Peter Paul Rubens (1577-1640)

O grande artista Peter Paul Rubens nasceu em 28 de junho, 1577, pela vontade do destino, longe da terra natal de seus ancestrais - na pequena cidade alemã de Siegen (Westfalen). O sexto filho do advogado Jan Rubens e da filha comerciante Maria Papelinks estava destinado a se tornar o líder da nova estética e arte emergentes de Flandres - um estado que, pelo ano em que o pintor nasceu, nem mesmo existia no mapa político do mundo. Somente em 1609, a tão esperada trégua foi concluída entre a Espanha, Holanda e Flandres, que lançou as bases para o renascimento de um país destruído por muitos anos de guerra.

Na Flandres, como em muitos estados da Europa medieval, a Igreja Católica desempenhou um papel importante na vida do estado, juntamente com a nobreza feudal que o apoia e o estrato mais alto dos burgueses. Eram essas camadas da alta sociedade os principais clientes das obras de arte. Por causa de quê, Altares majestosos criados por ordem da Igreja Católica e pinturas de grande formato destinadas a decorar os castelos e palácios da cidade da nobre Antuérpia foram amplamente utilizadas na pintura flamenga. Os principais gêneros da arte eram cenas mitológicas, assuntos bíblicos, magníficas naturezas mortas, retratos cerimoniais e cenas de caça.

Jan Rubens era representante de uma antiga família da Antuérpia. Sua fuga para a Alemanha em 1586 foi causada por uma atitude simpática para com o protestantismo. Inicialmente, a família se estabeleceu em Colônia, onde um advogado respeitado recebeu o cargo de advogada Anna Saxon, a esposa de William I de Orange, quem era o líder da resistência holandesa. Breve, entre o advogado e a princesa houve um caso de amor, terminando no nascimento de sua filha. O escândalo que eclodiu quase matou Jan Rubens - ele foi condenado à morte por Wilhelm, o que é totalmente consistente com as leis da época. Somente pelos incríveis esforços de sua esposa Rubens, ele conseguiu se libertar da prisão para ir para o exílio na pequena cidade de Siegen. Toda a família viveu lá até a morte de Jan Rubens, que morreu aos cinquenta e sete anos após uma longa doença. Só depois disso, em 1578, Mary pôde retornar a Antuérpia com seus três filhos mais novos - os filhos Peter e Philip e a filha Blandina.

Voltar para Antuérpia

Na Antuérpia, Peter e Philip foram enviados para estudar na escola de latim de Rombouts Verdonka, em que permaneceram até 1590. Logo sua irmã se casou, e sua mãe enviou Philip para a Universidade de Louvain para que ele pudesse seguir os passos de seu pai e se tornar um advogado respeitado. E o mais jovem Peter, como era costume em famílias nobres, mas não ricas, entrou a serviço de página a Margarita de Lin, viúva do conde Philip de Dalen. Lá, Rubens aprendeu a etiqueta da corte e maneiras requintadas, e também percebeu que sua única vocação era pintar. Embora, para a mãe permitir que Peter obtivesse a profissão de artista, o jovem demorou muito.

Nos primeiros professores de seu filho, Maria escolheu seus parentes distantes - os artistas Tobias Verhacht (1561-1631) e Adam Van North (1561-1641). O segundo deles era realmente um pintor maravilhoso, altamente respeitado por seus contemporâneos, mas ele era conhecido como uma pessoa rebelde, que tratava seus alunos de maneira bastante rude. Logo Rubens entrou na oficina de Otto van Weet (Venius) (1556-1629) - o pintor mais famoso da Antuérpia. O professor teve um sério impacto na percepção de Peter sobre a estética artística, instilou nele as habilidades de estudo e composição completos, e desenvolveu um interesse pelos aspectos intelectuais da pintura. Mesmo depois de se tornar um artista independente, juntando-se à Guilda de São Lucas da Antuérpia (em 1598), Rubens continuou a melhorar sua arte, baseado nos princípios de seu último professor.

Vida na italia

Rubens, como muitos pintores flamengos, incluindo Otto van Weet, tinha absoluta certeza de que "a verdadeira luz da arte vem apenas da Itália". No início de maio de 1600, ele correu em direção ao seu sonho, obcecado com a ideia de cair neste tesouro da pintura, escultura e arquitetura para compreender a própria essência da arte. Chegando na Itália, o pintor trabalhou muito, estudou a técnica de antigos mestres, e copiou suas telas. Ele foi conquistado pelas obras de Leonardo da Vinci, Correggio, Michelangelo, mas a maior influência foi exercida pelas obras de Ticiano, bem como por artistas contemporâneos, Michelangelo da Caravaggio e os irmãos Carracci.

Rubens entendeu que para se tornar um “grande artista”, não basta estudar arte, você tem que mergulhar na cultura, Alfândega, vida do povo italiano. Portanto, no final de 1600, o artista entrou ao serviço do pintor da corte do duque de Mântua Vincenzo I Gonzago, que era conhecido como um colecionador gentil e manso, patrono, admirador apaixonado da arte e da ciência. Em seu nome, Rubens copiou muitas obras de mestres famosos. Além de cumprir suas funções diretas, o artista frequentemente participava dos negócios diplomáticos do duque.

Por exemplo, foi Rubens quem trouxe presentes de Vincenzo I para o Rei da Espanha, Filipe III e seu primeiro-ministro, Duque de Lerma, em 1603-1604. As paredes do Palácio Gonzago foram decoradas com toda uma coleção de retratos das "mulheres mais bonitas do mundo:princesas e mulheres sem título". Vários retratos desta famosa série de arquivos históricos foram feitos por Peter. Infelizmente, a “galeria das belezas” não sobreviveu até os dias atuais, mas talvez seja precisamente por isso que o artista foi enviado à corte do rei da Espanha.

Hora extra, O orgulho de Rubens começou a sofrer muito devido ao fato de Gonzago usar seu talento exclusivamente para criar cópias, embora ótimo, mas pinturas alienígenas. O artista também não aceitou a técnica aceita de escrever retratos personalizados, quando a face do modelo simplesmente se ajusta ao esquema de composição pré-preparado da natureza.

Ter a capacidade de encontrar sua abordagem não convencional para qualquer gênero, não importa o quão interessante ele era, Rubens deu uma nova vida à estrita estrutura "canônica" do retrato da corte, libertando-o da rigidez da escrita, o desprendimento do modelo e a composição congelada. O artista introduziu movimento e vida no gênero do retrato, adicionou riqueza de cores e aumentou a importância do fundo da paisagem circundante, tornando-se uma expressão digna de arte monumental. Depois de passar oito anos na Itália, Rubens pintou muitos retratos de aristocratas, por exemplo, Marquise Bridgid Spinola-Dorpa (1606, Galeria Nacional, Washington), “Auto-retrato com amigos de Mântua” (cerca de 1606, Museu Wallraf-Richartz, Colônia), bem como um retrato de seu patrono - o duque de Mântua.

Memória visual soberbamente desenvolvida, o treinamento meticuloso e a disciplina rígida permitiram ao mestre atingir tal precisão e dureza de mão ao criar esboços e desenhos que, entre seus contemporâneos, ele não era mais igual. Graças a isto, era Rubens, contrariando as afirmações de todos os melhores artistas italianos, que recebeu grande encomenda para escrever um retábulo para o altar de Chiesa Nuova.

Por trás da execução desta ordem estava a notícia perturbadora de uma doença grave de sua mãe. Rubens corre para Antuérpia no final do verão de 1608, mas não tem tempo de pegar Mary Papelins com vida. A artista estava muito preocupada com a morte dela. Em memória da “melhor das mães, ”Ele ergueu uma estátua em seu túmulo, que fez como retábulo para Chiesa Nuova em Roma. Mas, apesar de uma ocasião tão trágica, o pintor voltou à sua terra natal em muito bom momento. Finalmente, a tão esperada paz de doze anos foi concluída com a Espanha, prenunciando a paz e a prosperidade do país.

Confidente da Infanta Isabella

Ao saber do retorno do já famoso pintor à sua terra natal, O arquiduque Albert e a infanta Isabella, em nome da coroa espanhola, que governou Flandres na época, convidou Rubens para servir. E para que o mestre concordasse e não voltasse para a Itália, onde ele tinha uma posição estável e alto salário, o casal governante ofereceu a Pedro concessões significativas e uma série de privilégios atraentes.

Então, Rubens foi presenteado com uma corrente dourada, dada a posição honorária de um artista da corte, e uma alta taxa fixa foi atribuída para cada trabalho encomendado, além disso, ele também foi prometido uma recompensa adicional significativa. Ao contrário das regras pelas quais um pintor teria que se mudar para Bruxelas para viver no tribunal de patronos, Rubens foi autorizado a ficar na Antuérpia, ele estava isento de impostos e das regras da guilda de São Lucas.

Nenhum artista poderia recusar tais condições, então Rubens não começou mais a retornar à Itália. Dotado de uma mente sutil, um senso de tato, charme, e a capacidade de ter um interlocutor, o artista fez uma carreira brilhante como diplomata, o que também foi facilitado pelo fato de que ele se comunicava constantemente com os nobres mais influentes e ricos de muitos países. O previdente infante Isabella compreendeu perfeitamente que a arte do mestre dava-lhe livre acesso a muitas casas reais nobres da Europa. Ela decidiu tirar vantagem disso e fez de Rubens seu mensageiro não oficial. Durante as sessões de retratos, o artista manteve negociações secretas em nome da coroa espanhola. Graças aos documentos históricos preservados, podemos concluir que a maioria deles teve um desfecho favorável.

Amar

Logo a vida pessoal do mestre também foi ajustada. Em 1609, Rubens se reuniu com o secretário do tribunal da cidade de Antuérpia, Jan Brant. Sua jovem e linda filha Isabella conquistou o coração do artista com seu charme Rubens. O artista de trinta e dois anos se casou com ela apenas alguns meses depois, em 3 de outubro, 1609. O casamento feliz do artista foi baseado em um amor terno e forte. Rubens refletiu sua felicidade no filme "Autorretrato com Isabella Brant" (1609-1610, Old Pinakothek, Munique).

A tela se distingue pelo esplendor especial, virtuosismo e brilho. O pintor pintou cuidadosamente todas as joias e detalhes de fantasias caras, exibindo um padrão preciso e delicado. No rosto de Isabella Brant, alegria e felicidade sinceras são lidas, enfatizado por um gentil, sorriso quase imperceptível. O artista se retratou olhando calmamente para o espectador. Um visual aberto e as características certas enfatizam a nobreza e dignidade de Rubens, sua aristocracia. E embora o autorretrato seja próximo ao clássico retrato cerimonial, o artista em sua obra vai além da estrutura tradicional estrita deste gênero, dando ao espectador a oportunidade de sentir seu amor e afeição por sua jovem esposa, seu consentimento mútuo e ternura.

Tendo criado vários retratos de sua amada esposa, ao longo dos longos anos de sua vida juntos, Rubens sempre retratou Isabella com muita verdade, com precisão e com grande sentimento, deixando o fundo da foto escuro e borrado para não distrair o espectador do rosto de sua amada.

Reconhecimento universal e talentos pedagógicos

Grande sucesso e reconhecimento trouxeram prosperidade ao pintor, sobre o qual seus pais, exausto por seu difícil destino, não conseguia nem sonhar. Em 1610, ele adquiriu uma casa espaçosa, ao qual ele anexou um estúdio, e decorou a fachada com uma escultura, realizando assim seus projetos arquitetônicos criados na Itália. Neste palazzo estilizado em Antuérpia, o artista se estabeleceu com sua família.

A estreia do artista em sua cidade natal foi uma grande encomenda para o salão da Câmara Municipal de Antuérpia - a tela "Adoração dos Pastores" (1608, Antuérpia). A pintura tem forte influência da pintura italiana, com contrastes de preto e branco brilhantes, que foram a marca registrada do estilo artístico de Michelangelo da Caravaggio, que Rubens costumava usar em suas obras deste período sobre assuntos religiosos e mitológicos. A construção composicional e colorística “Adoração dos Pastores” repete quase exatamente a tela Correggio “Noite”, com apenas alguns acréscimos. Nesta ocasião, o artista francês Delacroix falou uma vez, observando que Rubens "tinha um dom único para absorver todo o resto ... Ele estava cheio dos maiores exemplos, remodelando-os de acordo com o princípio que ele carregou em si. "

Os primeiros trabalhos de Rubens sobre assuntos religiosos também mostram claramente o repensar da experiência italiana. Trabalhando em pedidos para a igreja, o artista nunca se sentiu constrangido pela estrutura clara dos cânones. A execução de dois trípticos para a igreja local:“Exaltação da Cruz” (cerca de 1610-1611, Catedral de Antuérpia) e “Descida da Cruz” (1611-1614, Catedral de Antuérpia) trouxe a Rubens o sucesso e a glória do melhor pintor não só de Antuérpia, mas de toda a Flandres. Sabe-se que o mestre concebeu a composição “Exaltação da Cruz” ainda na Itália, mas ele só conseguia perceber isso em casa. A materialidade tangível de todos os objetos e as características de vida nítidas de todos os heróis desta tela também indicam a influência mais forte da escola italiana. Com as obras do grande Caravaggio, o trabalho e a óbvia tensão interna e dinâmica de todas as poses e gestos dos heróis cheios de expressão dramática estão relacionados.

A construção composicional de pinturas que retratam dois dramas representados no Calvário é forte e significativa. Cada personagem tem seu próprio personagem único, mais plenamente revelado por meio da interação com o meio ambiente e outras figuras. As mãos de Jesus, localizado na parte central da tela da Exaltação da Cruz, não estão espalhados, mas se estendem acima da cabeça, Seu rosto está distorcido por um ataque de dor intolerável, seus dedos estão fortemente comprimidos, os músculos de todo o seu corpo estão tensos. O encurtamento acentuado de todas as figuras, os esforços tangíveis dos algozes erguendo a cruz, o brilho inquieto de luz e sombra forma um único impulso dinâmico, unindo natureza e homem. O artista fez todo o possível para que os crentes que olhavam para esta obra não tivessem a menor dúvida sobre o maior sacrifício que o filho de Deus fez por eles.

O “Descent from the Cross” tem um som interno completamente diferente. O plástico, gracioso, o corpo quase gracioso de Jesus não tem peso. Rubens compara Sua bela flor, cortado por uma mão cruel. Com um esforço incrível, Seus entes queridos se esforçam para manter o peso do corpo sem vida de Cristo. Ao lado de Jesus, vemos sua mãe e amigos, bem como “a mais amorosa e fraca das mulheres, na fragilidade, graça e arrependimento de que todos os pecados terrenos, perdoado, sentido e agora redimido, estão incorporados ”, localizado no primeiro plano da tela. Em geral, a composição é concisa, nele não vemos imagens de tormentos insuportáveis, gritos, gestos afiados, lágrimas. Nossa Senhora conteve os soluços. Apenas seus olhos avermelhados de lágrimas em seu rosto manchado de lágrimas e o gesto contido de suas mãos transmitem sua tristeza inexprimível.

Neste enredo, o pintor foi atraído por paixões e experiências humanas, que é provavelmente porque ele, experimentando pessoalmente a tragédia de perder um ente querido, foi tão convincente e brilhantemente capaz de escrever este trabalho, contando sobre as tristezas de parentes sobre os mortos. Ao contrário da Adoração dos Pastores, os trípticos criados revelaram toda a amplitude do talento de Rubens, refletido na escala das imagens, o poder de generalização, o conteúdo profundo da vida, combinado com entretenimento vívido - essas são as características do estilo individual do mestre, o que pode ser visto em todas as suas obras subsequentes.

Assim, Rubens recebeu de seus contemporâneos o título de "deus de todos os pintores". O enorme sucesso do artista, que atingiu o público com extraordinária monumentalidade, expressão e drama de suas obras, atraiu muitos alunos para ele. Breve, o atelier do pintor foi considerado a melhor escola profissional da Flandres.

O artista sempre procurou desenvolver um dom individual em cada um de seus alunos. Mas o número de pessoas que queriam se inscrever no treinamento do Grande Rubens era tão grande que muitos tiveram que recusar. Entre os “rejeitados” estavam até amigos íntimos e parentes do mestre, o que complicou seriamente sua vida. Então, em uma carta a seu amigo Jacob de Bi de 11 de maio, 1611, Rubens escreveu:“Realmente não posso aceitar o jovem que você me recomendou. Estou tão assediado por pedidos de todos os lados que alguns alunos estão esperando por outros mestres há vários anos para que eu possa aceitá-los. “Posso dizer com total veracidade, e sem o menor exagero, que fui forçado a rejeitar mais de cem candidatos, incluindo meus parentes ou parentes de minha esposa, e isso causou profundo descontentamento em alguns dos meus melhores amigos. ” Também, o número de pedidos do pintor era absurdamente grande.

Para cumprir muitos de seus pedidos, Rubens foi forçado a atrair seus alunos. O artista alemão Joachim von Zandrart escreveu sobre isso:“Yoon (Rubens) sempre compôs a composição da futura pintura em um esboço de dois ou três vãos de altura, de acordo com este esboço seus alunos .. pintaram um quadro na tela, que ele então passava com um pincel ou ele mesmo realizava os lugares mais importantes. ”O artista escreveu suas melhores obras por conta própria. Zandrart elogiou Rubens como professor. Em seu tratado sobre o mestre, ele observou que sempre "treinava cuidadosamente" todos os seus pupilos e "os usava de acordo com suas inclinações e habilidades". Gravadores, arquitetos e escultores saíram da oficina de Rubens, dirigido pelo artista na direção em que eles eram mais capazes. Muitos dos que estudaram na oficina do pintor posteriormente constituíram o orgulho e a glória da escola flamenga. Os mais famosos de seus alunos são Franz Slider (1579-1657) e Anthony Van Dyck (1599-1641).

Artesanato incomparável

No período entre 1615-1620, as obras de Rubens ficam ainda mais expressivas, adquirir complexidade composicional, são repletos de movimentos rápidos e características marcantes do estilo barroco. Mesmo as obras desse período escritas em cenas dramáticas são preenchidas com a plenitude e a dinâmica do ser, um personagem de afirmação da vida que permeia toda a composição. Os heróis dessas pinturas incríveis tornaram-se extremamente belos espiritual e fisicamente. O artista foi atraído por temas que falam sobre a resistência de um espírito humano inflexível, sua habilidade de explorar, o começo heróico, por exemplo, a obra “O mecenato da mulher romana” e “Cristo na coroa de espinhos”, ambos por volta de 1612, o Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo.

Para a figura de Jesus na composição “Cristo na Coroa de Espinhos”, o artista usou seu primeiro esboço italiano da famosa escultura antiga “Centauro”. Esta técnica não foi exceção, esboços de monumentos antigos por muitos anos serviram-lhe como uma das principais fontes de inspiração. Mas nesta pintura, a força excepcional do potencial criativo do mestre foi expressa de forma especialmente clara.

A figura de Cristo, comparada a uma estátua antiga, mantém um espírito bastante intenso, característica da maioria das obras de Rubens. É a expressão que o mestre colocou na imagem da figura infinitamente trágica de Cristo, localizado no centro da composição, dá à imagem uma nitidez extraordinária. Tendo colocado expressividade extraordinária no trabalho, o pintor conseguiu um contraste harmonioso perfeito entre o corpo brilhantemente consagrado de Jesus e o fundo escuro da tela, combinando assim o brilho emocional com técnicas técnicas perfeitas.

Sendo um conhecedor brilhante da arte antiga, Rubens demonstrou grande interesse por assuntos mitológicos. O artista nunca deixou de admirar a vida e a beleza do corpo humano. Deve-se notar que com tudo isso, o pintor nunca copiou as imagens de antigos mestres, mas repensou os ideais clássicos, traduzindo-os para a "língua flamenga". Rubens admirava a beleza nacional de uma floração, corpo humano forte. Acima de tudo, o artista estava interessado na incorporação na carne viva de uma pessoa de seu poder físico e movimento. E os melhores enredos para tal pintura poderiam ser extraídos da rica mitologia grega. As telas mais famosas deste período foram Bacchanalia (cerca de 1615, Museu Estadual de Belas Artes Pushkin) e Rapto das filhas de Leucipo (por volta de 1618-1620, Old Pinakothek, Munique).

Todos os movimentos nessas pinturas são excepcionalmente emocionais, os gestos gestuais são enfatizados pelos tecidos para roupas em rápido desenvolvimento. Rubens constrói com amor composições complexas e espetaculares, preferindo usar diagonais, elipses ou espirais para eles.

Então, na obra "O Rapto das Filhas de Leucipo", tanto pessoas quanto cavalos são retratados em momentos de maior estresse físico. Os corpos das jovens orando por ajuda formam um padrão complexo em termos de ritmos de cores e estrutura linear. O general, A silhueta “nervosa” de um grupo que se encaixa quase perfeitamente no círculo é perturbada por gestos expressivos. O pathos do trabalho é realçado pelo horizonte excepcionalmente baixo, graças ao qual as figuras parecem ainda mais espetaculares, ondulando em um céu nublado animado. A construção composicional é dominada por diagonais agudas que sobem.

O grande poder do amor que pode superar quaisquer obstáculos é retratado por Rubens na pintura Perseu e Andrômeda (1620-1621, Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo). Aqui, Perseu, o filho de Danai e Zeus, aparece diante de nós como a personificação mais elevada de um herói capaz de qualquer façanha. O vencedor do monstro marinho, de quem ele salvou a bela Andrômeda, é retratado com a cabeça da Medusa Gorgon no escudo e vários artefatos mágicos que o ajudam a lidar com quaisquer obstáculos. A intensa dinâmica interna de cada linha e forma, enfatiza o tema heróico da obra. Poses empolgadas de belos personagens da foto são percebidas como o eco de uma batalha recente. As figuras da deusa da glória e dos cupidos adicionam composição ao som pathos. O colorido da tela também contribui para isso. Estouros coloridos multicolores e leveza são alcançados por transições de tons surpreendentemente transparentes para cores vivas saturadas, criando uma sinfonia única da obra. O artista traduziu a conhecida história mitológica para a língua viva de Flandres, acrescentando muitos detalhes realistas característicos dos habitantes de seu país, revelando o conteúdo do mito de uma maneira nova e ao mesmo tempo nada perdendo do original.

Um lugar importante na arte do século XVII é ocupado por retratos de Rubens, relativos ao período de maturidade de sua obra. Eles revelam todo o encanto da linguagem pitoresca do artista. Criando obras deste gênero, Rubens atua como um verdadeiro sucessor das tradições da Alta Renascença, enquanto se limita apenas à estrutura de semelhança externa, não se aprofunda nas características psicológicas e nas experiências emocionais de modelos. Absolutamente todos os heróis do grande flamengo estão transbordando de vida. Ele interpretou imagens masculinas e femininas como gostariam de ser retratadas em retratos de uma senhora:primeiro adotou a beleza canônica, e então a semelhança individual. Em seus retratos, o pintor transmitiu perfeitamente todos os sinais necessários de sua época e a posição de seus modelos na sociedade.

“Retrato da Rainha Maria Médici” (por volta de 1622, Prado, Madrid) pode servir como um exemplo vívido de como Rubens pintou mulheres - com uma tez invariavelmente bonita, testa alta aristocrática, queixo muito elegante e olhos brilhantes bem abertos. Outra característica de todas as imagens femininas criadas pelo pintor era a plenitude elegante, como um atributo invariável de feminilidade e atratividade.

“Retrato do Chamberlain Infanta Isabella” (por volta de 1625, o Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo) também serve como um excelente exemplo do retrato do mestre. Com a ajuda de reflexos dourados leves, realces frios e sombras transparentes, a artista transmite o charme brilhante de uma jovem alegre. Rubens enriqueceu generosamente a caracterização de seus modelos ao afirmar seu papel social. Um lugar importante na estrutura composicional do retrato cerimonial foi desempenhado pelos detalhes, como virar a cabeça, um visual espetacular, a posição da figura no espaço, uma atmosfera festiva. Ele dotou os aristocratas de um senso de superioridade e um certo grau de arrogância, o que, ao mesmo tempo, não os privava de seu encanto vital. E a artista revelou todas as nuances não ditas com o auxílio de um terno.

Verdade, houve exceções marcantes, por exemplo, “Retrato de Elena Furman com dois filhos” (por volta de 1636, Louvre, Paris) quase não tem sinais óbvios de um retrato de desfile barroco. Não existem roupas caras e luxuosas e acessórios de luxo. Mas toda a composição da obra está imbuída de uma felicidade brilhante e serena. As imagens de mãe e filho são repletas de naturalidade e charme expressivo especial. Este retrato tornou-se um verdadeiro hino à maternidade e ao papel crucial da mulher na vida de cada homem.

Cenas de caça

Longe de ser secundário em toda a obra do pintor, o tema da caça. Rubens frequentemente se voltava para histórias sobre a luta entre o homem e a natureza. Ninguém mostrou as lutas ferozes de pessoas e animais de forma tão vívida e figurada como ele.

Se antes, nas obras de seus antecessores, retratando animais, o objetivo principal geralmente era demonstrar seu conhecimento da estrutura anatômica dos animais, e sua aparência nas telas, como uma regra, foi devido a assuntos mitológicos ou bíblicos, então eles começaram a desempenhar um papel independente em Rubens. Ele criou um mundo vivo onde pessoas e animais lutaram em uma batalha espontânea. Todas as telas desta série estão imbuídas de uma tensão tremenda:as paixões são aquecidas ao limite, pessoas animadas e animais atacam-se violentamente e sem medo.

“A caça aos tigres e leões” (1617-1618, Museu bela-Artes, Rennes) foi escrita na época de maior interesse do artista em cenas de caça e luta. De 1615 a 1621, o pintor, através de tais tramas, percebeu o objetivo principal de sua arte - cantar o dinamismo da vida e a personificação de momentos da realidade, que permitia apenas uma certa fração da ficção. As pinturas do artista não causam uma impressão sombria, eles não emanam da agressão, apenas pela força e poder, paixão incontrolável e desejo de viver.

“Há algo de delicioso neste horror, ”Escreveu seu contemporâneo. Criando suas famosas cenas de caça, o mestre jogou com os sentimentos do público, fazendo-o sentir empatia com o que estava acontecendo na tela, e também usou o interesse genuíno do público por animais exóticos.

No século XVII, A Europa só descobriu o mundo desconhecido de outros continentes. Todo mundo já ouviu falar de sua existência, mas apenas muito poucos testemunharam pessoalmente os mouros, Árabes, Tigres de Bengala, hipopótamos, Girafas africanas e elefantes indianos. Rubens costumava observar um exotismo semelhante em zoológicos de nobres ricos, para quem trabalhou ou com quem viu durante as suas missões diplomáticas.

O ciclo histórico dos monarcas franceses

A situação política na Flandres na década de 1620 era extremamente tensa, mas a vida do artista brilhou com todas as suas cores. Ele supervisionou o trabalho de pintores e gravadores em sua oficina, livros projetados para várias editoras para editoras, feito de papelão para treliça, e criou esboços para projetos escultóricos e todos os tipos de produtos de artesanato. Sua fama e sucesso cresceram em toda a Flandres, e logo foi muito além de suas fronteiras.

Isso foi promovido pela ordem mais importante da vida de Rubens, que ele recebeu em 1621. Em janeiro de 1622, o pintor foi a Paris para cumprir o contrato celebrado com a mãe de Luís XIII, Maria Medici. A essência do contrato era pintar para duas galerias do novo palácio em Luxemburgo ao mesmo tempo.

A primeira parte das pinturas deveria representar cenas da vida da própria rainha, e a segunda - cenas contando sobre o reinado de seu falecido marido Henrique IV. Infelizmente, a segunda parte do pedido nunca foi executada. Mas o primeiro deles trouxe um sucesso sem precedentes para Rubens.

A série de obras “A Vida de Maria Medici” (1622-1625, Museu do Louvre, Paris) tornou-se uma obra histórica excepcional do artista. O programa de imagens foi claramente compilado pessoalmente pela Rainha, mas na interpretação dos enredos, sua sequência e a ordem das figuras na composição, o pintor recebeu uma liberdade considerável. Tendo mantido a precisão e confiabilidade na imagem dos heróis, seus trajes e o ambiente, Rubens enriqueceu a composição com inúmeros detalhes alegóricos e personagens mitológicos. Por exemplo, na cena em que Henrique IV recebe um retrato muito embelezado de sua noiva Maria, existem dois cupidos alados, como a personificação do amor e do matrimônio, e Juno e Júpiter estão assistindo favoravelmente a toda a cena, abençoando o rei com a escolha certa.

A série inclui vinte e quatro grandes painéis nos contando sobre os acontecimentos políticos ocorridos na França no início do século XVII. Criando cada imagem que entrou no ciclo, Rubens o apresentou como um trabalho independente, que, ao mesmo tempo, também fazia parte do plano geral. Todas as obras da série são marcadas pela teatralidade, esplendor luxuoso e decoratividade características da arte barroca. Apesar do artista ter que atrair seus alunos para completar o pedido, a estrutura monumental das composições, paisagem espetacular e fundos arquitetônicos, e a cor elevada confere a essas obras qualidades decorativas incomparáveis.

Desde 1621, Rubens, conseguindo trabalhar no ciclo de Maria Medici, esteve constantemente em viagens relacionadas com as missões diplomáticas da Infanta Isabella. Durante uma de suas viagens, em meados de 1626, sua esposa provavelmente morreu durante uma epidemia de peste. O ilustre artista e diplomata ficou muito chateado com a morte de Isabella, que foi sua namorada fiel e sua retaguarda confiável por dezesseis anos.

Mas o tempo cura tudo, e quatro anos depois, tendo retornado para sua terra natal em Antuérpia, Rubens vai se casar com a filha de um de seus amigos, Elena Furman. A beldade de dezesseis anos cativou a artista com sua beleza. Ele dedicou muitos retratos a ela, e sua imagem era freqüentemente usada para pintar quadros sobre assuntos mitológicos.

Harmonia e paz

No final do período de seu trabalho, the artist was most attracted to the landscape genre. This was facilitated by the acquisition of the rural estate of the Château de Steen, located thirty kilometers south of Antwerp. Most of the landscapes were made by the master "for themselves", without the involvement of students, therefore they are all distinguished by special perfection. The power and heroic power of the images of early works is replaced by calm and harmony of the unity of man and nature. Rubens often writes scenes of peaceful labor of peasants and cheerful rural holidays. In landscape works, the painter develops the traditions of Dutch art, introducing a new ideological value into them.

The earlier painting “The Carrier of the Stones” (circa 1620, the State Hermitage Museum, St. Petersburg) is somewhat dramatic. Rocks in the foreground seem to soar from the bowels of the earth, creating a severe obstacle to people and horses. In the later works of Rubens, intonations change, nature appears before us as a single way of being, where a person lives happily and calmly.

The central theme of the artist’s paintings is rural nature, full of beauty and epic grandeur. His paintings seem to come to life endless expanses, the pristine forces of nature, harmoniously combined with the powerful figures of peasants engaged in their daily work. In the works of “Kermes” (circa 1635, the Louvre, Paris) and “Peasant Dance” (circa 1635-1638, Prado, Madrid) we do not see everyday authenticity, only a generalized type of a strong and beautiful Flemish people, written with love by the master.

Working for his own pleasure, Rubens explored a new technique, trying to show the true nature, not embellished with theatrical effects. John Constable, a distinguished English landscape painter, wrote:“Rubens hasn’t shown his grandeur in any other genre as in landscape.”

All the last years of the master’s life, he was tormented by the severe form of gout. Mas, even when the left and then the right hands first refused, the artist did not leave the fortitude, optimism and cheerfulness. On May 27, 1640, Rubens made his will, and on May 30 a sharp attack of gout stopped his heart. Received a grandiose recognition during his lifetime, the great "god of painters" died.

Peter Paul Rubens was buried in a most solemn manner. Contemporaries in deep sorrow led him on his last journey. The coffin with the body of the painter was accompanied by the choir of the Church of Our Lady and a solemn procession of sixty torchbearers, and in front of him they carried a golden crown on a pillow of black velvet.