them were written by his students. The earliest portrait attributed to the brush of the great Botticelli is the “Portrait of a Young Man” (1470, Palatine Gallery, Florence). Depicted on it is a very young Florentine, with big eyes arrogantly looking at the viewer, wearing a red jacket and a traditional dark cherry color cappuccino. A young man stands against a transparent blue sky.

p Around 1474, Botticelli wrote the mysterious Portrait of an Unknown Person with the Cosimo Medici Elder Medal (Uffizi Gallery, Florence). The work has a number of features. Então, a young man pictured against a magnificent spring landscape, with both hands presses a medal to his chest with a portrait of Cosimo Medici engraved on it. Botticelli somewhat idealized the image of the model, softening its features, while emphasizing its characteristic features - a clear contour of the face contour and a clear direct look. Intense black and red colors, in the costume of the person portrayed, create an unusually strong color chord. The surrounding landscape brings in emotional overtones. The whole intonation of the work gives out tension - obvious unnaturalness in turning the head, a sad look, an uncertain gesture of hands and a sharp color contrast of the hero’s background and clothes.

p Compositionally, the construction of works has been changing since the second half of the 1470s. The painter no longer uses the landscape background, and the entire surrounding space is greatly simplified, while the figure of the model, usually located in three quarters or a profile, occupies almost the entire space of the picture. Female portraits are clearly idealized, por exemplo, “Portrait of Simoneta Vespucci” (circa 1480, State Museum, Berlin), and the models are mainly located in profile. The four surviving versions of Portrait of Giuliano Medici (National Gallery of Washington, Carrera Academy in Bergamo, Armchair Collection in Milan and the State Museum in Berlin) are distinguished by a very peculiar style of writing. It is not known for certain whether at least one of these works belongs to the brush of Botticelli himself.The compositional construction of all versions of the portrait of Giuliano is almost identical. The model is always located almost in profile against a light background. A thin, smooth line is the main means of expression.

p Most of the portraits owned by Botticelli, was characterized by a special melancholy intonation. The identities of most of the young men depicted by the master remained unknown to us. Embora, the painter preferred to paint people whom he knew well or admired for their spiritual qualities. In portraits executed in the years 1482-1490, the artist’s desire for a more realistic interpretation of the image is manifested. Portraits of the master’s brush become more psychological, innovations also appear in compositional construction, por exemplo, in the painting “Portrait of a Young Man” (circa 1483, National Gallery, London), the model is located in front of the portraitist.

Sharp turn

p The turbulent political events in Florence in the early 1490s significantly influenced the life of Sandro Botticelli. In 1492, Lorenzo the Magnificent died. Piero Medici, who inherited power from his father, turned out to be a mediocre ruler, who brought the entire Medici home into exile from his hometown due to a number of gross political mistakes. Como resultado, a fierce fighter for faith and asceticism came to power, the Dominican monk Girolamo Savonarola.

p Savonarola has long opposed the tyranny of the Medici family, accusing him of corruption and excessive love of luxury and debauchery. Even the Pope came from a fierce champion of faith, the fiery sermons of the monk resonated in the souls of many citizens, which later brought Savonarola to power. I must say that the people really voluntarily followed the monk, apparently tired of the luxurious lifestyle of their rulers, even in the heart of Botticelli, the Dominican was able to raise doubts about the loyalty of the chosen creative path. There was no one to support the painter, his students and friends were also impressed by the new ruler, and his beloved brother Giovanni died. Como resultado, the artist took a wait-and-see position, not joining either side of the conflict between Savonarola and the Medici.

p The militant monk arranged a real "day of judgment" for Florence. On February 7, 1497, a fire was kindled in Signoria Square, in which the townspeople, impressed by the Dominican sermon, burned musical instruments, jewelry, luxurious women’s dresses, paintings that did not meet Christian morality, as well as those condemned by Savonarola as the embodiment of sin. This day became fatal for the history of art - many young artists, including students of Botticelli himself, brought and threw their works into the “purifying flame”. The painter did not directly participate in the act of repentance of "sinners", perhaps because his weakened legs no longer allowed him to walk independently.

p The reign of Savonarola was not very long, on May 23, 1498, the people of Florence burned the slandered monk with the same fanaticism with which he burned magnificent works of art a year earlier. Oddly enough, on Botticelli, the execution of the Dominican made an even greater impression than his sermons. The painter began to be tormented by guilt and bouts of hopelessness, his soul rushed to the dream of religious renewal. Como resultado, doubts and pain in the soul of the artist made him unsociable. The fame of the master began to fade, orders became less and less.

p In the late period of his work, Botticelli creates several paintings either commissioned by the devotees of Savonarola, or painted under the influence of his sermons. The latter include two altar images “Mourning of Christ” (1495, Museum of Poldi Pezzoli, Milan and 1500, Old Pinacoteca, Munich). The works stand out for the artist’s new interpretation of Christian drama - as intolerable human grief. All the characters depicted in these two works are gripped by endless grief over an innocent victim. By order of the “piagnoni” (literally “crybaby”) - adherents of Savonarola, the painter writes “The Last Communion of St. Isronim” (circa 1498, Metropolitan Museum of Art, New York) for Francesco del Puglieze; and "St. Augustine" (1490-1495, Uffizi Gallery, Florence), for Giacomo and Giovannidi Bernardo.These rare orders allowed the artist to somehow stay afloat.

p In 1502, the master’s health was finally undermined. At this time, according to the slander of ill-wishers and envious people, a lawsuit was instituted against Botticelli on charges of his sodom sin. The most likely reason for such suspicion was that the painter had never entered into a legal marriage in his entire life. These events further complicated the life of the master, and eight years later, at the age of sixty-five, the great Sandro Botticelli passed away. He is buried in the cemetery at the Florentine church of Onis.